Rock Peruano - 80 Clásicas, además: "Antología del Rock Peruano 1980-1990"

Disco de escucha obligatoria para entender lo que era el rock en el Perú en la década de los apagones.

¿Qué tiene el rock peruano de los ochenta que hasta ahora nos causa fascinación? Beto. 

A algunos les causará fascinación... los que lo vivieron (o sufrieron) quizás traten de olvidarlo. Pero eso no importa.



80 canciones de rock peruano, las favoritas de siempre, por cortesía de Lucho Soto. Lucho es un experto Beatlemaníaco y gran conocedor de la Invasión Británica de 1964 a 1966. (Stones, Seeds, Herman's Hermits, Animals, Peter & Gordon, etc.) Esta vez nos envía la lista de las canciones de rock peruano más destacadas de la historia.

Hola compadre,



¿Como has estado? pues mil disculpas si no te he podido mandar antes la relación de temas, pero felizmente hice la lista, asi que espero la alucines bacán y puedas ver si te parece OK, por cierto he hecho una relación de 80 temas, ya que te comenté en un primer momento que iban a ser 100 temas, pero digamos, he dejado esos 20 para ver si es que deseas incluir algún tema que puedas pensar que sea añadido acá y que no esté, y bueno vemos la forma de que los completemos y sean 100 temas.

Bueno hermano, te mando un fuerte abrazo, deseándote todo lo mejor.

Lucho

80 Peruanadas

1. Avenida Larco – Frágil
2. Meshkalina – Traffic Sound
3. Demolición – Los Saicos
4. El Ultimo Beso – Los Dolton´s
5. En Mi Cama – Los Perros
6. Televidente – Río
7. Personalidad – Jas
8. Extraños – Dudó
9. Un Ovni En Mi Jardín –Trama
10. Gracias – Chachi Luján
11. Tema Para Jóvenes Enamorados – Los Belking´s
12. La Vuelta – Los Silverton´s
13. En Setiembre del ´86 – Bo
14. Something Going – Telegraph Avenue
15. El Vampiro – Líbido
16. Maquillaje Sensual – Danai y Pateando Latas
17. Hey Luis – Chapu & The Why Last
18. Exterminio – Pax
19. Carry On Till Tomorrow – We All Together
20. Por Ti – Duwetto
21. Vamos a Tocache – Miki Gonzalez
22. Mujer Noche – Mar de Copas
23. 5:36 PM 31st 1999 – Gerardo Manuel y El Humo
24. Billy Morsa – Laghonia
25. El Pirata – Tarkus
26. Por Tu Amor – Autocontrol
27. Tres – Líbido
28. Abril – TK
29. Dímelo Dímelo – Miki Gonzalez

30. Hey Revolution – We All Together
31. Suna – Mar de Copas
32. Sucio Policía – Narcosis
33. Chicama Way – Traffic Sound
34. La Universidad (Cosa de Locos) – Río
35. Sin Salida – Chapy & The Why Last
36. Oda Al Tulipán – Frágil
37. Los Buenos Tiempos – Imágenes
38. Guachiman – La Sarita
39. Sol – Zen
40. Decir Adios – Amén
41. La Ventana – Los Dolton´s
42. Come On – Los Saicos
43. Stone – Texao
44. Bailemos – Los Termit´s
45. Ya No Quiero Mas Ska – Jas
46. Un Mundo Nuevo – Los Shains
47. Mala Sangre – La Liga del Sueño
48. Pronóstico Reservado – La Banda Azul
49. Soledad – Indigo
50. Super Informales – Beto Danelli
51. Rutina Latente – Retorno Breve
52. Escalera Al Infierno – Del Pueblo y Del Barrio
53. Travesti – Sangre Púrpura
54. Ya No Aguanto – Miki Gonzalez
55. I´m A Nígger – Laghonia
56. Avispón Verde – Bela Lugosi
57. Abrázame – Los Yorks
58. Concordancia – El Polen
59. La Peor De Las Guerras – La Liga Del Sueño
60. I Am Cholo - D´Mente Común
61. Sarita Colonia – Los Mojarras
62. Un Nuevo Verano – The (St. Thomas) Pepper Smelter
63. Rio Santa – Turmanyé
64. Dame Una Salida – Feiser
65. Cuando La Cama Me Da Vueltas – Arena Hash
66. Fantasy – Autocontrol
67. Caras Nuevas – Imágenes
68. Idolos – Danai y Pateando Latas
69. Y Es Que Sucede Asi – Arena Hash
70. Happy – Telegraph Avenue
71. Funky Man – Black Sugar
72. Me Voy De Aquí – Jas
73. Tu y Yo – Los Zopilotes
74. Un Paso Más – Trama
75. Simple – Traffic Sound
76. Shain´s a Go Go – Los Shains
77. Y Soy Libre – Dudó
78. Y Soñaré – Nina Mutal
79. Floral – Frágil
80. Machu Picchu Blues – Gerardo Manuel y El Humo

