OXO by OXO (Geffen, 1983). Our Album of the Week.

Amazing, catchy and direct pop-rock from early 80's. This is OXO's one and only LP.

OXO (band), #1983. Featuring Ish Ledesma. The only album they recorded. Pop a-la The Cars, Menudo, FOXY... #WorksForUs. #AlbumOfTheWeek for a #WhirlyGirl.

Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Friday, September 25, 2015

Vinicio Capossela's All'Una e Trentacinque circa (1990) - Album of the week!

VINICIO CAPOSSELA's #Debut album, All'UnaeTrentacinqueCirca (1990) is our #AlbumOfTheWeek!

Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Friday, September 18, 2015

Album of the Week: Kamakiriad, Donald Fagen (Reprise, 1993)

Donald Fagen's #Kamakiriad (1993). The funkiest #RoadTrip on a #JapaneseCar of the Future. Album of the Week.

Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Saturday, September 12, 2015

Cantautor (1944-2015)

Muerto el cantautor de la venus afro...leches!

La muerte de Javier
Krahe se suma a otras que este año nos están pescando por sorpresa, y esta vez la sorpresa es amarga
porque Krahe se merece, o mereció, haber tenido más fama en Latinoamérica,
aunque creo que para él la fama que obtuvo en su tierra España fue la justa. Un
infarto acabó con su vida el 12 de julio del 2015, y el mundo ha perdido a un
formidable cantautor y poeta.

También
podríamos llamarle trovador, aunque él pareciera que no se entendía muy bien
con la guitarra acústica y más bien le gustaba cantar y mover las manos. Era
ahí en las líneas de frontera de la ironía y la sordidez, las cuales cantantes como
Joaquín Sabina o Pablo Carbonell no se atrevían a cruzar, en donde Javier Krahe se aparecía
con micrófono en mano y simplemente las borraba. Le cantaba al cuerpo desnudo
de aquella amante efímera que no volverá a ver, a la falta de dinero, a la soledad; pero nunca se lamentó ni lamió sus
heridas pidiendo la compasión del oyente: se reía a carcajadas y, con ironía, la pasaba muy bien fumando y
bebiendo en unas noches de bohemia que hacían caer a todos bajo la mesa, menos a
él. Era un viejo loco, y su poesía lo mantenía como el último recodo de la sanidad antes de pasar a la demencia total.

Su
principal tema lírico era el sexo y la búsqueda del amor de la mujer perfecta. Estaba
obsesionado con la belleza femenina y con la pasión que arranca un beso o algo
más. Su primer LP, Valle de Lágrimas, incluye un cover de “Marieta” de Georges Brassens (su máxima influencia) en la
cual la chica siempre lo deja plantado o haciendo el ridículo, incluso hasta en
el día en que ella muere y se le da por resucitar frente a él, quien sostiene lloroso una corona de
flores (“hecho un gilipollas... madre”, atina a decir luego del milagro). Al parecer, las mujeres
lo dejaron perplejo luego de haber salido del colegio de curas. Se preguntó por
qué algunas, como su esposa, iban diciendo por ahí que la tenía chiquita (“Un
Burdo Rumor”), y con poesía escandalosa y asimétrica nos convenció de que era
un romántico empedernido que no se callaba nada. De más está decir que
influenció a Joaquín Sabina, Javier Gurruchaga (el líder de la fantástica
Orquesta Mondragón) y Pablo Carbonell (Toreros Muertos).

Sin
embargo, no fueron las letras cargadas de erotismo las que le parcharon la boca en la España
ochentera. Se burló del gobierno democrático en 1986 cantando “Cuervo Ingenuo”,
la primera canción censurada post-Franco. En ella, Krahe habla como indio
norteamericano y le dice a Felipe González, en su cara, que es un hipócrita al
haber prometido sacar a España de la OTAN y luego decir que “esa alianza ser de
toda confianza”. La TV española censuró el tema durante un concierto de Sabina,
y posteriormente le costó mucho a Krahe seguir tocar en vivo, mientras otros
artistas “rebeldes” de la movida española se llenaban los bolsillos.

Krahe fue
muy crítico de la religión católica y al parecer conocía sus puntos débiles
(como en “San Cucufato”). El 2012 fue absuelto por un tribunal civil luego de ser
acusado de “herir susceptibilidades religiosas” al hacer un video sobre cómo
cocinar un crucifijo (cosa curiosa, cada domingo se les recuerda a los
feligreses que la cristofagia es la piedra angular del catolicismo), y la relación estrecha iglesia-estado español volvió a relucir gracias a los medios, recordándonos que el franquismo aún no había desaparecido del todo. Sabía que
las guerras eran hechas para matar jóvenes y evitar que éstos cambien las cosas
(“Carne de Cañón al Chilindrón”) y que la pena de muerte era el punto más bajo
del ser humano (“La Hoguera”, su canción más lúgubre y prueba de que en España algo se tuvo que aprender luego de la Guerra Civil).

