Convirtiendo un "Quizás" en un "Sí"

My Time: A Boz Scaggs Anthology (1969-1997) (Columbia/ Legacy, 1997)

BOZ SCAGGS
se nos ocurre pensar que Boz Scaggs es un hombre de mundo. Un tipo que estuvo dos semanas en la India perdido sin un pasaporte tiene que serlo. Un tipo que ha vivido de todo en su vida, y ha aprendido mucho de ella. Naturalmente, lo aprendido se refleja en la riqueza y variedad de su obra; por la cual el ex-editor en jefe de la revista Rolling Stone, Ben-Fong Torres, considera a Boz "el hijo de la música más verdadera que America haya producido". Es un cantante y compositor de primer nivel, y esta caja de dos discos lanzada por la Sony es de lejos la colección que todo fanático de Boz Scaggs había estado esperando. La compilación de 1980, Hits!, es corta, incompleta y no le hace justicia a su variada obra. Porque Boz se pasea por los blues, el big-band sound, el R&B, el rock and roll, hasta ciertas formas de Jazz perdidas en el tiempo... hace lo que quiere porque siente que no hay que detenerse en ningún momento. Boz evoluciona y crece con cada disco que saca, mientras van pasando los años (as the years go passing by). El resultado: música atemporal, clásica, perfecta.

Después de haber estado como guitarra y voz en los dos primeros discos de Steve Miller Band, Boz Scaggs se retira aludiendo diferencias musicales (no era eso, sino que dos soles no pueden brillar en un mismo cielo). Boz Lanza su primer álbum solista en 1969 bajo el sello Atlantic, Boz Scaggs, que incluye un espectacular blues de 13 minutos llamado "Loan Me A Dime" con Duane Allman en la guitarra slide. Brillante, escalofriante, potente, "Dime" es el himno no oficial de los mendigos del centro de San Francisco. Dicho tema fue co-producido por Jann S. Wenner, el editor principal de la revista Rolling Stone. Atlantic ha permitido que Sony la incluya en esta colección y puta madre que se lo agrademos hasta ahora.

En lo que respecta a las posiciones Billboard, Boz siempre mantuvo un perfil bajo, a pesar de la calidad de sus temas. No son para cualquiera, pensaríamos. Para el álbum Boz Scaggs and Band, el tema "Runnin' Blue" fue una buena señal de que su performance iba, poco a poco, mejorando más hacia el R&B. "We Were Always Sweethearts", del Moments, es Soul-a-la-Motown cantada por un blanco con voz de negro. My Time, del 72, trajo a "Dinah Flo" con su melancólico coro femenino.

Billboard presentó en el puesto #2 de los álbumes a la obra clave de Scaggs, Silk Degrees, en 1976. La canción más popular, "Lowdown", tocó el puesto #3 de singles y es hasta ahora su mayor éxito. Aunque más tiende a R&B, "Lowdown" puede ser fácilmente catalogada como música disco: es muy bailable y tiene una pegajosa línea melódica. Dos baladas maravillosas vinieron junto con este éxito: "Harbor Lights" y "We're All Alone". Esta última llegó a ser un gran éxito por Rita Coolidge, amiga de Boz y colaboradora en los álbumes Moments y My Time.

Down Two Then Left, del 78, no tuvo el tremendo éxito que tuvo Silk Degrees, pero tuvo dos canciones de fuerte pegada emocional, "1993" y "Hard Times". En 1980 se lanzó Middle Man, el mejor momento musical de Boz. "Jojo", "Simone" (esta es mi favorita), "You Can Have Me Anytime"* (con Carlos Santana a la guitarra) y "Breakdown Dead Ahead" son lo mejorcito del disco. No lanzaría material nuevo hasta 1988, con el álbum Other Roads. Donald Fagen, de Steely Dan, lo invita a participar en 1991 en un concierto de Soul en el Beacon de New York llamado The New York Rock N Soul Revue. Boz canta "Drowning In The Sea Of Love" y la ovación del respetable es la más intensa de la noche; pese a que Boz no es neoyorquino ni era la estrella principal del show.

