2002-2016 Comics

 

Alianza Lennon

No solo esta vez quisiera recordar al primer Beatle que se fue antes de tiempo, sino también a aquellos chicos que 7 años después hicieron lo mismo.

El 8 de Diciembre de 1987 un avión de la Marina de Guerra del Perú transportaba al equipo de fútbol de Alianza Lima desde la ciudad selvática de Pucallpa hacia Lima, después de haber ganado contra el equipo local. El avión se precipitó al mar de Ventanilla y sólo sobrevivió el piloto. siete años antes, un loco llamado Mark David Chapman disparó a quemarropa contra una de las personas más queridas del mundo.

Alianza Lima y John Lennon partieron a la inmortalidad un 8 de diciembre, con siete años de dieferencia. Recuerdo la noche de la caída del avión, mas no la de la muerte de Lennon. En 1987 yo acababa de cumplir 14 años y recién estaba entrando al universo de los Beatles.



Sabía que Lennon había muerto siete años antes y sólo hace algunos años me dí cuenta que su muerte fue uno de los eventos más influyentes en la cultura popular occidental: generó una tristeza colectiva profunda que se manifestó en los rankings musicales: Los discos de los Beatles volvieron a venderse pero esta vez eran lágrimas y no sonrisas las que acompañaban las escuchas. La canción "Woman" del álbum Double Fantasy se escuchaba por todas las radios y hasta fue nombrada la "Más Más" de la década de los ochentas por Radio Panamericana. Hablar en tono de burla de la muerte de Lennon era pues como hacer chistes crueles sobre la tragedia del 11 de Septiembre del 2001 o, también, sobre la muerte del equipo completo de Alianza Lima, los famosos Potrillos.

Fútbol y música cumplen una función importante en la sociedad: entretener delincuentes. Nosotros, delincuentes, vimos perecer, en un lapso de 7 años, dos íconos importantes de nuestra identidad. A Lennon lo recordamos con tanta frecuencia que a veces pensamos que no se ha muerto y ni se le extraña porque su voz es omnipresente. A los Potrillos sí los extrañamos y nos duele mucho que las causas del accidente hayan sido encubiertas para salvar cabezas y galones en la Marina de Guerra. Bueno, también se dijo que el asesino de Lennon no era un simple "loquito enfermo". Es muy probable que hayan habido intereses más fuertes que hubieran querido a Lennon fuera del mapa una vez que éste había conseguido su Residencia Permanente en los Estados Unidos. Pero esa es otra historia.

De haber estado vivo Lennon, ¿qué hubiera dicho sobre la guerra en Irak, La guerra en Bosnia, el genocidio de Darfur, el escándalo Irán-Contras? Lo sabemos: lo mismo que dijo sobre la de Vietnam. De haber aterrizado el avión de la Marina, ¿hubieran campeonado los Potrillos en el torneo descentralizado de aquel año? Sabemos la respuesta también.

Osea ta k toy muerto, manyas.

El gran
comediante peruano Ricky Tosso ha muerto. Reseñas de su vida hay por muchas
partes, pero aquí solo hay una declaración de tremenda pena por su partida y, a
la vez, de gran admiración por un estilo de comedia característicamente peruano.

De más
está decir que fue el personaje que más me hizo reir en la TV en los ochentas
con su programa “Detectilocos”, del cual ya he hablado antes en este blog y en Arkiv. Me
da pena no haber tenido la oportunidad de interactuar con él, ni de haberle
dicho lo mucho que lo admiraba... pero bueno, será para la próxima.

El legado de Tosso se siente en el humor televisivo peruano hasta ahora. Era muy bueno contando chistes, imitando cantantes, pero sobre todo, en Detectilocos, era mejor siendo él mismo, y al parecer nos dimos cuenta todos a través de la TV y del teatro que era un gran, gran tipo.

Prince: complaciente y poderoso

Prince: “cantante estadounidense calificado de: negro, sucio, salvaje y
degenerado” leía la enciclopedia Historia de la Música Rock de editorial Orbis
allá por 1982. Prince es un artista completo, y su muerte el 21 de abril cierra un capítulo de una discografía “en vida”, porque van a haber tantas
cosas saliendo en los próximos años que la gente va a pensar que está vivo. Y
es que Prince ha dejado un catálogo musical equivalente al Gran Cañón en la geografía estadounidense, a la Gran Muralla China en geopolítica, a tu primer
orgasmo en tu vida privada.

Prince Roger Nelson fusionó todo, lo sazonó con disco, funk, política
y, sobre todo, sexo y religión a montones. Para él Dios y la mujer eran la
misma cosa. Supo amar a sus mujeres y a su prójimo. Con maquillaje, pelos
parados, mallas y nalgas al aire, digamos que Prince Roger Nelson era el hombre
perfecto, el prototipo de "hombre nuevo" que el Che Guevara trató de alcanzar a punta de balas, cuando lo que necesitaba era un micrófono, una guitarra, un chupete y un bastón de oro.

Me he demorado en escribir sobre su muerte quizás porque me desanimó el
hecho de que nuestros ídolos se están muriendo como peces en marea roja, y que
ya no había más que decir luego de la muerte de Bowie y Lemmy. ¿Pero Prince
muerto? Impensable, inaudito. El tipo vivía y respiraba funk. Tocaba la guitarra como los dioses y su música era
contundente, compacta y cojonuda. Sólo lanzó un “grandes éxitos” luego de 15
años de carrera (el The Hits doble).
Les cantó a la mujer y a Dios con la misma fuerza y disposición. Se peleó con
su casa disquera y con la prensa, pero su mayor batalla sería contra la Internet,
en una relación amor-odio que le hizo enjuiciar fans, cerrar páginas Web y
amargarse la vida, convirtiéndose en un ermitaño excéntrico millonario. Su
muerte llegó en medio de una gira en la que solo iba tocando el piano y
cantando por EE.UU., con tickets a $200 que tenían que ser comprados por los
asistentes y no revendidos; por tanto otra de sus peleas fue contra los
revendedores cibernéticos y faltosos de hoy en día.

Su muerte también sacó a la luz material enterrado por años. Ahí está
sonando “Dirty Mind” una vez más, “Pink Cashmere” y “Alphabet Street” se meten
a nuestros cerebros alegremente, y por lo menos dos fuentes citan al LP Batman como su mejor trabajo (yo ya lo había
dicho en 1999).

Entre 1978 y 2016, Prince lanzó un enorme y sólido puñado de álbumes de los
cuales se ha hablado muchísimo, y los fans ya saben cuáles son sus favoritos:
Prince tenía un especial talento para hacer llegar un álbum al corazón del
oyente y hacerlo íntimo. 1999, Purple Rain, Lovesexy, el del símbolo
que luego sería su nombre... Ni qué decir de los maxisingles: Prince es más poderoso en los remixados bailables. El pequeño gigante de Minneapolis nos ha regalado,
perdón, vendido música que supimos apreciar, celebrar y bailar. Y mientras
todos íbamos a Youtube a buscar música gratis, él se ponía recontra terco y nos
decía que todo eso era una estafa. Y tuvo razón. 

Prince era un artista que exigía de sus oyentes una mente abierta. Iba a
cantar cosas bastante controversiales, cargadas de sexualidad, y también iba a
decirle al gobierno que no mande jóvenes a morir por petróleo. Diría frases
como “¿Crees ser valiente? Besa a tu enemigo” y “Conocí a Nikki en el lobby de
un hotel, estaba masturbándose con una revista”. Rechazó a la prensa escrita y
no aceptó entrevistas por mucho tiempo (hasta que la cuenta bancaria empezó a
mostrar “empty”). Su estudio de Paisley Park perdía mucho dinero porque Prince
hacía lo que quería y algunos de sus discos no vendían por motivos obvios. Estaba
llenando su bóveda de música muy buena que probablemente jamás salga a la luz.

Prince fue un músico genial pero era evidente que le faltaba un tornillo. Rechazó
todo tipo de ayuda, en el estudio y fuera de este. Jamás colaboró con nadie,
sino que él controlaba todo lo que salía de su voz e instrumentos. ¿Sus bandas?
Por los testimonios, parece que no tenían derecho a ninguna opinión.