"La Hoguera", de su primer disco, también apareció en una compilación llamada "Homenaje a las Víctimas del Franquismo":

Krahe
no se vendió jamás a un partido político, a una marca de cerveza ni a una marca
de ropa. De eso su vida puede dejar testamento. El documental del 2004 Esta No Es La Vida Privada de Javier Krahe
lo pinta como un tipo simpático, sarcástico y a la vez respetuoso de su público
(la mayoría mujeres muy jóvenes), aunque siempre tocando en lugares muy
pequeños que se llenaban a tope. La fama le fue esquiva, pero a él no le importó: tenía a bellas damitas frente a él en sus conciertos íntimos. Sabina tenía en frente a su personal de seguridad de amarillo, en locales para más de 20,000 personas.

Anarquista,
contestatario y sin bandera, en una de sus últimas entrevistas se le puede ver
renegando contra la mala calidad de ciertos licores y contra Spotify,
mencionando que desea estrangular o lesionar físicamente al director de dicho
servicio digital en España. Krahe ha muerto súbitamente, pero en dicha entrevista ya se
le notaba enfermo y su corazón no tuvo más remedio que abandonarle.

Nos
deja una vasta discografía muy similar a la de su ídolo Georges Brassens: 15
discos, con uno último llamado Las Diez
de Últimas (el decimocuarto y último de Brassens se llamó Nouvelles Chansons, a propósito). En dicho LP dejó
una postdata formidable llamada “Puzzle” que hasta ahora tratamos de descifrar,
pero imaginamos que hay una mujer bella de por medio en la historia.

No
queda más que despedirnos de Javier y decirle gracias. Aquí la traducción que
hizo de “La Tormenta” (“L’Orage”)
de Brassens, cantada por Alberto Pérez. El final de la historia fue una invención de Krahe para dejar la
llaga herida, la pasión ardiendo, y las nubes cargadas de electricidad ante la
amante que partió.

Aquí nuestra crítica a aquel magnífico LP en vivo La Mandrágora.

Pez fuera del agua (1948-2015)

En 1999, cuando empezamos con esta página Web que degeneró en blog y luego en radio por Internet, tuvimos a Chris Squire, bajista y fundador de Yes, y a su Fish Out Of Water como primer álbum a comentar descaradamente como uno de los mejores discos de la historia del rock. Chris ha muerto ayer víctima de una terapia contra una leucemia aguda que mejor hubiera sido dejada en paz, puesto que Chris ya estaba viejo y obviamente no estaba listo para un tratamiento tan fuerte. Mucha gente que conocemos y queremos ha muerto por estos tratamientos asesinos. Esta vez, Squire encontró la muerte en Arizona, Estados Unidos, lejos de cualquier masa de agua considerable. El pez murió fuera del agua, efectivamente.



Queremos celebrar su vida y música recordando aquel comentario que hicimos hace ya bastante tiempo y ver lo mal que escribíamos y lo mucho que hemos mejorado. Recordamos que, una vez en Facebook, le preguntamos a Squire el motivo por el cual decidió sacar este disco y nos respondió que en ese entonces todos los miembros de Yes estaban sacando álbumes solistas como decisión unánime de la banda. El de Squire parecía ser, a simple escucha, el más logrado. Y lo era. 



Descanse en paz, oh príncipe del bajo eléctrico. 

Fish Out of Water

(Atlantic, 1975)

CHRIS SQUIRE

Este es el primer y hasta ahora único álbum solista de aquel monstruo del bajo. Disco que muy bien podría ser considerado uno más de Yes pero sin la voz de Jon Anderson (que ni falta hace) ya que Chris desempeña un buen ejercicio de sus cuerdas vocales a la vez que controla todas las cuerdas, gruesas y finas, en cinco tremendas canciones, muy contundentes.

Debido a su signo zodiacal Piscis y a su afinidad por pasar horas en el agua, A Chris le decían Fish y él ya había usado el sobrenombre en el disco Fragile (Atlantic, 1972) en un tema suyo, "The Fish (Schindleria Praematurus)," compuesto solo de bajos tocando uno sobre otro. En 1975 Chris, tomándose un sabático de Yes, decide grabar un álbum personal sobre su infancia y las cosas que lo apasionan: El número 7 ("Lucky Seven"), la música sacra ("Hold Out Your Hand") y la experimentación sónica ("Safe" y la perfecta "Silently Falling".) Squire quería contar una historia sin tanto aspaviento como Anderson pero sí con mucho órgano de iglesia y gusto por el jazz.