Con Scaggs, uno se da cuenta de que en la vida hay tanto por hacer...  y nunca hay que olvidarse de vivir. Nuestra más profunda admiración a este músico, poeta, viajero, curioso, romántico... en fin, el prototipo de cool. Hace rato que él debería estar en el salón de la fama del Rock And Roll. Definitivamente. Y nosotros en CacaoRock no hablamos por hablar.

Fifty years later, there is no "Gone Dark Side Of The Moon," really...

Fifty years is a reasonable long period of time to judge or rate a record: to check how good it behaved throughout the decades, if it has influenced other works -although I believe that's not so important, since it's always been about how much it influenced you-, and maybe to drill down some melody we may have been humming along all this time.
Records like Dark Side Of The Moon are for some collectors like for normal people is to have food in the table or to own a car. You have to have it or else your life is worthless. Every once in a while getting an additional copy is good for you. With four decades on its shoulders and so many cultural changes that have happened since 1973, the collective sub-conscious has kind of forgotten how astonishing and groundbreaking this production is.

Noble successor of concept albums such as Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band and Tommy, The Dark Side Of The Moon was constructed using the same mold other Pink Floyd albums were made, such as Meddle and Atom Heart Mother. However, the Floyd picked a vast subject: life and death. The life and the artistic suicide of Pink Floyd's founder: the great Syd Barrett, of whom nobody knew if he was breathing or pulling daisies.

Darky owes much from its success to the conditions it was recorded. London's Abbey Road was the studio, Alan Parsons the main engineer (who later complained of not making any royalties out of this album), and the four members of the band were the actual producers. They risked everything and they got what they deserved: The permanency of the album on Billboard's Top 200 albums from 1973 until 1988 (I personally bought the Peruvian cassette for the first time one year later).



Still today, it's one of the best selling compact discs on Amazon.com. It's a record each new generation has to discover, and it is for that reason that the album will never leave, just like the Beatles' or Mozart's music. 


In a sequence of nine (or ten) tracks, lyricist Roger Waters pens the story of a man (you or I) obsessing with time slowly pushing him toward his death. "Breathe" and "Time" are written almost in the same moderate beat. Between them, "On The Run", an intricate game of synthesizers, heartbeats and airport sounds where airplanes take off and crash. Richard Wright, the keyboard player, executes an instrumental called "Great Gig In the Sky", based on the ancient Egyptians' idea of the chariot that takes the dead to Paradise. Did I say ancient Egyptians? See the pyramids in the inner sleeve of the CD. See the pyramidal prism that decomposes the white light.

For the B side, Waters composes "Money", the best song written about the vile metal ever. There are references to Elton John buying a soccer team to Led Zeppelin buying an jet plane for themselves (Steve Miller Band's "Jet Airliner" probably wanted to follow that concept). "Money is the root of all evil today", sings David Gilmour, and we look back and we say... oh yeah. "Us And Them" is about the struggle of classes that helped creating part of Barrett's madness and a natural segue to "Money". "Any Colour You Like" is considered another reprise of "Breathe", and the idea of a quiet album about a screaming subject turns into reality in our ears. The album ends with "Brain Damage" and "Eclipse", two fascinating games of words about madness, love and relationships that made Roger Waters' wife cry when she listened to them for the first time. You might too if you get it.

Alan Parsons, chief engineer at Abbey Road Studios during the Darky sessions, talked during an interview in 1982 about how hard recording this album was. Pink Floyd wanted strange sounds to sound familiar to the listener. A cash register and a bag of currencies pulsing in 7/4 tempo, recorded on a tape that looped around the control room. Another room full with wall clocks hitting the hour, a beating heart that begins and finishes the symphony of life. It took them one year to finish the album, and when Pink Floyd left Abbey Road Studios, their brains couldn't function anymore. It was just like the Beatles after Pepper. The album drained all their creativity and their next project, something called Household Objects using sounds created without actual musical instruments, had to be dropped but some elements were found in their follow-up record which came out two years later: Another tribute to Syd called Wish You Were Here. For some, their real masterpiece.

Darky will always be available in Amazon.com.

More Floyd:

Ummagumma (Harvest, 1969): Still, the most spacey record of the sixties. Out of this Solar System.

Wish You Were Here (Columbia, 1975): A homage to guitar-vocalist-songwriter-leader of 1966 and 1967's Pink Floyd, Syd Barrett. Gilmour and Waters ask him to come back and join the band. But two guitars can't sound in the same amp, or can they?