¿Qué discos de Prince son indispensables en una colección? Buena pregunta.
Aquí una lista:

Batman

Dirty Mind

1999

Sign O' The Times

Love Symbol

Purple Rain

Lovesexy

The Vault

Musicology

The Hits, 1, 2 and B Sides. 



Y obviamente aquellos póstumos que saldrán cual bandada de palomas llorantes. Ya que Prince
gustaba de editar su material él solo, probablemente no suenen como él hubiera
querido. Pero una cosa es cierta, la gente lo seguirá escuchando por siempre.

Lemmy, Bowie, Frey... y bueno, la música en general.

Lemmy.

El invierno de 1969 es considerado por algunos
historiadores de los Beatles como "el invierno del descontento", en
el cual los Beatles por primera vez se miraron unos a otros y dijeron “esto ya
no da para más”. Pues bien, el invierno del 2016 (o verano para el hemisferio
Sur del mundo) es también otro de descontento, aunque yo lo llamaría el
“invierno de las emociones intensas”.

En solo unas cuantas semanas el mundo del
entretenimiento fue impactado con noticias buenas y malas cual meteoritos
chocando la tierra e intentando generar un Apocalipsis, una extinción masiva.
Un evento masivo y agradable (el estreno de Star
Wars: The Force Awakens) consoló a un mundo lleno de violencia e
hipocresía, sufriente luego de ataques en Francia, EE.UU., Mali... por unos
cuantos días todos, incluyendo los terroristas, parecían haberse olvidado del
negocio de matar.

Glenn Frey, Don Henley y Joe Walsh, 1979.

Hasta que llegó el 28 de diciembre, Día de los
Inocentes, y un afligido Billy Idol da una noticia que no era broma: Lemmy
Kilmister de Mötorhead había muerto a los cuatro días de su cumpleaños número
70 y a los dos de un diagnóstico de un cáncer fulminante. Nos estábamos
recuperando tomando un Lemmy (el
trago favorito de Kilmister, Jack Daniels y Coca-Cola) cuando el 11 de enero se
jodió todo: Bowie fallecía en una fría mañana londinense, tres días después de
su cumpleaños número 69 y de haber lanzado Black
Star, un muy buen disco donde el duque blanco lidia con el ángel de la
muerte. Poco después, el 18 de enero, Glenn Frey, guitarrista y cantante de
Eagles, se reunía con Bowie y Lemmy y el supergrupo de los fallecidos quedó
formado, ya que John Bradbury, baterista de Specials, había muerto el mismo día
que Lemmy, así que guitarra, bajo, batería y vocales ya estaban rumbo al más
allá. Faltan teclados pero Rick Davies de Supertramp, quien ahora no está bien
de salud, aún no está listo para perder la batalla contra la pelona.

La cosa es que con las muertes de Lemmy, Bowie
y Frey se ha declarado oficialmente la muerte del concepto de rock and roll superstar, en el cual un
artista vivía su vida tal como si estuviera en el escenario las 24 horas del
día, los siete días de la semana. Eran otras épocas en las cuales un músico
podía vivir de las ventas de sus discos y de lo que tocaba en vivo.

En los setentas, ochentas y noventas, esto era
bastante común, y la conceptualidad de artistas originales y magníficos como
Bowie nos inspiró a nosotros, músicos y oyentes, a vivir bajo nuestra ley. No
tienes que ser admirador del trash o speed metal para admirar a un tipo como
Lemmy, ni tienes que vestirte de forma andrógina para ser fanático de Ziggy
Stardust, el personaje con el que Bowie remeció la industria musical, solo para
seguirla cambiando a cada rato. Sin Bowie no hubiera habido NADA de lo que se
oyó en los ochentas, y no pecamos de exagerados al decir que fue la estrella de
rock más influyente del rock and roll después de Elvis Presley, John Lennon y
Mick Jagger.

Mientras Bowie cambiaba de ropa y personalidad
en cada disco, Lemmy Kilmister de Mötorhead se mantenía igual: agresivo,
ruidoso, violento y veloz. Su banda, un power-trio acelerado que volaba cabezas
en los discos y en los conciertos, tenía como propósito satisfacer a una
audiencia en búsqueda de sexo, alcohol, drogas y bulla. En 1977 el speed metal
nacía con el debut de la banda, Mötorhead,
y una vez más el rock and roll engendraba otra cultura de motocicletas,
cadenas, logotipos puntiagudos y mucho cuero negro. Lemmy nunca se jactó de
haberla creado; más bien se alegró de poder tomar su Jack Daniels con Coca-Cola
(trago ahora bautizado como Lemmy) en
el bar Rainbow de Los Angeles, donde pasaba la mayor parte del tiempo. La
música, bebidas y drogas fuertes lo mantuvieron activo y es un misterio cómo no
falleció de sobredosis en algún momento; aunque mucho de lo que se escribe
sobre nuestros roqueros favoritos son, eh... exageraciones, ya que una cierta
actividad o estilo de vida no determina un cierto comportamiento de abuso de
alcohol o estupefacientes, caso contrario muchos políticos y banqueros serían
"roqueros" también.

Pero el abuso de sustancias no es sinónimo de
una corta vida o muerte prematura, sino más bien de una vida miserable. Ahí
tienen al cuasi-inmortal Ginger Baker (a quien vimos el 2015 tocar la batería
fumando varios cigarrillos y jactándose de haber sido adicto por muchos años a
la heroína. Apenas puede caminar, y aunque mantiene una lucidez que otros
músicos menores que él ya la han perdido (como Malcolm Young de AC/DC), vive
quejándose de sus males. El accidente cerebro-vascular que envió a Gustavo
Cerati a coma, y de ahí a la muerte, fue causado por el tabaco.

Red Octopus de Jefferson Starship, con Paul Kantner.

Las drogas aunque parezcan atractivas, o
aunque yo parezca una Nancy Reagan, son malas y punto. Matan a nuestros ídolos
musicales, y también a nuestros familiares. Sabemos lo que son y el daño que
hacen, pero al parecer meternos con ellas nos hará quedar como estúpidos.
“Drogas duras llenan sepulturas”, afirma Jorge Martínez de la banda Ilegales,
pero ni él tiene un apalancamiento suficiente para invertir tendencias. Al
parecer nadie lo tiene, porque el fenómeno “droga” siempre ha estado vinculado
con el ser humano.

Escribo estas líneas y me entero de otra baja:
Paul Kantner de Jefferson Airplane (y posteriormente de Jefferson Starship), y me apresuro a advertir que, obviamente,
la lista se irá alargando este 2016, y tenemos que estar preparados no solo
para llorar a nuestros ídolos cuando se hayan muerto, sino para celebrarlos aún
vivos. Vayamos a sus conciertos, compremos sus discos y mercadería y, sobre
todo, divulguemos su talento por todas partes, de poder, lejos de la Internet
que tanto daño está haciendo ahora, no solo con la piratería sino también con aplicaciones
“legales” como Pandora y Spotify, a los artistas de toda índole. Dejemos de ser
hipócritas al llorar a Bowie, Frey y Lemmy para luego ir a descargar su música en
sitios torrent y no comprarla en CD,
cassette o vinilo. Nosotros hemos contribuido a la muerte de la música en
muchas formas, y debemos asumir esa responsabilidad para crear una industria musical
sostenible, incluso si esta nunca lo haya sido.

Las cien mejores canciones de la década de los noventa (1990-1999)

Jay Kay de Jamiroquai

No fue fácil hacer una lista como esta, considerando que después de todo las listas son hechas para gente que no tiene ganas de leer un texto a fondo, simplemente recibir información rápida y ya digerida (creo que por eso las listas son tan populares).



Desde enero de 1990 que estuve anotando en cuadernos, borradores, notas y demás papeles sueltos cuales serían las canciones que dominarían la década de los noventa: las más influyentes, destacadas, creativas y potentes. Para 1995 llegué a la conclusión que la música rock de los noventas era pésima, pero considerando como estuvo la década del 2000, me quedo con varios discos de la década del nueve cero que en algún momento consideré poco trascendentes.