 

Javier Moreno añade:

81. Éxito Instantáneo - Siberia
82. Mañana - Anexo 3
83. Extraña Sensasión De Amor - Danai
84. Hipocampo - Dudó
85. San Valentín - Ludwig Van Yerovi
86. Puedes Ser Tú - Miki González
87. Disco Bar - Patricio Suárez Vértiz
88. Lo Más Grande Que Existe En El Amor - We All Together
89. Se Va Se Viene y Se Va - Censura X
90. Lady Of The Amazon - Pepo Rodríguez (a.k.a. Pepo Rock)
91. Babilonia - Tierra Sur
92. Donde Están - Miki González
93. Salir A Bailar - Clip
94. A Ese Infierno No Voy A Volver - Arena Hash
95. Costa Verde - Obras
96. Mi Tabla Surfin - Zopilotes
97. Como Un Loco - Frágil
98. Kangrejo - Arena Hash
99. Esta Es La Noche - Féiser
100. Lejos De Tí - Río

Para más detalles sobre la edad dorada del rock peruano (la misma edad dorada de Alan García, los apagones, hiperinflación, Sendero Luminoso y el borde del colapso) y de cómo conseguir algunas de estas joyas, por favor véase la página de Diego Gayoso sobre el Rock Peruano. Adicionalmente su grupo de Facebook les dará buena información.

 

La mejor forma de conseguir rock peruano es comprándole al Perú. Olvidémonos de los MP3 que suenan pésimo. Usen YouTube para encontrarlos, y vayan afuera a conseguirlos. Vale la pena.

A Splendid Time Is Guaranteed for All.

*Ya que este post es uno de los más visitados de la página Web, enyuco aquí mismo un artículo sobre una colección que todo fanático enfermo del rock perucho debería tener pero ya.

Antologia del Rock Peruano 1980-1990 (Via Music, 2006)

Una de las cosas positivas del paso del tiempo es que lo cura todo y, de vez en cuando, hace que algunas cosas se tornen de mucho valor para algunos nostálgicos. En la película Cazadores del Arca Perdida de 1981, el villano, el Dr. Belloq, le muestra al héroe Indiana Jones un reloj de pulsera común y silvestre y le explica cómo un pedazo inservible de metal, enterrado por miles de años, se puede volver un tesoro y hacer que los hombres de maten por él, como el Arca de la Alianza. Belloq pudo haberle mostrado a Jones un ejemplar en cassette del álbum Mueres En Tu Ley (CBS Discos del Perú, 1987) del grupo JAS o quizás el primer álbum de Dudó con el nombre del grupo como título (Hispanos, 1987) y haber probado de igual forma su teoría. En vez de mil años, 25 son suficientes como para convertir a estas dos bandas en verdaderos clásicos del rock en español, y ondas portadoras de dulces recuerdos.

Un par de fanáticos del rock peruano, Cesar Lau y Marco Antonio Sandoval, han compilado la colección esencial de música olvidada de los ochentas: el tipo de disco compacto que veneramos aquí en CacaoRock. Si naciste en Perú entre 1967 y 1977 y creciste estando conciente durante los años del terror (así llamo yo al período cubierto en esta colección), probablemente recibirás un baldazo refrescante de memoria como nunca antes; o mejor dicho, como cuando te bañabas con balde cuando cortaban el agua en tu distrito.