Animals (Columbia, 1977): They got to be crazy. The ultimate conceptual album about failure of capitalism, the beginning of the end. In 2008 it became the unofficial anthem of the economy meltdown.

A Collection of Great Dance Songs (Columbia, 1981): In one record, the six most popular Pink Floyd songs. Adorable: "Money" played solely by Gilmour because EMI refused to give the song to Columbia.

The Wall (Columbia, 1979): the kick in the ass, from Pink Floyd to all the Punk generation. With lots of love.

Echoes (Capitol, 2001): Essential Pink Floyd, sequenced by Gilmour and Waters. Like previous albums, a tribute to the eternal Syd Barrett.

No culpes a Matt

Maxi-Single de 1987 que preveía el futuro a corto plazo en las discotecas de Europa.

Toda la discografía de Matt Bianco (1984-2010)

• 1984 - Whose Side Are You On?


• 1986 - Matt Bianco


• 1988 - Indigo


• 1991 - Samba in Your Casa


• 1994 - Another Time Another Place


• 1995 - Gran Via


• 1997 - World Go Round


• 2000 - Rico


• 2002 - Echoes


• 2004 - Matt's Mood


• 2009 - Hifi Bossanova

MATT BIANCO

Si antes 26 años eran una eternidad, ahora no son nada en el mundo de la música popular. Pareciera que, al menos desde nuestras trincheras, la música se hubiera estancado en un trance interminable de mediocridad: lo único que nos excita es la envoltura, el paquete que lleva el sonido. Las canciones ya no son el motivo principal de admiración de un artista, sino cómo se viste (Lady Gaga), en qué club se presenta (David Guetta), cuántos años tiene (Justin Bieber) o con quién se está acostando (Selena Gómez).

Foto de libreto del CD Best of Matt Bianco, 1990.

Single de 1986. Brillante.

Danny White, Basia Trzetrzelewska y Mark Reilly, 1984.

Uno puede darse cuenta que la música el 2012 está bien jodida cuando Madonna acaba de "cantar" en el Superbowl, un año después de que los Black Eyed Peas hicieran el ridículo en el mismo escenario; que la mejor cantante del momento, Adele, está en tratamiento de recuperación por una cirugía a las cuerdas vocales y que se retira de la música en cualquier momento, y que las mejores voces de los últimos 30 años, Etta James, Whitney Houston y Amy Winehouse, se hayan ido de pronto y dentro de un periodo breve, dejando un forado inmenso. Tiempos tristes estos.

Felizmente, para levantar la moral, está Matt Bianco si uno quiere arriesgarse. En 1988, el grupo (porque Matt Bianco es un grupo, no un solista; abordaré este detalle más adelante) tuvo un éxito relativamente grande en Estados Unidos con "Don't Blame It On That Girl", un número bailable que mezclaba el pulsante ritmo de Miami con una sutil vocalización británica. Pero Matt Bianco resultó ser un tesoro escondido en un océano de Top 100. Su música llega a donde Miami Sound Machine, por el lado latin pop, nunca pudo llegar, y a donde el smooth jazz jamás se atrevió a incursionar. De ahí a que sus álbumes sean, cada uno, una verdadera sorpresa.

El concepto de Matt Bianco nació cuando Mark Reilly, Danny White y Kito Poncioni se reunieron para crear música jazz-pop "globalizada". Quizás imaginaron que Matt Bianco era un "nombre clave de algún agente secreto británico que se queda de expatriado en el Caribe para hacer música y pasarla bien luego de alguna misión tortuosa en las congeladas planicies de la Siberia soviética", o quizás el nombre salió de la imaginación de Reilly, como si fuera un alter ego potencial. Llamaron a Basia Trzetrzelewska para que sea la vocalista y con ella grabaron el primer disco, mezclado por el exitoso productor Phil Harding, llamado Whose Side Are You On, el cual aquí ya hemos catalogado como una obra maestra. "More Than I Can Bear", una magistral balada, es regrabada con la voz de Basia adornándola por todos lados y se puede encontrar en algunas versiones posteriores del álbum.