En realidad, la década 1990-1999 fue la última antes de la debacle total de la industria discográfica como sistema "tradicional" de ingresos tipo campo ferial, es decir, "vamos a la tienda de discos a comprar este disco que tiene la canción tal que escuché en la radio, en la TV o en el cine". Aquel concepto obsoleto pasó a la historia. También fue la última década con música contestataria masiva: fue en 1994 cuando Kurt Cobain se suicidó, y aquel fue un momento pivotante: ¿Qué mega-distribuidor se animaría a seguir lanzando artistas al mercado masivo que terminen pegándose un tiro? ¿Quién iba a financiar algo así? Pues así se pensó y es por eso que artistas "suavecitos" y sin sustancia reinaron desde 1997, aproximadamente. Lo siguen haciendo. Ahora no piden reflexión, ni cuestionar a la autoridad que les ha fallado, solo venden sexo, sodas y zapatillas a una máxima compresión sonora.

¿Recuerdan los noventas? Yo sí, y en esta lista se encuentran sus momentos musicales más destacados. Fue una década muy prolífica y marcada en la mercadotecnia, en donde el producto clave, el disco compacto, llegó a venderse aproximadamente a US$ 18.00 la unidad (hoy en día US$ 12.00 es un precio demasiado elevado, ya que la Internet prácticamente decimó a la industria). La década empezó  en 1990 con Mariah Carey, McHammer, Vanilla Ice. Terminó en 1999 con Will Smith, Basement Jaxx, el programa de software Napster y la arrolladora colegiala Britney Spears. La muerte empezó sus labores con Freddie Mercury y las concluyó con John Denver, llevándose en su peregrinaje a dos virtuosos del rap: 2Pac y Notorious B.I.G. Michael Hutchence de INXS también encontraría su fin ahorcándose en una supuesta auto-asfixia erótica en un hotel de Sydney; pero nada fue tan chocante como el suicidio de Kurt Cobain, en la cumbre máxima de su fama: el líder de Nirvana fue el primer rockero que les decía a sus fanáticos que no valía la pena vivir. Costó muchísimo recuperarse de eso, y muchos no se recuperaron.


En lo que respecta a temas en las listas Billboard, observar los dos extremos de la década no es muy alentador: empezó con Michael Bolton y su patética "How Am I Supposed to Live Without You" y terminó con "Smooth", monótono éxito de Santana que le dio al guitarrista un montón de Grammys. Hubiera parecido que en lo que respecta a música no hubo una evolución notable, pero no fue así. Fueron las disqueras las que tuvieron sus años más rentables y a la vez mediocres, y poco fue descubierto y promocionado que valga la pena. La música siguió su curso en los bares, en las calles, en los discos independientes. Hubo mucha música de todo tipo, y buena... Hasta ahora la hay, solo que está escondida.









Respecto a esta lista, muchos de ustedes dirán, ¿y qué pasó con U2? No me gustan y sus canciones no fueron lo suficientemente destacadas para entrar a esta lista (aunque en muchísimas listas "One" de su Achtung Baby está entre las 10 mejores). ¿Qué pasó con Bon Jovi? igual, es un artefacto de los ochentas.

He aquí la lista de las 100. La publicación más visitada de CacaoRock.

Nota importante: si desean escuchar las canciones, YouTube y sus videos temporales es vuestra Web amiga. Pueden comprar las canciones en Amazon.com también. Aquí una lista parcial gracias a nuestra emisora radial en línea y a 8tracks Radio.

Selecciones de las 100 Mejores de la Década de los Noventas (1990-1999), Además de Otras Potentes from cacaorock on 8tracks Radio.

En cuenta regresiva:

100. Losing My Religion - R.E.M. (1991) Michael Stipe, cantante de R.E.M., no tuvo cuando callarse en los noventas después de lanzar el Out Of Time, álbum que incluía esta canción sobre las dudas de la fé. R.E.M. rellenó el mercado de los noventas con álbumes "alternativos" de bastante éxito, pero a nuestro modo de ver, muy mediocres y de poca monta, como si trataran de "guiar" a la juventud compra-discos norteamericana, sin mucho éxito. Se desbandaron y espero sigan así.

99. Love To Burn - Neil Young And Crazy Horse (1990) Soberbio número del Ragged Glory, álbum que hasta la aparición de Nevermind era considerado por la Rolling Stone uno de los mejores álbumes de la década recién iniciada (bueno, eran solo dos años, pero la gente tiende a crear listas de cualquier cosa). No hay mucho sobre qué comentar de la 99, y creo que Neil no quisiera hablar de esta canción tampoco. La canción se explica por sí sola, más si uno entiende qué es lo que en verdad Neil Young hace con su guitarra. Los comentarios vinieron en forma de bandas en los siguientes dos años, imitando el sonido crudo de Young y sus compinches. 


98. 1979 - Smashing Pumpkins (1995) Suena más 1979 que 1995, y de ahí su título. La más lograda canción de una banda que si bien tuvo un éxito arrollador en el año 1993, fue por razones que personalmente desconocemos. Consideramos a Billy Corgan una persona aburrida y musicalmente limitada, sin mucho impacto ni trascendencia; pero esta canción demuestra que alguna vez acertó y bien.

97. No Rain - Blind Melon (1992): Bella y simple, con su videoclip esta canción puso a una niña gordita vestida de abeja como el símbolo de la Generación X: aquella juventud decepcionada que trata de complacer a un grupo de padres-público cruel y que huye a un sitio donde no llueve y la gente vive feliz. Aunque de mensaje positivo, "No Rain" está cargada de melancolía y frustración, así como de una grave advertencia ante un futuro incierto.

96. Innuendo - Queen (1991): 1991 pasaba mes a mes, con crecientes rumores de que el cantante de Queen, Freddy Mercury, estaba enfermo de SIDA, aunque no habían sido confirmados por el grupo. El 23 de noviembre llegó y Freddy Mercury anunció al mundo que estaba muy enfermo. Falleció al día siguiente. Innuendo había sido lanzado en Febrero y las fotos de Freddy calzaban adecuadamente con la lírica de todo el álbum: la lucha interminable y sin cuartel contra la muerte.

95. Jesus Built My Hot Rod - Ministry (1992) La evolución natural del rock and roll hacia algo más ruidoso, más rápido, con voces más estruendosas y mucha, mucha más distorsión. Un sonido industrializado que ya estaba siendo ejecutado por Ministry desde hacía bastante. Sólo tengo que decir que esta canción es la digna heredera de "Surfin' Bird" de los Trashmen. La música industrial de inicios de los noventa es muy interesante, ojo.

94. Hobo Humpin' Slobo Babe - Whale (1994) Encontré a esta banda surfeando por MTV o algún otro canal de música por cable en el año 94. La canción es un desesperado esfuerzo por llenar el vacío dejado por la reciente muerte de Kurt Cobain. Una lírica estúpida y mucho, mucho ruido sin sentido, pero con muchas ganas de pasarla bien. Cobain estaría orgulloso de este trío.

93. Carta De Amor - Juan Luis Guerra 4.40 (1990): Juan Luis Guerra, merenguero dominicano, fue calificado por el gran critico peruano de musica latina Luis Delgado Aparicio como "El equivalente de los noventas a Ruben Blades en los setentas y Pérez Prado en los cincuentas." Pues bien, apenas terminó de decir la frase todo el exito de Guerra se fue al desagüe dominicano. Después del álbum Bachata Rosa, Guerra lanzó un par de "Grandes Éxitos" compilatorios y un par de discos para el olvido (Areíto y Fogaraté.) Recuerden, señores, que Guerra dominaba las ondas de radio latinoamericanas con canciones como "La Bilirrubina" y "Carta de Amor," una de las salsas caribeñas más logradas. Juan Luis Guerra y su orquesta, la 4.40, deben estar tocando en algún casino o club privado en este momento.

92. Linger - The Cranberries (1993): Tuvieron sus dos años de fama y se desvanecieron. En general no dieron para más de ochenta minutos de música, al menos para quien escribe. Esta canción fue lo más destacado que hicieron. Verán ustedes, los noventas estuvieron cargados de one-hit-wonders. Bandas con actitud para un solo disco. ¿Pero de qué sirve tener actitud si tu canción a la tercera semana ya aburre?

91. What's Up - 4 Non Blondes (1993): De haber sintonizado una emisora rock en Lima en mayo de 1993, las probabilidades de haber encontrado "What's Up" hubieran sido de 5 a 1. 4 Non Blondes y esta canción estaban por todas partes con esta canción y su álbum Bigger Better Faster More! que no era más que esta canción con una docena más de relleno. Mucha gente la cantó y tocó en guitarra por tener una progresión de acordes sencilla: A-Bm-D. Lo difícil era decir "hey" con la misma intensidad de la cantante-compositora-líder absoluta Linda Perry.