Lau y Sandoval han logrado recolectar, cual tarea escolar con 20 de nota, un impresionante conjunto de grabaciones de rock peruano. Al hacerlo nos han devuelto la memoria, recordándonos quiénes fueron estos músicos y cómo sonaron durante la década “perdida” de los presidentes Belaúnde y García I, de la hiperinflación y del terrorismo. Perú estaba hundido en una crisis social espantosa, cargada de violencia, injusticia y dolor causados básicamente por un racismo brutal. La crisis fue tan severa que el país aún se está recuperando, cual perro herido después de haber sido arrollado por un camión apodado “Sendero García” en la Panamericana Norte y sobreviviendo de pura suerte, o mejor dicho de milagro. Perú pudo haber sido el Haití de los ochentas, fácilmente.

Anticuchos:

Entre 1985 y 1988, las radios peruanas en AM y FM difundieron más rockeros peruanos que nunca, como respuesta a la movida española con Miguel Ríos a la cabeza y, en muca mayor medida, por la invasión argentina liderada por artistas extremadamente buenos como Charly García y Soda Stereo. Mientras García preguntaba amargamente a sus colegas qué fue de los músicos que desaparecieron durante los años de la dictadura militar, la banda Soda Stereo prefería ser más etérea y mística en su lírica y recibiendo la influencia sonora de artistas de la New Wave británica como Cure, Fixx y Tears For Fears. Los músicos peruanos recibieron esa influencia poética y colorida más que ninguna otra; por tanto, politizar el rock con la realidad peruana era muy raro.

En esta colección no encontrarás más que escapismo sano y pacharaco; salvo un par de honorables excepciones como “Éxito Instantáneo” de Siberia, un tema con clara influencia Police acerca de la mediocridad y trabajar por sencillo en la Lima de los ochentas. En 1987 lo más probable era que uno veía las cosas color de hormiga a la hora de parar la olla, al ser el año en el cual Alan García decidió liquidar la Clase Media. Pero fue en ese mismo año que Miki González presentaba una de sus mejores canciones, “Vamos A Tocache” (la otra mención honorable), un recuento de sus actuaciones en ciudades de la selva peruana controladas por el narcotráfico. Como dijimos antes, una ausencia de declaración política absoluta. Aunque Miki alguna vez tocó en algún evento organizado por el Partido Comunista del Perú, nunca más volvió a involucrar la política en su música después de lanzar su debut Puedes Ser Tú (1986). De este brillante LP, la colección incluye “Dímelo, Dímelo”, una canción acerca de la proporción inversa entre los comerciales de TV y el sueldo nacional promedio en el Perú de los ochenta. Es chistosísima, casi como una parodia de Weird-Al Yankovic, y le dio a Miki mucho éxito y exposición mediática, pero le faltaba el punche de la canción título del album, un tema que debió haber sido incluido en esta colección. Pero bueno, siempre hay volúmenes 2, supongo.

Pan con chicharrón

Uno de los colaboradores en este proyecto fue nuestro querido amigo y obseso con la peruanada ochentera Diego A. Gayoso, quien tuve el gusto de conocer hace varios años a través de mi página web. Aunque Diego nació en el 84, su trabajo de investigación y su colección de discos fueron invaluables para la creación de esta compilación. Suena en los parlantes música de artistas que ni siquiera ellos mismos se acuerdan de que alguna vez sonaron en las radios, y los peruanos vuelven a sentir una emoción lejana y agridulce: Autocontrol, y su producción neoyorquina de “Fantasy” y “Por Tu Amor” (una bien encaletada variación de “For Your Love” de los Yardbirds).

Féiser (pronunciación de phaser, la pistola que usaban en Star Trek) presenta “Esta Es La Noche” (brillante) y “Dame Una Salida” (regular no más), demostrando que la juventud peruana absorbió la New Wave a plenitud y la hizo suya a mucha honra. Siberia y Calle Sexta compartieron casi los mismos integrantes y a veces, increíblemente, los mismos conciertos, y desafortunadamente no duraron lo suficiente como para ser recordados por nadie más que los creadores de esta colección. “Quién Me Entiende” de Calle Sexta se perdió en el olvido de forma tan descarada que inclusive los mismos miembros originales desconocían del paradero de la cinta master. Diego Gayoso tuvo que usar su propio disco de 45 RPM para ser transferido a CD.