Basia y Danny se enamoraron y dejaron Matt Bianco (es decir, dejaron solo a Mark Reilly) para trabajar en la carrera solista de la primera. Fue una buena decisión porque, tres años después, apareció de forma sutil y contundente Time And Tide bajo el sello Epic. Reilly decide continuar con Matt Bianco llamando a Mark Fisher, tecladista y genio de estudio. Junto a una pléyade de invitados, Reilly y Fisher lanzan una serie de discos apuntando al sonido latino pop de Miami Beach y el Caribe manteniendo un pie en el jazz y el pop suave apetecible al gusto inglés. Acertaron con Jenny Evans en la voz para el disco Matt Bianco del 86, el cual incluyó "Yeh-Yeh", un formidable y fresco cover de Georgie Fame & The Blue Flames.

Pero lo mejor llegaría en 1988 con Indigo, un disco totalmente latinizado que tiende a convertirse en álbum de cabecera y uno de los pocos casos en los que Emilio Estefan acerta produciendo un tema: "Don't Blame It On That Girl" se convierte en el  mayor éxito de Matt Bianco y sus claros sonidos de metales y piano montuno inundan muchas radios y discotecas. "Good Times" también atrae a los radioescuchas, pero es "Say It's Not Too Late", continuación natural de "More Than I Can Bear", la verdadera estrella del disco. Indigo en CD suena muy, muy bien. En vinilo, mejor todavía.

Matt Bianco exactamente no es un grupo sino una idea, un producto musical. Funciona en la imaginación del oyente: uno puede decirle a alguien quien nunca ha oído hablar de "Matt Bianco" que se trata de un cantante británico radicado en Miami o en Barbados que tiene una orquesta sensacional. También se puede decir que es un grupo sólido, o un dúo, o la banda de soporte de Basia en sus primeros años de carrera. Las posibilidades son ilimitadas y son nuestras, las de los oyentes.

Los discos siguieron apareciendo y sus producciones impecables sorprendían a mercados en Asia y Oceanía, mas no en los Estados Unidos ni Europa. Matt Bianco es muy querido en Japón e Indonesia, donde recientemente se presentaron en el festival de Jazz de Jakarta. Se trata de música entretenida, y no hay más vueltas que darle ni tres pies de gato que buscar. Son capaces de hacernos levantar las cejas al oír un cover como el de "What A Fool Believes", o hacernos oír más de una vez temas como "Anna Marie".

En el año 2004, Basia y Danny White se volvieron a encontrar con Mark Reilly y grabaron una secuela a aquel magistral debut, el Matt's Mood, que los encontró con veinte años encima, a los tres, y les dio una oportunidad más para tocar juntos. Basia, con una carrera muy respetada aunque irregular, quizás necesitaba un empujoncito de la nostalgia. Funcionó.















En general, Matt Bianco responde muy bien en fiestas europeas o euro-asiáticas donde falte un toque caribeño, o donde la audiencia no esté lista para sonidos completamente afro-latino-caribeño-americanos. Intenten con "Don't Blame It On That Girl", verán que la fiesta se arma. Los fanáticos de Matt Bianco, pocos pero distribuidos en todo el mundo, saben de lo que escribo.

Beware of the Blob!

The Look Of Love - The Burt Bacharach Collection (Rhino, 1998)

Rhino Records lanzó en 1998 esta colección de las canciones compuestas por uno de los músicos más creativos que ha dado Estados Unidos, Burt Bacharach.

Nacido en Kansas City en 1928, Burt se inició trabajando como compositor a sueldo en el famoso Brill Building. En 1969 Ganó dos premios Oscar por la partitura de la película Butch Cassidy And The Sundance Kid y por la canción Raindrops Keep Falling On My Head.

Estuvo nominado algunas veces más, por "Alfie" -de la película del mismo nombre- en 1967 "The Look Of Love" -de la película Casino Royale- en 1968 y ganador en 1981 por "Arthur's Theme", de la película Arthur.