90. Shake My Tree - Coverdale/Page (1993): Así es como queríamos ver a Jimmy Page, juntándose con un vocalista estridente influenciado por Robert Plant y sacar una canción potente como ésta. Page se asociaba con David Coverdale, ex-Whitesnake y Deep Purple, para mofarse de su ex compañero de Led Zeppelin Robert Plant (supuestamente Plant y Coverdale no pueden verse las caras). Que le duela a Plant cual golpe en su funcional entrepierna: Coverdale desgarra altavoces con este tema.

89. Girls And Boys - Blur (1994) Blur: banda británica que junto con Oasis quisieron vendernos el cuento de rivalidad al estilo Beatles-Stones. Oasis y Blur son decentes agrupaciones, pero no vamos a comparar ni por hacerles el favor. Este es un número disco que anunció el revival del género dos años después. Quizás ayudó a más de un enclosetado a salir del closet, no solo en sexualidad sino también en gustos musicales. Y es que conozco a muchos que "odian" la música disco pero bien que por lo bajo admiran aquellos maravillosos ritmos de Giorgio Moroder y La Bionda.



88. You Only Get What You Give - New Radicals (1999): Bonita canción con mucha influencia de Todd Rundgren. Su letra es una moraleja de cuento de hadas con una llamada de atención ante la apatía dejada por la generación anterior. New Radicals era un grupo con un solo integrante: Gregg Alexander, quien seria imposible de reconocer en la calle puesto que siempre iba con un sombrero, escondiendo la cara por temor a ser identificado por fans de Courtney Love, Beck o Marilyn Manson, de quienes se burló en este tema calificándolos de "falsos." Alexander terminó falso y olvidado, pero esta canción definitivamente no. 

87. Saving My Heart - Yes (1991): El álbum Union marcó el final definitivo de la era creativa de la banda Yes, al juntar a la mayoría de los integrantes que pasaron por el grupo entre 1969 y 1990. Terrible error: terminó siendo un arroz con mango sin sentido, en donde hasta el hijo de Rick Wakeman terminó tocando sintetizadores de relleno. Al final, los 9 miembros de Yes fueron cubiertos por once músicos de sesión adicionales. De esta debacle, sólo un tema salió a la luz entre tanto relleno: "Saving My Heart", una composición del guitarrista y cantante Trevor Rabin quien salvaba una vez más a Yes del apocalipsis; del mismo modo que lo hizo en 1983 cuando tomó las riendas del grupo y produjo junto a Trevor Horn el 90125.

86. The More You Ignore Me, The Closer I Get - Morrisey (1997): El vocalista de Smiths regresando cada cierto tiempo, y cada vez pareciera que aprende algo nuevo. De cuando en cuando nos preguntamos, ¿por qué se separaron los Smiths? Para dejar un legado imborrable.



85. Joey - Concrete Blonde (1990): La cantante y bajista de este trío se llama Jeanette Napolitano. Los noventa empezaron con buen pie, sin duda. Es un rock simplón a cargo de un trío muy compacto, y en su solidez está su arte.



84. Disco Bar - Patricio (1994): Escucho esta canción y siento pena, porque pudo haber sido un primer exito masivo de música dance peruana que hubiera traspasado fronteras. Pudo haber sido la abanderada del Southamerican Disco. Con eso y un poco más de publicidad, Patricio pudo haber sido el PSY o el "Los del Río" de los 90. ¿Qué es de la vida de Patricio Suárez-Vértiz? ¿Qué hace mientras su hermano Pedro triunfa en el Perú y Latinoamérica? Busquen en YouTube este refrescante cubetazo de agua fría en pleno verano y notarán lo bueno que es. La tanga blanca aún sigue en el cajón.

83. Come As You Are - Nirvana (1991): ¿Cuán importante es esta canción para las tiendas de guitarras? Bastante, casi tanto como "Teen Spirit". Kurt Cobain extrae el riff de "Eighties" de Killing Joke y lo vuelve más sentimental y desolado.

82. Pushing Up Upstairs - Underworld (1999): Electrónica acercándose al fin de la década, y al fin de su era dorada. Los samples descarados estaban a dos años de distancia.

81. Someone To Love - Roger McGuinn (1991): El ex-guitarra-de-12-cuerdas de los Byrds. Ahora que nos damos cuenta, su voz influenció muchísimo a la de Tom Petty, en este country-rock del formidable y sólido Back From Rio.

80. Wide River - Steve Miller Band (1993): Wide River es el último álbum de material original que Steve Miller ha lanzado hasta ahora. Nunca en su carrera Steve ha tenido un hiato creativo tan grande, así que asumo que Miller está semi-retirado de la escritura de canciones porque el negocio le llega al trozo. Wide River Fue un disco sorpresivamente bueno, mucho mejor que los adefesios que lanzó en los ochenta después de Abracadabra, y la canción título presentaba al simple y armónico Miller en su buena forma. Una de las mejores y más logradas canciones de 1993, grabada y mezclada completamente en formato digital.



79. Say You'll Be There - Spice Girls (1996) Las Spice Girls fueron un fenómeno de muy corta duración que alocó a la fanaticada con sus canciones fáciles y actitudes disforzadas. A sabiendas que era un grupo prefabricado, las sorpresas al estilo Milli Vanilli no se iban a dar y el final del grupo fue totalmente predecible. Las cinco chicas se fueron por caminos totalmente distintos, incluida una convertida en la flamante esposa de David Beckham y otra madre del hijo de Eddie Murphy. "Say You'll Be There" esta cargada de elementos de mediados de los setentas: un buen coro, puente pegadizo, funk acelerado. Hay matices de Al Stewart y los Pet Shop Boys tan sutiles que solo el que escribe los ha podido detectar.

78. Sabotage - Beastie Boys (1994): Su mejor canción jamás. Me hace dar cabezazos contra la pared. No solo por su agresividad sino por el misterio de cómo pudieron pasar los ochentas sin sacar una canción así.

77. Wonderwall - Oasis (1995) : Tributo a George Harrison al llamarse igual que la película a la que el Beatle le hizo la banda sonora en 1965. Tiene mucho, muchísimo de Lennon en su época del álbum blanco. Tanto, que después de comprar el What's The Story (Morning Glory)? uno debe adquirir una copia del blanco Beatle, de no tenerla, y escucharla para refrescar el oído. 



76. Friday I'm In Love - The Cure (1992): Este fue el último éxito de Cure en las radios antes de su desaparición temporal hasta la edición de Bloodflowers en 1998. Por primera vez en muchos años se le veía a Smith de buen humor. Desde "Close To Me," creo. 

75. Backwater - Meat Puppets (1994): Cuando Kurt Cobain (nombre que mencionaremos varias veces en esta lista) confesó que Meat Puppets era su grupo favorito, les hizo un enorme favor: los sacó de la oscuridad y los puso a la luz. Esta fue la canción que más sonó de ellos.

74. Groove Is In The Heart - Deee-Lite (1991): La canción más bailable del primer quinquenio de la década de los noventas fue calificada de pieza descartable por los críticos apenas fue lanzada. Craso error.  Samplea a Herbie Hancock, James Brown y prácticamente define en qué momento de la fiesta la gente se lanzará en masa a la pista de baile.

73. New Pollution - Beck (1996) Muy pegajosa obra electroacústica, y la mejor que hizo Beck en los noventa. Las palabras indie, indie pop y alt ya empezaban a sonar gastadas, pero Beck seguía explorando posibilidades, universos, paralelos. No olvidemos "Loser", tampoco, la cual puso a los "perdedores" en vitrina por un buen rato e hizo que estar de mal humor sea algo in.



72. Nuestra Fé - Soda Stereo (1992): Soda Stereo fue la banda argentina de los ochentas por excelencia: Expandió la música urbana bonaerense hasta límites insospechados, haciéndose conocidos en extremo en Latinoamérica, mas no en Estados Unidos ni en Europa. con "Nuestra Fé", Gustavo Cerati ofrece la mejor performance guitarrística de su carrera: un solo estridente por sobre una línea de bajo hipnotizante de Zeta Bosio, completada con la programación de sintetizadores y secuenciadores a cargo de Daniel Melero y la batería viva de Charly Alberti. Ni en la Edad de Oro de Soda Stereo (1984-1986) se encontró una pieza así de brillante e hipnótica.