Dudó, un quinteto de sujetos más feos que el hambre de la sierra, tuvo un gran éxito con un álbum debut con el nombre de la banda que incluía “Extraños” y “Y Soy Libre”, dos temas influenciados dramáticamente por Police y el movimiento post-punk londinense.

Miguel Tapia cantaba y tocaba el bajo imitando a Sting, de hecho, y la banda incluso llegó a pasar por un mal momento –a lo Led Zeppelin o Chicago– cuando su guitarrista Rubén Rojas fue asesinado a balazos por un policía (aunque el folleto de la colección menciona que Rojas murió de un ataque al corazón… creando más misterio en la historia de Dudó).

Aparte de los olvidados, también hay grandes éxitos por grandes grupos: Arena Hash presenta dos temas que fueron tocados hasta el cansancio por las radios: “Cuando La Cama Me Da Vueltas” y “Y Es Que Sucede Así”. El guitarrista, cantante y compositor de la banda, Pedro Suárez-Vértiz, se convirtió en el músico de rock peruano más exitoso salido de aquellos años, y aún es muy famoso y querido no sólo en Perú sino en Latinoamérica. Él y Miki González son hasta ahora los dos únicos rockeros peruanos de aquella época con algún tipo de pegada internacional debido a su proyección. Desafortunadamente, el rock peruano siempre fue lo más local posible. Río fue el grupo de rock más exitoso entre el 85 y el 88 en Perú por su cantidad de temas convertidos en éxitos, y aún siguen tocando y lanzando discos; pero en un mercado globalizado en donde los chicos juran que descargar música gratis por Internet los hace más fanáticos que otros, una banda no puede sobrevivir por mucho tiempo, y menos con falta de proyección. El márketing lo puede ser todo, pero es una pena que Río, una banda que con “Cosa De Locos” nos hizo ver qué hasta el culo era la educación universitaria en el Perú, aún es conocida por los peruanos, pero nada más. Aquellos peruanos aún podemos decirle a nuestros hermanos latinoamericanos lo bien que sonaban. O mal. Ya no importa, Río es un grupo muy querido por el que escribe.

Al igual que Frágil, la banda que en 1981 se atrevió a lanzar en un sello discográfico "grande" del Perú (El Virrey/ Pan Tel) un disco visceral llamado Avenida Larco. El tema título del disco describía un instante en una noche de viernes en una avenida de Miraflores, un distrito muy agradable de la gran Lima. Fue quizás Frágil el grupo progresivo que dio la largada a la carrera, corta pero intensa, de miles de grupos de rock peruanos que tenían algo que decir, en un clima húmedo y asfixiante, lleno de violencia y pobreza; el perfecto caldo de cultivo para que florezca el arte cual musgo.

Suspiro a la chilena

No era peruana, sino chilena. No era una mujer, sino una diosa y ahora es un ángel. Rebelde y cargada de demonios. Extrañamos a Danai con dos canciones: “Ídolos” y “Tirando La Puerta” que están en esta colección, así como “Maquillaje Sensual”, la cual no está (a buscarla por ahí). Danai fácilmente se convirtió en nuestra Cindy Lauper. Su muerte, otra envuelta en misterio, pudo ser debido al SIDA o a un pase de vueltas. No importa, se nos fue para siempre, nunca envejeció y la extrañamos. "Maquillaje Sensual" de Danai es una ausencia descarada en este compilatorio, pero esta colección también ignora algunos otros actos como Censura X y Trama. Con respecto a Trama, sus integrantes no querían que sus canciones sean incluidas en una compilación de “Varios Artistas” ¿Qué se computan? ¿Los Beatles? Quizás escuchemos a estos imitadores descarados de Soda Stereo en un volumen 2, si es que se dejan de poses disforzadas.