Esta caja de 3 CDs es el mejor lanzamiento de Rhino sobre un artista determinado en toda la historia de la compañía, al crear por primera vez una colección de las canciones de Burt Bacharach interpretadas por los artistas que las hicieron éxitos y, en algunos casos, obras esenciales de la música popular. Entre 1958 y 1970, Burt compuso junto al letrista Hal David obras maestras como "This Guy´s in Love With You", "Any Day Now (my beautiful bird)", "What The World Needs Now Is Love", "Raindrops Keep Falling On My Head", "Knowing When To Leave" y "Close to You", ésta última a cargo de Carpenters, herederos de la tradición Bacharach en los setentas.

Cabe destacar la canción "Wives and Lovers", que es una de las apologías más elegantes a la infidelidad. La canción más preciosa y llena del estilo Bacharach de la caja es "Alfie" (de la película del mismo nombre, de 1966, con Michael Cane como protagonista) interpretada por una de las mejores voces blancas de la historia: Cilla Black. Únicamente esta canción justificaría la adquisición inmediata de esta caja de pandora.

GIT, GIT, GIT!

GIT (Interdisc, 1984), GIT (Interdisc, 1985), GIT (Interdisc, 1986)

GIT (Acrónimo de Guyot, Iturry y Toth) Dícese de la banda que, a mediados de los ochentas en Sudamérica, sonaba así:

Véase los años en que los tres primeros discos de GIT aparecieron y un choque eléctrico de nostalgia nos caerá a todos los que recordamos con cariño a esta banda que competía por la preferencia del público argentino con monstruos como Soda Stereo, Charly García y los Fabulosos Cadillacs (¡Hey, no sólo público argentino sino sudamericano también!). 

En Lima los descubrimos gracias a la onda expansiva que trajo Charly García en 1984 con sus Modern Clix y Piano Bar. Los miembros de GIT, el guitarrista Pablo Guyot, el baterista Willy Iturri y el bajista y cantante Alfredo Toth habían sido músicos de sesión de Piano Bar y previamente del cantante Raúl Porchetto, y tenían pasta para iniciar una carrera como grupo. Triunfaron rotundamente en México, Chile y Perú pero siempre bajo la sombra vigilante y tamizadora de Soda Stereo, hasta ahora la mejor banda de rock latino.

Tal como lo cantaron en la canción "Tarado de Cumpleaños," del tercer LP, "no los vimos" como eran en su momento, y eso que los pasaban por la radio "una y otra vez". A pesar de haber grabado un segundo disco desastroso, producido por Gustavo Santaolalla y con una batería cuya tarola sonaba como a lata (o como si estuvieran martillando en la casa de al lado, como dijo mi padre una vez), supieron moverse bien y colocar su sonido en la FM de países como el Perú. GIT era la versión sanitizada y normalizada de la new wave argentina con un exagerado aire a lo Police. Si estos últimos tenían a la  "Roxanne," GIT tenía a otra prostituta, "Ana", y también la calle era su lugar. Para contar la historia de la amiga del pordiosero, se inspiraron en los arpegios y línea de bajo de "Message In A Bottle." Al principio, los chicos de la banda tenían historias urbanas que contar con mucho más sentido que las incoherencias y vaguezas de la lírica de Soda Stereo, pero con mucho menos efectismo (si hay algo de evolución en GIT, es en la lentamente progresiva abstracción lírica).

Dudo que Alfredo Toth haya usado maquillaje de la misma forma que Gustavo Cerati o Miguel Abuelo en un escenario, aunque aparecía en los escenarios vestido como arquitecto o diseñador de interiores gay. Aquella "sinceridad lírica" pasaría a convertirse luego en una abstracción forzada, al notar que Soda Stereo y su corriente vendía más LPs.

Los tres discos, lanzados anualmente entre 1984 y 1986, son muy similares entre sí y a diferencia de la batería latosa del segundo, no hay una evolución de sonido ni intento de madurez, lo cual en esos años era algo que para las radios era prescindible. Era música con el firme y solemne propósito de entretener, y GIT era más que entretenido. El maestro Charly García produjo el primer disco, grabado en Ibiza, y les dió la palmada inicial, deseándoles suerte. El sonido es minimalista: guitarra, bajo y batería al grano y sin mucho efecto o complicación, salvo flanger aquí, reverb allá, un saxofón en "Roca de Ibiza," etcétera. Verso-coro-verso-solo-verso-coro y listo, siguiente canción. Pero en aquel entonces, al igual que ahora, reconocimos el talento de la banda y los admiramos por ser entretenidos y generar melodías y ritmos pegajosos. El primero tenía "Viento Loco" y "El Juego Comienza," que son dos canciones sobre la angustia del adolescente ante el futuro. Alfredo Toth ya tenía poco más de 33 años cuando la banda se formó pero su lírica y voz lograban llegar a la juventud que terminaba la secundaria, empezaba la carrera universitaria y encontraba los obstáculos de la vida, que en esa época eran más numerosos y peligrosos que un desengaño amoroso o no poder ir a ver a un concierto.