71. Welcome To Paradise - Green Day (1994): Veloz tema punk que bien pudo haber salido de Londres en 1977, pero no, salió de Berkeley, California y se consagró en una violenta actuación de Woodstock '94. Hasta ahora, el mejor tema de Green Day. Su disco Dookie fue su debut para la casa disquera Reprise que los hizo escuchar hasta en Perú, lo cual quiere decir... hasta en la Antártida.







70. Dragula - Rob Zombie (1998): Rob Zombie, ex vocalista de White Zombie, antes de hacerse director de cine de horror ya había hecho cosas "horrorosas" como este tributo a la familia Munster.



69. Can You Forgive Her? - Pet Shop Boys (1993): Los noventa encontraron a los PSB más directos con su público a través de su mensaje pro-gay. En este tema, un chico es acusado por su novia de probable bisexualidad al no escuchar lo que los hombrecitos escuchan; es decir, No Pet Shop Boys! Yo por algún motivo creía que este tema se lo habían dedicado a Lady Diana, como forma de apoyo moral.



68. Black Hole Sun - Soundgarden (1994): Soundgarden pasará a la historia del Rock con este tema depresivo y ácido. A mediados de los noventa, estar de mal humor era la norma general. No era para menos. Ahora en el 2013 como que todos tratamos de evitarlo con medicamentos (al igual que la depresión), pero en esa época...



67. All This Time - Sting (1991): El ex-Police había preparado su álbum sucesor al brillante ...Nothing Like The Sun del 87 como un tributo a su padre, una persona con la cual nunca se llevó bien. Su madre había muerto en la época del Sun y aquel disco fue un tributo a ella. Naturalmente, el disco que contenía "All This Time", el The Soul Cages, era un lamento a la relación fracturada que tuvo con su padre. La canción describe la falta de fé que Sting le tuvo a su progenitor y a los símbolos religiosos y gubernamentales presentes en su nativa Newcastle, Inglaterra, una ciudad con enormes astilleros. Dos años después, la fe volvería a él en forma de musa, luego de contraer matrimonio con su amada Trudie Styler (véase el puesto 10).



66. Como Un Explorador - Joaquín Sabina (1994) ¿El momento más feliz en la vida de un hombre? Según Joaquín Sabina, poco después de su divorcio. El cantautor español desmitifica como si desplumara a una gallina el mito de que una ruptura es difícil al narrar las aventuras de un hombre recién regresado a la soltería. Las mujeres dirán que canta despechado, pero los que sabemos lo que es salir de una relación terrible sabemos que Sabina canta con la verdad. En general, todo el disco Esta Boca Es Mía es un trabajo asequible y entretenido, y una joya del pop español ahora.



65. Theme From Twin Peaks - Angelo Badalamenti (1990) La guitarra con trémolo, embrujante tanto como el teclado sobrecogedor que juntos eran la cortina musical de una de las series con más potencial de la historia de la TV. Una producción de David Lynch sobre un misterioso asesinato, ficticio pero aún por resolver creo, en un pueblo del noroeste de Estados Unidos. De sólo pensar en la melodía, sentimos el olor a pinos y robles y nos invade el fresco rocío matinal que viene del río, en donde encontraron el cadáver de Laura Palmer.




64. Rest In Peace - Extreme (1992) Extreme fue más conocido por su balada "More Than Words" (en esta lista) pero en verdad era una banda de hard rock especializada en saturación, distorsión y armonías vocales. Claro, al final de "Rest In Peace", no pudieron evitar lanzar un "gracias" a "More Than Words", la canción que los hizo millonarios.

63. Liar - Rollins Band (1994) Rollins, ex voz de Black Flag, recitando el himno a la mitomanía. Y es que algunos no podemos vivir sin lanzar una mentirita de cuando en cuando.

62. Crazy - Aerosmith (1993): Se supone que estaban eliminados, destruidos, obsoletos. Algo así como Muhammad Ali antes de su pelea con George Foreman en Zaire en el 74. Cuatro años después de Pump, su disco Get A Grip demostró ser inclusive mejor. Ante la inminente muerte del grunge, Aerosmith aprovechó la resaca de la ola y vaya que la corrieron gracias a potentes baladas y videos muy, muy sexys con Alicia Silverstone y Liv Tyler, hija del vocalista Steven.

61. Cannonball - The Breeders (1993) Ex-integrantes de Pixies continuando con lo que le gustaba a la fanaticada. Otro tema definitorio del rock alternativo, grunge o punk que se supo acomodar en la categoría adecuada en el momento adecuado. Kim Deal logró muchos dividendos gracias a una operación de marketing similar a la de muchos otros competidores.

60. Put Me In The Trash - Mick Jagger (1993): La actividad musical de los Rolling Stones en su cuarta década fue muy irregular. Oh sorpresa, "Put Me In The Trash" vuelve a "poner" a Jagger no en la basura sino en el puesto que se merecía desde el Dirty Work. Un disco muy bien hecho de arriba a abajo, mucho mejor que lo que hicieron los Rolling Stones como banda en todos los años noventa y la prueba de que tener cincuenta años puede ser malo para cualquiera menos para Jagger.  

59. Alright - Jamiroquai (1996) En toda su carrera, Jay Kay no pudo tener mejor banda que esta: Stuart Zender en el bajo, Toby Smith en el teclado y Derrick McKenzie en la batería. "Alright"es un disco funk de lo mejor, llamando desesperadamente a los setentas que estaban regresando de la bruma del olvido. De aquel refrescante disco de Acid Jazz llamado Travelling Without Moving.

58. Spinning The Wheel - George Michael (1996): Antes de que Michael se meta en escándalos que poco favor le hacen a su carrera (aunque puedan vender discos), lanzó un disco llamado Older, cuyo título era una protesta a Sony Music por haberlo dejado en la congeladora por seis años. Una de las pocas canciones de los noventa verdaderamente sensual y sugestiva, sin aspavientos.

57. Gett Off - Prince & The New Power Generation (1991) Prince ya había provocado que la censura, nuestra querida censura, aparezca en las portadas de los álbumes con la famosa etiqueta "Parental Advisory: Explicit Lyrics". El cantante siempre consideró su vida privada precisamente eso: privada. Pero en materia de sexo sí fue una exhibición continua de erotismo que cubrió su periodo más creativo. Para "Gett Off", Prince le dio a MTV su primer "orgasmo" televisivo con un video muy subido de tono pero de una brillante coreografía.



56. Tears In Heaven - Eric Clapton (1992) Pobre Clapton. Su hijo Connor muere en un accidente al caer del balcón de su departamento. El dolor inmenso le hace escribir una canción sobre la vida después de la vida y esta canción, utilizada en la película Rush y posteriormente regrabada en vivo para el álbum Unplugged, se convierte en el tema más reconocido del brillante guitarrista inglés. No sé si le habrá servido de terapia el tocarla una y otra vez y el llevarse el Grammy a la grabación del año, pero yo personalmente hubiera lidiado con un dolor de ese tipo de otra manera.



55. More Than Words - Extreme (1990) "Tears in Heaven" y "More Than Words" son dos canciones de amor: la primera al hijo fallecido, la segunda a la pareja que aún no lo es pero lo será. Están cargadas de guitarras acústicas bien grabadas y mucha pasión. Aunque sus temas son diametralmente distintos, han aparecido juntas en miles de cassettes grabados para la novia... mix tapes.



54. Harvest Moon - Neil Young (1992): Otra de Young en la lista, pero esta vez es una balada romántica cargada de nostalgia, regresando 20 años después al punto cumbre de su obra creativa: el álbum Harvest del 72.



53. Nothing Compares 2U - Sinéad O'Connor (1990): A Sinéad se le puede perdonar cosas como romper la foto del papa (aunque tenía sus motivos justos) y cortarse el pelo a cero sólo por estos cuatro minutos brillantes. Quizás haya estado tratando de demostrar una posición religioso-política que en Estados Unidos no se entendió, pero eso ya quedó en el pasado. Esta es una verdadera Canción de Amor, con mayúsculas, escrita por un genio: Prince.