Antologia del Rock Peruano 1980-1990 Está disponible en tiendas Viamusic en Lima. Se puede ordenar esta colección mandando un email a info@viamusic.com.pe. El precio es de aproximadamente 12.50 dólares, así que no está tan mal para ser un disco doble. También se puede comprar por internet en Phantom Music Store. Esperemos que esté disponible en tiendas como Amazon.com y PeruCD.com pronto. Algunos fans peruchos no podemos esperar. Visite a los perpetradores en http://www.viamusic.com.pe/. Compren la colección porque las fotos y textos que vienen incluidos son en verdad, valga la redundancia, de colección.

In ínglich:

One of the good things about time is that it heals everything, and makes some things invaluable for nostalgic people. In the 1981 movie Raiders Of The Lost Ark, the villain, Dr. Belloq, shows Indiana Jones a common wristwatch and explains him how a useless little piece of metal, buried for thousands of years, becomes priceless and there will be treasure hunters willing to kill for it, like the Ark of the Covenant. Belloq could have been showing Indiana Jones a cassette copy of JAS's Mueres En Tu Ley (CBS Discos del Peru, 1987) or maybe Dudo's self titled first album (Hispanos, 1987) and had the same point proven. Instead of one thousand years, 23 years are enough to turn this bands into true classics of Spanish Rock and carriers of sweet memories.

Music buffs Cesar Lau and Marco Antonio Sandoval have compiled a quintessential collection of forgotten  rock music; the kind of compact disc we love here in CacaoRock. If you were born in between 1967 and 1977 in Peru and grew up during the terror years (that's how I call the period covered in this CD, friends) you probably will get a memory refresh like anything before.

Lau and Sandoval did an impressive homework collecting these records and making us remember who these people were and what they sounded like during the decade of excess, presidents Belaunde and Garcia, hiperinflation and terrorism. Peru was sunk in a terrible social crisis, full of violence and injustice all over. So bad the country is still recovering, like a wounded dog after being ran over a truck nicknamed "Shining Path/ Alan Garcia" and surviving by just mere luck, not by a miracle.



Anticuchos:



In between 1985 and 1988, Peruvian FM and AM radios played more peruvian artists than ever; this was a consequence of the Argentinean Rock invasion propelled by super act like Charly Garcia and Soda Stereo. While Garcia was angrily inquiring his peers about what happened with the dissapeared and the violence that shook his country in the seventies, Soda Stereo was more ethereal and mystic, catching the influence of New Wave bands from England like Tears For Fears, The Fixx and The Cure. Peruvian musicians of the era grabbed that poetic and colorful feeling. So talking about politics and the reality of Peru was a total no-no.



You won't find anything but nice and cheesy escapism tunes here, with a couple of honorable exemptions like Siberia's "Exito Instantaneo," a Police-like tune about mediocricy and hard working for nothing. In Lima, 1987, most likely you would end up suffering to make ends meet. Also, Miki Gonzalez presents his best song, "Vamos a Tocache," about his performances in drug-dealer-controlled cities of the peruvian jungle. Again, no political statement. Even tho Miki used to play for events sponsored by the Peruvian Communist Party, he never compromised with politcs after releasing his 1986 masterpiece Puedes Ser Tu (Interdisc). From this LP, the collection features "Dimelo, Dimelo," a song about the inverse proportions between TV commercials and monthly incomes in mid-80's Lima. It's funny as a Weird-Al-Yankovic parody and it was his first big success, but lacks of the bite of the album's title track, a track that should have been included in the collection. But there's always volume 2, I guess.



Peruvian Pork


One of the collaborators of this project was Peruvian-Rock-Obsessed Diego Alonso Gayoso (http://drrockas.blogspot.com/) who I have met last year through my webpage. Even tho the little bastard was born circa 1984 in Peru, his research work and collection of records has proven priceless for the creators of this collection. Totally forgotten artists appear on the speakers to remind peruvians that they actually did exist: Autocontrol and their New York based production of "Fantasy" and "Por Tu Amor" (a sneaky make over of Yardbirds' "For Your Love"). Feiser (spanish pronounced for phaser) and "Esta Es La Noche" and "Dame Una Salida", proving that peruvian youth absorbed New Wave styles completely well. Siberia and Calle Sexta shared the same members and sometimes the same gigs, and unfortunately they didn't last long enough to be remembered by anybody but the producers of this collection. Calle Sexta's "Quien Me Entiende" was so forgotten that even the original band members didn't have the master tape. Gayoso had to provide his own 45 RPM single of this tune for this collection.