GIT se movía bien en las radios, LPs y cassettes, y eran el equivalente a tener un hermano o hermana mayor que te hacía sentir bien si por alguna razón no tenías fiesta a donde ir y te llevaba a comer una pizza con un milk shake. Ese es el efecto de la canción "Aire De Todos," del segundo disco: a la larga todos estamos en el mismo mundo, y nadie está solo. ¿Qué lindo, no? No es fácil cantar una canción así y hacer a la gente creer en un mundo mejor. Con los años, nos hemos vuelto más cínicos y ahora GIT -desafortunadamente- es sólo un recuerdo.

Una canción funky y con punche, inspirada quizás en "Material Girl" de Madonna y llamada "Es Por Amor" abría el tercer álbum, abstracto como su portada y sin rumbo definido. Pablo Guyot demostraba su guitarreo distorsionado pero a bajo volúmen, dando la idea de que se encontraba lejos de donde los otros dos estaban tocando. Él recibía la influencia de Edge y Andy Summers, y la aplicaba para canciones como ésta y "Tarado de Cumpleaños," otro número rockero sin significado alguno: como se mencionó anteriormente, la banda estaba buscando el éxito con líricas incoherentes pero agradables al oído de la misma forma que Soda Stereo lo hacía, con mucho más éxito. "Buenas Noches Beirut" comentaba el ajeno problema del Medio Oriente en un tono sombrío y misterioso, al estilo de "In The Air Tonight" de Phil Collins. GIT y Soda Stereo intentaban cerrar la brecha entre el rock en español y el británico de los ochentas, aunque con el tiempo nos dimos cuenta que esa brecha no era tan grande, y probablemente nunca existió, salvo en los balances trimestrales de las disqueras.
 
El fin de GIT se vino rápido con dos discos muy pobres: Primera Sangre y un tiro de gracia llamado Distorsión. Problemas con la fama, la arrogancia, el alcohol y la dejadez provocaron el fin de la banda hacia 1994. Pero los tres primeros, aunque para algunos sean malos, son inolvidables... bueno, al menos para mí.

Hi Infidelity - One of the Best Pop Albums Ever Made

Partners In Crime (MCA, 1979)

RUPERT HOLMES

Partners In Crime is an approachable, delicate and curious album about the continuing ironies of love, affection, and cheating. The first hit single of the 80's decade, "Escape (The Pina Colada Song)" presents our narrator -later our buddy and in some cases our alter ego- feeling the depressions of rutine in his relationship with his lady. Egotistically, he searches the personal ads in a newspaper so he can run away from the boredom of eating the same rice-and-beans dinner every night. When he meets his connection, she happens to be his own girlfriend, also running away from him. The funny thing is one never knew the other actually love Pina Coladas, and to get caught in the rain. They were long-time lovers, and love, Rupert says, is a fading flower in a world where trust is also fading, each and every day.

The journey continues with the album's title track as we follow two couples: one, a teenage hooker that doesn't tell the difference between affection and self-esteem in her relationship with her pimp. The other couple, a dominatrix and his slave who, during office hours, is her boss. They have to know that something's wrong with their lifestyles, isn't it? How an innocent girl could be treated that way and feel that need for a pimp? How come work is a great aphrodisiac, turning simple people into power and pain? This song is a funky-cheating-adult-oriented number with a brilliant horn arrangement, putting us in the key-city of the cheating events: New York.

After a lament of being "Nearsighted" and being rejected by girls because of this -stupid excuse-, Rupert sighs and takes the story on the "Lunch Hour" in Manhattan, where a girl takes the cab to visit her current lover in a hotel, just when she was supposed to have a meal. "Whatever had for lunch agrees with you", Rupert comments with her. With the fast paced rhythm, he also introduces us to a "lunch hour" of a Brooklyn businessman and the hot stewardess from Air Canada he meets every day in a hotel. It's the most colorful and descriptive song of the album, and Holmes proves himself as a first-level narrator.