52. Jeremy - Pearl Jam (1991): En el ojo de la tormenta de Seattle, Eddie Vedder cantaba un tema sobre un estudiante de primaria que se suicida frente a sus compañeros de aula (al menos de acuerdo a un sangriento y estilizado video). Además, Vedder decía que de no haber sido por el rock se hubiera pegado un balazo. Kurt Cobain, tres años después, se pegaba un balazo en la cúspide de la fama. "Jeremy" habla tanto de chicos como Cobain que me hubiera gustado tocarla en una escuela.  

51. Been Caught Stealing - Jane's Addiction (1990): Volátil número bailable del grupo Jane's Addiction, una banda que ya está en los cuadros del rock clásico, como pieza de museo. ¡No olvidemos lo excitante que esta canción era! ¡Sobre todo la bulla que causaban esas guitarras! 



50. Thursday - Morphine (1993): Siempre que encuentro a alguien de los poquísimos que conocen a esta banda, me dice que es una banda fascinante. Es cierto. Incluso tengo una amiga que declara sus discos como "medicina terapéutica". Morphine es una gran banda que no se adaptó a los formatos estándares de radio (es un trío de bajo de dos cuerdas, batería y saxo barítono) y su vocalista, Mark Sandman, tiene una voz muy, muy poco ortodoxa.

49. She's Homeless (La Da Dee) - Crystal Waters (1991): Dominó los rankings pop de las radios sólo para anunciar que los ochentas, oficialmente, habían acabado. ¿Cómo así? Con aquel sintetizador programado con acordes suspendidos que iban de un tema a otro entre 1990 y 1992.

48. Two Princes - Spin Doctors (1991) Aparecieron el 91 pero fueron reconocidos solo a partir del 93, ya que Epic Records estaba más interesado en Pearl Jam y toda esa onda grunge que venía de Seattle. Spin Doctors era un grupo pop ameno y de mejor humor que Pearl Jam. "Two Princes" les dio el éxito que merecían y les puso un hándicap difícil: durar, mantenerse y superar el éxito inmediato. No lo pudieron lograr, y fue una pena porque tenían una base melódica muy fuerte en sus composiciones.

47. Sumpin' New - Coolio (1995): Coolio (rapero llamado así en tributo al ídolo galán Julio Iglesias) parece ser un tipo amargado en la vida real, pero en sus raps es muy chistoso y rítmico.



46. Speed - Billy Idol (1994): Nos pasamos la luz roja con el rock fuerte de Billy Idol, anunciando su retorno despues de una temporada floja. El retorno le duró poquísimo, pero le sirvió para encontrarse una vez más con su fanaticada que seguía esperando un "White Wedding" más.

45. The One - Elton John (1992): Elton John, entre 1990 y el 2000, no estuvo muy creativo pero si vendió más discos que nadie al cantarle en 1997 a la fallecida princesa Diana su "Candle In The Wind" (tema originalmente dedicado a Marilyn Monroe). The One es una balada muy bien compuesta y ejecutada, y de tener el CD probablemente uno lo tenga en rotación por un buen rato.

44. Snowbound - Donald Fagen (1993): Por un momento, Steely Dan aparece luego de 13 años en este tema de Donald Fagen al ser co-escrito por Walter Becker, quien ejecuta el bajo y la guitarra de una forma casi Ajaística. El tema fue escrito a mediados de los ochentas y recién vió la luz en el disco Kamakiriad, una obra maestra sobre el climaterio, viajes por carretera en el futuro y comunicación vía satélite por dispositivos móviles (es decir, ahora).

43. Buena - Morphine (1992): Otra del trío de Boston: cantante tocando bajo de dos cuerdas, saxofonista barítono y baterista brillante (aunque prescindible). Mark Sandman era el genio vocal con una garganta macabra, contrapunteada por un saxofón en ciertos momentos doblado para crear acordes y dar la sensación de que algo en verdad se estaba cocinando. La repentina de muerte de Sandman en 1999 acabó con una década de música excelente, pero poco divulgada.

42. When It Comes To You - Dire Straits (1991): Dire Straits lanzó el On Every Street en 1991 como una secuela tardía del Brothers In Arms. No tuvo mucho éxito pero si este tema country-western de primer nivel. Pegajoso, bien armado, debió ser un Top Hit. Mark Knopfler, compositor, guitarra y vocalista, adoraba el Country, y con "When It Comes To You" crea uno de los mejores temas del género. On Every Street tiene otra joya: "Calling Elvis". A conseguir el disco que está barato.

41. Plush - The Stone Temple Pilots (1993): Stone Temple Pilots llevaban el sonido de Seattle en la sangre, y con "Plush" dieron el mejor ejemplo de aquel movimiento generacional decepcionado de las políticas de George H.W. Bush.

40. Being Boring - Pet Shop Boys (1990) Si en los ochentas los Pet Shop Boys hacían pensar y bailar al mismo tiempo, con esta canción nos hicieron dejar de mover los pies y hasta en algún momento hacernos llorar. Neil Tennant y Chris Lowe rinden un homenaje a los caídos por el SIDA recordando los buenos momentos que vivieron con ellos. La canción plantea una pregunta que podríamos hacernos a diario en el subconsciente: ¿Somos verdaderamente felices mostrando caretas en lugar de lo que realmente somos? ¿No es aburrido vivir fingiendo?

39. My Sister - The Juliana Hatfield Three (1993) Si el año 93 se pintaba aburrido con bandas como Cranberries ("Linger", "Zombie") o Four Non Blondes (su único éxito, "What's Up?"), Juliana Hatfield trajo esta poderosa cápsula de amor-odio a la hermana mayor. Si yo, que nunca tuve una hermana, me emociono hasta las lágrimas con este poema eléctrico, ¿cómo será con los que tienen -o tuvieron- una?

38. Amazing - Aerosmith (1993): Con ella, Aerosmith expresaba lo maravilloso que era volver a los escenarios con un éxito arrollador. Se referían obviamente al retorno triunfal que les dió el álbum Pump, de 1989, después de una década ochentera llena de conflictos, disputas y drogas... muchas drogas. Steven Tyler, sobrio y listo a colaborar con su compinche Joe Perry, cuenta las vicisitudes de la montaña rusa que es la vida del rockero. Alicia Silverstone protagoniza este video húmedo, obsoleto para los estándares del 2000, pero quizás el mejor del 93.

37. From Disco To Disco - Whirpool Productions (1996): Las drogas y el sexo duro en los nightclubs han sido sopa de cada noche siempre, desde mucho antes de la invención del rock and roll. Whirpool Productions rinde pleitesía al Ecstasy sin miramientos ni sutilezas en el video: es obvio que todos en la discoteca están en otra. Esta canción no dice mucho pero sí causa efecto con su ritmo contagiante y riff de piano eléctrico que llega a causar impaciencia. Imposible no bailarla.

36. Epic - Faith No More (1990): Faith No More no inventó el Hard Rock-Funk, eso ya lo habían hecho los Red Hot Chili Peppers en 1984. Lo que hizo esta banda de San Francisco fue crear un puente entre el sonido Pepper de los ochenta y lo que se venía en dos años: el famoso Grunge-Alternativo-Generation X. La canción "Epic" es el ejemplo más destacado de dicha fusión.

35. Someday - Sugar Ray (1999): Otra copia fiel de Rock Clásico de la FM de los setentas a cargo de Mark McGrath y su banda. McGrath es un experto en rock clásico, al punto de haber participado en programas concurso como Rock And Roll Jeopardy y haber pateado culos a diestra y siniestra. Más patea con este homenaje al soft rock de la California de 1976.

34. You Are The Universe - Brand New Heavies (1996): Del CD Shelter nos llegó la mejor interpretación R&B femenina de la década a cargo de Siedah Garrett, gritando a los cuatro vientos que somos capaces de hacer lo imposible por amor. 

33. Pets - Porno For Pyros (1993): We'll make great pets. Perry Farrell disolvió Jane's Addiction y formó un grupo con el mismo baterista (Stephen Perkins) y estilo (¿habrá sido excusa para librarse del guitarrista Dave Navarro?) En fin, pocas canciones como esta fueron tan pegajosas en 1993. Si en la canción se menciona a los dinosaurios, recuerden que apareció en el verano de Jurassic Park.