Lo acompañan Patrick Moraz en los teclados, Bill Bruford en la batería y su ex compañero del grupo Syn Andrew Pryce Jackman en el piano y las orquestaciones. Al ser un LP totalmente suyo, Squire se exorcisa de la influencia de Anderson, Wakeman, Howe y Eddy Offord para hacer un disco como solo él quería que fuera, y le fue muy bien. La crítica y los Yes-Fans lo adoraron. "Hold Out Your Hand" es un tema formidable que confirma quién era el creativo de Yes; ya que los primeros discos solistas de Anderson, si bien escuchables, no demostraron tamaño nivel de genialidad. "Silently Falling" contiene once minutos del más puro rock progresivo, con los mejores exponentes del momento, acompañando al bajista más desarrollado de los setentas en el mundo del rock.

Fish Out of Water es un disco sobresaliente del rock progresivo con canciones largas, fugas a estilos barrocos, paisajes musicales relajantes continuando los temas desarrollados en Fragile y Close To The Edge y el sello inconfundible de Atlantic Records coronando el centro del vinilo. Estén también pendientes de la nueva versión a ya a la venta, incluyendo un DVD extra.

Under the Influence

We all know that Rubber Soul (Parlophone, 1965) by The Beatles is a masterpiece on its own right, but it has always been categorized as a great Beatles album under the shadow of Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band and Revolver. For some fans, this record is way, way better than these two and here we're going to prove their point.

In 1965 The Beatles were still touring, and before this record, they played at the ultimate venue, their peak in their concert career: a loud and pretty much unlistenable gig at Shea Stadium. They were getting tired of singing about boy-loves-girl songs and even if they already suggested introspectiveness in their previous hit single "Help!," they never explored more than male romance and sexuality. Rubber Soul was their breakthrough and a pivotal point in rock and roll in general. They changed the way of things being done, and everybody else followed.

Just imagine what was going on in London in 1965. Lots of tobacco and weed smoke going around the swinging nightclubs, plus sex, alcohol, pills, and soon to arrive, a substance called LSD. Paul McCartney was having fun with his brain, a fantastic machine spilling creativity all over. John Lennon was becoming a tortured soul under an unhappy marriage and everything he dreamed of was at his reach, yet so far away. Yoko Ono wouldn't enter the scene until the following year. At Abbey Road, George Martin was pushing the guys to produce high quality work, not bubble-gum or forgettable pop. This was envelope-pushing to the max. Martin was disappointed with the results of Beatles For Sale, and he wanted to produce something better. He was not getting the best of the Beatles if they were under the stress of touring. George Martin wanted them in the studio. Well, Rubber Soul is a brilliant studio product made during the heyday of Beatle touring, recorded on a tight deadline. A transitional album from the Mersey Beat sound into unknown territory. The unmistakable link between the four rocking kids of "A Hard Day's Night" and the studio band that gave us "Penny Lane." Rubber Soul explains the transformation process to us.

Notice that the Beatles rarely talked about God, but a lot about love. With the exception of George Harrison's approach to Hinduism in his music, Lennon and McCartney didn't want to explore the concept of God since they were agnostics, in a nice way. For the first time on a Beatles song, Lennon preaches like a priest in "The Word," which for me is a song about the meaning of life (God for others). Before that, he confessed an affair he had with a mysterious woman in "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", ending it by setting her apartment on fire. Like I said, she was no Yoko, but the song is (must be) full of inside clues about the girl's identity. Most likely, the rest of the band knew who she was. Paul at that time was dating Jane Asher but he came out of himself, as he usually does, and sang a love song to a French girl named "Michelle," giving the Beatles a Grammy for Song of the Year in 1966. He also sang, tho, about Jane directly in "I'm Looking Through You," posting a storm (in a teacup) warning of what would happen in 1968. McCartney was the only unmarried Beatle at the moment, and Jane probably started to feel she was not meant to be Mrs. McCartney.

Rubber Soul is also the first time when the Beatles look and sing like men, not like boys. Lennon remembers his tortured affair with a "Girl", who later John claimed it was Yoko. Well, although it may not be the girl of "Norwegian Wood", most likely she was the "Day Tripper". The song made me think about Lennon's real vision of living a life in love with a woman. Did he create the Yoko character in his mind even before the Avant Garde artist was introduced to him? Did he shape Yoko to his will? Or did she to hers? Was he longing for a tortured love the same way he was longing for long gone friends and lovers in "In My Life"? How much nostalgia can a man stand without going nuts? The answers are here.

George Harrison contributed with two songs of his own, suddenly becoming a grumpy and wise old man and stripping himself completely off the happy-go-lucky character Paul McCartney wanted him to be. "Think For Yourself" and "If I Needed Someone" are different and caustic points of view on love and relationships, and George started to think it'd be a good thing to leave, but George made fans love him even more.