"Him" is the moment when the singer finds out he's been cheated for a while, the same way he's been doing it. A pack of cigarrettes, next to the window, that is not his brand proves it, and he sings with the biggest self-compassion ever present in a pop song. This guy, Holmes, must really know about love and deception, we think. And the songs' order is a good proof of that. After "Him", we can tell the broken hearted guy's is compulsevly searching for love with his "Answering Machine", he wonders about the women he'll never get to love when he sees them on the streets, and feels a lot of nostalgia. So he goes down to the bottom of his moods. But at the near end of the album, he decides to be sincere with himself and start believing that there must me something better than the life he's been thru. "Get outta yourself". Cheating is not about an obsession with other people but with ourselves and our lack of inner peace.

The end of the album is a resolution, a conclusion, a bet for love. "In You I Trust" completes the circle and leaves the listener ready for another pass of that sweet and sour taste of love, need, infatuation and cheat. A must for all wives and lovers around the World.

La partida del griego

Vangelis (1943-2022)

El tipo sabía lo que verdaderamente
significaba una melodía: sabía cómo funcionaba no solo en teoría sino en
nuestros propios cerebros. Entendió que la música era la ruta a lugares que el
ser humano no había encontrado aún: espacios exteriores e interiores que nos
son aún misteriosos y confusos. Vangelis propuso rutas a través de su música y
el mundo, especialmente durante los setentas y ochentas, las fue tomando
gracias al cine y la televisión. Al mismo tiempo que la música del griego
entraba en nuestro subconsciente, nos hacía ver que el universo era más grande
de lo que creíamos. Y no solo en el aspecto astrofísico: Vangelis dio al mundo
una voz: la banda sonora de la exploración y el asombro ante descubrimientos.
Hizo la banda sonora de 1492: Conquest of
Paradise y le intentó dar algo de humanidad a Cristóbal Colón. Con la
película Chariots of Fire logró un
Oscar y un buen puesto en Billboard. Y su trabajo en Blade Runner nos llevó a un mundo distópico que cada vez se parece
más a la realidad.

La música de Vangelis no diferenciaba
presente, pasado o futuro. Podía enviarnos a China 5,000 años atrás y a la vez
ubicarnos en las regiones externas del Sistema Solar, en una nave interestelar
que ya hubiera querido tener Fritz Zwicky para sus estudios de materia oscura. También
se puede viajar en el espacio y el tiempo con dos de sus contemporáneos de la
electrónica y la New Age, el francés
Jean-Michel Jarre y el japonés Kitaro, pero Vangelis le supo dar a su música
aquel lado terrenal y orgánico necesario para poder conectar lo por conocer con
lo conocido de nuestras vidas. Vangelis incluso se asoció con Jon Anderson, vocalista de Yes, para darle lírica a su música y vaya que le funcionó a inicios de los ochentas.

Su amplia obra de seis décadas empieza en el rock y avanza por lo denomiando progressive con su trío Aphrodite's Child a fines de los sesentas para establecerse a inicios de los setentas como un genial creador de bandas sonoras para cine y TV en Francia. Sus álbumes siempre otorgan algo nuevo: un leit-motif al cual aferrarse, una sensasión de comodidad antes desconocida, y también un desafío al instinto explorador del ser humano. Evángelos Odysséas Papathanassío ha muerto el pasado 17 de mayo del 2022 pero su obra recién se expande hacia la profundidad del Cosmos y hacia nuestra propia y limitada existencia. Descansará en paz, pero su música tiene una misión: salvar a la Tierra y a la humanidad.

Chariots of Fire y Blade Runner son archi-conocidas y premiadas bandas sonoras que sonarán bastante durante los últimos días de mayo. Pero celebremos el legado del griego con discos como 666 de Aphrodite's Child, Short Stories de Jon & Vangelis, L'Apocalypse Des Animaux, Heaven and Hell, Earth, China, La Fête sauvage, Ignacio, Mask y Albedo 0.39.