32. Look At Me - Geri Halliwell (1999): Mírenla a la Geri bailando y cantando como solista, alejada de su grupo Spice Girls. Tuvo que hacer algo en solitario  para alcanzar el sonido que ella quería, definitivamente mejor que el de las Spice Girls en general. Increíblemente pegajosa como ella sola, no pudimos dejar de verla ni oirla por un par de meses. Indiscutiblemente bella, la canción y la intérprete. Muchos creen que exagero, pero no, ella es una superartista.

31. Blow Your Mind - Jamiroquai (1993): Pudo haber sido grabada en 1976 y haber sido lanzada en aquel año y no hubiera sido novedad. Pero en 1993 Jamiroquai reinventó el disco funk, lo peinó y le dió un sabor británico. Esta es una canción de ocho minutos de su primer álbum, Emergency On Planet Earth.




30. Brand New Day - Sting (1999) La última obra maestra del gran Sting antes de su debacle como músico y su caída del altar de uno de los más admirados compositores de los ochentas. Esta canción finaliza el disco del mismo nombre con un buen tono, aunque los temas que la anteceden carecen de esa fuerza interpretativa. Con "Brand", Sting quería ser el encargado de finalizar una década de música depresiva y monótona con un mensaje positivo y alentador, aunque ácido y melancólico para aquellos con la soga al cuello. Stevie Wonder toca la armónica.



29. Enter Sandman - Metallica (1991): Si ya Metallica se había ganado mi respeto con "Orion" del Master Of Puppets y con "One" del And Justice For All, terminó por ganarse un lugar en mi corazoncito romántico y sentimental con esta dulce canción de cuna del álbum Metallica. Brillante producción, excelente trabajo de guitarras y un Wall of Sound digno de Phil Spector. La temática de la canción es una analogía de la paranoia juvenil con las pesadillas de la infancia, y funciona hasta ahora como contundente recado del pasado.



28. Come Out And Play - Offspring (1994): Parece una canción chonguera, pero era, creo, una señal más de alerta a la violencia en las escuelas norteamericanas que nadie tomó en cuenta (nadie con autoridad, digo.) Tuvo que ocurrir una matanza en Columbine para que al escucharla de nuevo, nos diéramos cuenta que ir al colegio no era ir a aprender matemáticas y lenguaje, sino a aprender a sobrevivir. De remate la guitarra tiene un riff mesooriental que invita a la violencia sectaria. Otra canción profética noventera, y la más influyente con las bandas que aparecieron después, ya hacia 1998 en adelante (Linkin Park, Limp Biskit, huevadas así). 



27. Are You Gonna Go My Way - Lenny Kravitz (1993): Kravitz tenía dentro tanto de Hendrix como de Led Zeppelin, y una canción como ésta tiene todo, absolutamente todo de mediados de los setentas, con excepción del año en que se grabó.

26. Cosmic Girl - Jamiroquai (1996): Disco funk de Jay Kay en su mejor momento: con Stuart Zender en el bajo y Toby Smith en los teclados, cuando Jamiroquai era en verdad una banda completa y entretenida. El video muestra a Jay Kay conduciendo parte de su colección personal de autos, incluyendo el Lamborghini Diablo S-9. Aunque el video muestra autos a toda velocidad, la canción viene de su álbum Travelling Without Moving (?).

25. Cassius 99 (Remix) - Cassius (1999): Aunque basada en un sample de "(If It) Hurts A Bit" de Donna Summer (1982), esta canción define el fin de la década en los nightclubs con un fuerte empuje a lo electrónico, bailable, etéreo y repetitivo. El dúo Cassius nos dio un claro ejemplo de cómo se hacía bailar a la muchachada en Europa con su disco 1999: de arranque, el nombre era un tributo a Prince -quien siempre funciona como padrino-, y el especial cuidado que tuvo el dúo con los sonidos de muy baja frecuencia sólo ayudó a que la gente se divierta más.

24. Creep - Radiohead (1993): Cómo son las cosas: el rock alternativo-grunge-X-nevermind se crea en Seattle y supuestamente se mejora en el Reino Unido con una canción como "Creep" de un grupo cuyos méritos de producción son más fuertes que los de su calidad interpretativa. Un estribillo tranquilo y acústico da paso a un coro estridente... ¿Dónde habíamos escuchado eso antes? Nirvana. Y antes Grand Funk. Y antes, Bachman-Turner Overdrive...  

23. Around The World - Daft Punk (1996): El estridente rave francés producido por Daft Punk no hubiera llegado a las masas de no haber sido por este primer single y video del dúo. El video es uno de los más creativos ejemplos de visualización musical al identificar los elementos que componen la canción en sí. El dúo de DJs estaba sentando las bases de su reinado posterior en las pistas de baile y festivales electrificados con mucho ruido y pastillas.

22. Prayer For The Dying - Seal (1994): Trabajo vocal de Seal que lo puso en los reproductores de CD de todo el mundo. Hasta ahora, muy pocos cantantes  han logrado emitir una voz tan sedosa y pulida como la de este excelente cantante, quizás la mejor voz de los noventas. Detrás de él, la impecable producción de Trevor Horn y la guitarra de Jeff Beck le dan un tremendo apoyo.

22. It Ain't Over Till It's Over - Lenny Kravitz (1991): Tuve serias discusiones con mi amigo el baterista y ahora animador de TV y Radio Juan Francisco Escobar acerca del origen de esta canción. Según él, era una canción original de los Jackson 5. Según yo, era una composición original de Kravitz. ¿Quién tuvo razón al final? Bueno... 

21. Shake Hands With Beef - Primus (1997): Cada disco de Primus traía muchas sorpresas y sonrisas como esta canción, tan loca como las demás que están en esta lista. De ritmo irresistible, es imposible encontrar semejanzas entre Primus y cualquier otro grupo En el video podemos ver a una verdadera "slutty girl" caminando hacia la cámara mientras Les Claypool nos cuenta, "she's so fine... she's so sweet..." Todo un tributo a la trashy girl americana.

20. I was Brougtht to My Senses - Sting (1996): El más brillante tema del álbum Mercury Falling, el disco más personal de Sting. Aquí no hay saxofones molestos ni sintetizadores bostezando, sino un lamento bucólico conduciendo a una revelación. Lo más cercano que ha estado Sting a la música "sacra" antes de su total entrega a la música Elizabethiana de John Dowland el 2006.

19. Five Minutes Alone - Pantera (1994): Trash metal hecho arte. Sin compromisos, sin venderse a los formatos de la radio. Es una pena que Dimebag Darrell, formidable guitarrista, ya no esté entre nosotros, luego de morir asesinado en un club de Texas por un ex militar veterano de la guerra de Irak el 8 de diciembre del 2004.



18. Jerry Was A Race Car Driver - Primus (1991): Otro tributo de Primus a King Crimson y Tom Waits. Les Claypool probó con este tema y con el CD Sailing The Seas Of Cheese ser el mejor bajista de la década. No solo por su técnica, sino por lo entretenido que era verlo tratar al instrumento casi como una batería.


17. In Bloom - Nirvana (1991): Otra joya del Nevermind. Extraña progresión de acordes quintos de Kurt Cobain, brillante y clara mezcla de Andy Wallace para una canción-secuela de "Smells Like Teen Spirit." No en vano Cobain fue votado el Artista de la Decada del Noventa por nuestra revista favorita Rolling Stone.



16. All I Need - Air (1998): Un subgénero de la música electrónica -aparecido entre el 95 y 96- incluía melodías relajantes, efectos de sonido de la época de la guerra fría e instrumentos completamente pasados de moda. Si los instrumentos eran bongos, flautas, y la música invitaba al baile sensual, el subgénero se llamaría Chill Out. Dicho género es responsable del nacimiento de muchos bebés hasta por lo menos el 2002. Air, dúo francés cuyo primer CD internacional Moon Safari incluye esta bellísima canción, presentó al mundo el Chill Out francés y se llevó unas excelentes críticas en la prensa. Todos adorábamos "All I Need" y ahora es una pieza de nostalgia, aunque no sea tan vieja. Como el amor verdadero, es difícil de explicar.

15. Under The Bridge - Red Hot Chili Peppers (1991): Anthony Kiedis escribe sobre su adicción a la heroína y el amor incondicional a la ciudad que lo veía inyectarse cada noche bajo un puente. Ahora desintoxicado, Kiedis lidera a los Chili Peppers con la misma fuerza con la que lo ha hecho desde 1984 con su compinche, el bajista Flea.