Capitol Records would butcher and alter Rubber Soul for its sale in the U.S. "Drive My Car," "Nowhere Man," "What Goes On" and "If I Needed Someone" were replaced with "I've Just Seen A Face" and "It's Only Love" (both songs from the U.K. release of Help!) so the American album could cater to the new and growing Folk-rock audience generated by Dylan at Newport. The Beatles wouldn't let Capitol alter their products after the butchering of Revolver, the last straw.

There's so much to talk about Rubber Soul it would take an entire blog or website. But you can enjoy the music almost anywhere. Buy the mono record on vinyl! Enjoy!

Cuidado, puede ser, que por las noches sueñes con este disco, mujer...

Vivo (EMI Odeón Chilena, 1999)

JOE VASCONCELLOS 

Atención fanáticos: este es un disco interesante, fresco y nuevo para tener en la colección. Si uno es chileno, definitivamente es imprescindible tenerlo. Si uno no es chileno, será un descubrimiento grato. Y les aseguro que el disco vivirá en sus reproductores por un buen tiempo. Vivo de Joe Vasconcelos es un disco que no defrauda. Vasconcellos es un músico brasilero-chileno (esto lo suponemos por su apellido) que nos ha dejado encantados en CacaoRock con este espectacular recital de Abril de 1999 en el teatro Providencia de Santiago de Chile.

Al grano: podría tratarse del disco más importante de música pop chilena de los últimos 10 años. Un talento portador de un ritmo contagiante y una sinceridad que no conoce localismos en el lenguaje. Joe Vasconcelos puede combinar aquel sabor chileno en la música rock -directamente relacionado con sus modismos- con el reggae y con los ritmos de samba y batucada brasileros ya que cuenta con una orquesta de primer nivel, en la que destacan definitivamente Sidney y Silbert Silva en el área de percusión.

Los temas fluyen rápido y el disco es muy fácil de escuchar. "Preemergencia" habla de la contaminación de la capital chilena y la indiferencia de las autoridades, nada del otro mundo porque en Perú estamos igual o peor. Una sorpresa es encontrar a "La Joya del Pacífico", un bolero popularizado en Chile por el peruano Lucho Barrios que es llevado a la Samba de Pagoda. ¡Qué bien! A mí no se me hubiera ocurrido. "Induce" tiene en su introducción algo de huayno andino acompañado con cierta instrumentación hindú -porque hay una sítara por ahí-. Vasconcelos nombra a Pablo de Roca y la chilenada reconoce a Neruda, el gran poeta mapocho. Joe nos invita a conocer más de cerca a Chile y su gente. "Mágico" tiene brillantes arreglos de vientos y de percusión que la hacen la canción mejor interpretada. ¿El ritmo? Reggae brasilizado. El concierto se cierra con "Hijo del Sol Luminoso", tema escrito por Joe y que fue un éxito del grupo chileno Congreso. Al haber escuchado Congreso con anterioridad, permítanme decir que esta versión es muchísimo más fresca y, de algún modo, más liberadora, aunque también hay que considerar el hecho de que la versión es en vivo y la audiencia también es parte de la canción en un 50%.

De lejos, los mejores temas son "Huellas", "Las Seis" y, mi favorita, "Una Fiebre". El tema de las tres recae es el mismo: decepción amorosa. La misma vieja historia contada con un ritmo contagiante y melodías creativas y pegajosas. "Huellas" tiene una frase simpática: Cuidado, vas a ver que no se juega con alma ajena mujer. Cuidado, puede ser que por las noches sueñes conmigo... una advertencia o una amenaza, ¿qué diferencia hay?. "Las Seis" tiene mucho de la música tropical-andina (léase chicha) que actualmente hace reventar los locales nocturnos de Buenos Aires y Santiago. En dicho tema, el héroe ha pasado una noche de pasión con una mujer que lo dejó más seco que escupo de momia... y él siente el picazón del amor, aunque sospecha que la chica no va a volver a dejarlo entrar en su cama. "Una Fiebre" cuestiona hasta qué punto uno se enamora del físico de una persona, y lo que implica: No hay que pensar, analizar ni cuestionar, sólo déjalo fluir sin pecado y sin temor... fue una fiebre, una obsesión, mensaje del corazón, ¿tal vez amor? el narrador se echó un polvo espectacular con la chica que se largó a la noche siguiente, a pesar de que le juró amor en el calor del momento. Un One Night Stand que le deja un sabor agridulce en la mañana del domingo (¿domingo? ¿por qué habré dicho domingo?). Es probable que la protagonista de las tres canciones sea la misma chica.

Vasconcelos ha metido en una licuadora muchos ritmos, ha hecho un fusionado con muy buen resultado, original y a la vez masivo, y dudo que se pueda copiar fácilmente.