14. The Girl With The Sun In Her Head - Orbital (1996): La única canción de esta lista grabada completamente usando energía solar. 10 años antes del grito de auxilio de la tierra y de Al Gore con respecto al calentamiento global, Orbital ya imprimía manifiestos en las fundas de sus CDs. Este tema es un tributo a los caídos por la polución; o sea, un tributo a nosotros mismos.



13. Thunderstruck - AC/DC (1990): Este fue el retorno triunfal, luego de cuatro o cinco años de ausencia, de los más agresivos y potentes rockeros australianos. La canción es tan intensa como un cántico de estadio, y muy poco comprometida con cualquier cosa que esté pasando en el momento. Es solo rock duro de la mejor producción. AC/DC puso a Chris Slade en la batería y el sonido fue más mecánico y exacto. Angus Young, rey de la guitarra eléctrica, nos enseñó aquel 1990 a luchar no solo por lo que creemos, sino por nuestra propia vida ante tanta electricidad. 



12.  Praying for time - George Michael (1990): la década se iniciaba con esta canción muy personal del gran GM. Una reflexión sobre los problemas más profundos de la humanidad. Parecía una canción honesta, a tal punto que el video solo era un fondo negro con la letra de la canción.



11. Tommy The Cat - Primus (1991) Todos juntos descubrimos a la banda de San Francisco Primus en 1991 en Peru cuando Gerardo Manuel, conductor del programa "Disco Club" los introdujo como algo totalmente nuevo e imposible de clasificar. El bajista y líder Les Claypool utiliza el bajo como una batería, y golpea sincopadamente ritmos que no se oían desde la época de oro del gran bajista-stickista Tony Levin tocando para King Crimson (1981-1985.) Claypool canta y emula a Don Gato, Trashmen, Kingsmen y porsupuesto hay influencias de Adrian Belew en su periodo King Crimson; ya Larry Lalonde, el guitarrista, absorbe en exceso la genialidad del líder de KC Robert Fripp. Despues de ver el video, fuimos y todos juntos compramos el CD Sailing The Seas Of Cheese por 25 dólares en una tienda carera de Lima llamada Phantom Music.



10. If I Ever Lose My Faith In You - Sting (1993): Sting, con tanto dinero como una iglesia, puede decir lo que quiera y encontrará siempre un foro dónde decirlo... en verdad ha dicho lo que le ha venido en gana siempre, y nadie se ha quejado porque Sting es guapo y bastante educado, además de hacer música inteligente para las masas. Esta canción deja establecido que todas las creencias morales y religiosas que tenemos están subyugados por el amor de pareja. Una persona enamorada tiene más fé en el ser amado que alguien que va a misa los domingos, por ejemplo.



9. Personal Jesus - Depeche Mode (1990): Otra revolucionaria y atrevida canción sobre la religión y las actitudes de la gente hacia ella. Es simple y directa, y pudo haber sido escrita por un blusero negro de los años 30, alguien como Robert Johnson, y hubiera provocado su linchamiento por el KKK.



8. Smells Like Teen Spirit - Nirvana (1991): De pronto, esta canción-manifiesto remeció todas las radios, la estructura marketera discográfica y hasta la forma de pensar de la juventud: un constante mal humor y depresión sin cura. Después de este tema-himno, sólo hubo espacio para la Generación X y el Grunge. El reinado del sonido de Seattle duró aproximadamente desde octubre de 1991 hasta el suicidio del líder de Nirvana Kurt Cobain en abril de 1994. He recibido insultos por correo electrónico debido a mi osadía de no haber puesto esta canción en el primer puesto. Si hubiera estado ahí, me hubieran dicho que "Come As You Are" es mejor.



7. Red Alert - Basement Jaxx (1999): Junto con "Da Funk", los más creativos y entretenidos números para bailar que ha dado esta década. La primera vez que escuché esta canción, no dudé que se trataba de un acto de avanzada y un grito alegre de fiesta ante un potencial fin del mundo en caso Windows 2000 no funcionara. Los chicos de Basement Jaxx hicieron de este tema y del resto del disco Remedy un clásico.



6. Da Funk - Daft Punk (1996). Destroza altavoces. Muerde. Es una cancion violenta y a la vez pacifista. Indescriptible bajo latente, con bateria programada y demás efectos creados en un dormitorio de dos adolescentes franceses (uno de ellos, Thomas Bangalter, hijo de un buen productor francés de música popular, Daniel Vangarde). Define inmediatamente la decada electronica por excelencia: los 2000. Lo que era instrumental ahora es trascendente, con mucho más mensaje que un puñado de palabras bonitas. El volumen se hace parte de la canción y ésta se hace ruido. Daft Punk iniciaba una formidable carrera musical con este buen tema y su estridente disco Homework.



5. Closer - Nine Inch Nails (1994) Trent Reznor, el único miembro del grupo NIN, arma un número embrujante para bailar en discotecas tanto de $20 la entrada como de mala muerte. El nombre del tema es una referencia directa a Ian Curtis, el cantante de Joy Division quien se suicido en 1980. 



4. The Box - Orbital (1997): el corte más interesante del álbum In Sides. Redefinió el concepto de música electrónica planteado por Kraftwerk en los setentas y la puso de nuevo en la palestra. Alucinantes doce minutos de música "trance".



3. Give It Away - Red Hot Chili Peppers (1991): junto con "Smells like Teen Spirit", definieron el Sonido del Rock Alternativo; aunque no era nada más que rock de los setenta reforzado con baterías y bajos más estridentes que lo normal. El sonido Chili Pepper, sin embargo, es único y completamente distinguible gracias a Flea en el bajo y a Anthony Kiedis en la voz. Este tema les dio fama y dinero inimaginables, que antes ni EMI ni George Clinton pudieron darles. Del formidable Blood Sugar Sex Magik (producido por el genio Rick Rubin), disco que en cierto modo terminó con un periodo vanguardista y agresivo de la banda.



2. Tomorrow's Girls - Donald Fagen (1993): En Mayo del 93 Donald lanza Kamakiriad, un álbum que recibió muy buenas críticas y llegó a estar en el puesto 12 de la lista de álbumes en Billboard. "Tomorrow's Girls," el single bandera, era una historia de suspenso sobre una invasión extraterrestre conformada por... chiquillas menores de edad (o a punto de cumplir 18) que sacan de quicio a los que ya cumplieron 18 hace bastante tiempo. Es una crónica sobre cuánto puede gustar a un hombre mayor una chica que no ha cumplido los veinte abriles. Donald es Orson Welles contando la "horripilante" historia. El pueblo tranquilo, pausado y sin perversión recibe una visita inesperada y peligrosa: chicas jóvenes, modernas, con minifalda, maquillaje y sin ningún problema de tomar el sol en el parque con ropas breves y delgadas. Las llega a comparar con un virus mortal (¿el SIDA?) que invita a todos a seguirlas: a los hombres para amarlas y a las mujeres para imitarlas. Tomorrow´s Girls es una bellísima canción producida por Walter Becker, complemento y suplemento de Donald en Steely Dan, quien toca la guitarra solista y el bajo en esta magistral pieza. Probablemente esta canción no esté en ninguna otra lista de mejores canciones de los noventa y lo entiendo, pero está cargada de una magia estival que hasta ahora se deja oir con facilidad.



1. Space Cowboy - Jamiroquai (1994): Diez años resumidos en cuatro minutos que simplemente miran hacia atrás, hacia el pasado y hacia los áticos llenos de vinilos de música funk y disco, y dicen "explorémoslo". Jay Kay en voz, Stuart Zender en bajo -un auténtico discípulo de Jaco Pastorius y Bernard Edwards- y Toby Smith en los teclados son los tres pilares que sostienen el bailable ritmo y la melodía perfecta. Existen pocas canciones como "Space Cowboy", tan bien logradas y a la vez tan simples en estructura. Kay puede haber hecho una apología a la marihuana, es cierto. Pero no estamos juzgando lo que algunos pueden interpretar. Hay una guitarra eléctrica en la versión single que marca perfectamente el ritmo junto con la batería, en una cama musical que pone a James Brown a escuchar Acid Jazz y a fumar de la buena yerba.