Dudo was a quintet of ugly guys who had it big with a self-titled album featuring "Extraños" and "Y Soy Libre", songs influenced dramatically by The Police and the early 80's post-punk movement in England. Miguel Tapia sang and played bass pretty much like Sting, and even the band had a dark moment a-la-Led Zeppelin when their lead guitarist, Ruben Rojas, died in 1990 shot by a cop (even though the collection's booklet just mentions that he died of a heart attack... creating more mystery indeed.)



Of course there are big hits by big bands: Arena Hash presents two superhits: "Cuando La Cama Me Da Vueltas" (top hit for Panamericana Radio in 1988) and "Y Es Que Sucede Asi". Arena's guitarist-singer-songwriter Pedro Suarez-Vertiz became the most successful rock musician to came out of Peru in those years, and he is still very successful in Peru and Latin America. He and Miki Gonzalez (who reached the top of Macchu Picchu) are so far the only artists with some kind of international exposure. Unfortunately, Peruvian Rock was sometimes as local as it could be. Rio was the most successful band of 1988 in Peru and they still rock and release albums, but in a globalized music market with free and illegal downloadings, a band can't survive for too long. Marketing is everything, and it's a shame that Rio, a band who totally made us sing about how TV and college life in Peru totally sucked ass ("Televidente," "Cosa De Locos [La Universidad]") is still known just by a few peruvians here and there. But those few can make a crowd and tell the world about our funky sounds. Shit.



Desserts



She wasn't peruvian but chilean, and she was rebellious and full of emotions. We miss Danai with her songs "Idolos" and "Tirando La Puerta," featured in this collection, as well as that catchy "Maquillaje Sensual" tune. Danai could have been our Cindy Lauper. Too bad she died in 1992. We miss her.



The collection gather quintessential tracks of Peruvian debauchery but misses a few from bands like Censura X and Trama. Regarding the last one, heir members didn't want their songs to be included in a "various artists" compilation. What the hell were they think they are? The Beatles? We might be listening to this Soda Stereo impersonators in a volume 2, if they decide to stop making nonsense.

Antologia del Rock Peruano 1980-1990 is available on Viamusic stores in Lima. You can order the collection by sending an email to info@viamusic.com.pe . The price is 12.50 dollars, approximately, so it's a very good deal. You can find it online at Phantom Music Store too. Hopefully it will be available in record stores like Amazon.com and PeruCD.com pretty soon. Some peruvian fans just can't wait.

 

Videos from a long, long time ago:

Feiser - Esta Es La Noche:

Miki Gonzalez - Vamos A Tocache:





Dudo - Extraños:





Rio - Cosa De Locos (La Universidad):

Miki Gonzalez - Dimelo, Dimelo:

Arena Hash - A Ese Infierno No Voy A Volver:

More Peruvian Adobo? Get stuffed with what's available:

Plus:

Del Archivo de Arena Hash - Arena Hash

Greatest Hits - Traffic Sound

Cronicas 85-05 - Miki Gonzalez

Ciao Raffaella (1943-2021)

Con la muerte de Raffaella Carrà a los 78 años el mundo pierde a una mujer pionera del entretenimiento masivo. Aquella dama capaz de componer música, cantar, bailar, actuar, conducir programas de televisión, levantar polvareda con opiniones sobre la sexualidad y la política, y terminar el día pensando en que aún le falta más por hacer.

Quizás el único defecto de "Raffica" haya sido el haber intentado, con éxito, acaparar toda forma de comunicación masiva en Italia, España y Latinoamérica. Ella fue la mujer orquesta precursora de la presencia constante en los medios y la primera bestia televisiva de gran impacto: de ella se podía esperar casi todo. De sex-symbol imán de hombres a symbol-queen de la comunidad gay, digamos que la bolognesa pasó por todo, cubriendo una carrera de casi ocho décadas frente a alguna cámara de TV o de cine, o a algún micrófono.

Carrà en la música prácticamente creó con su cuerpo y voz el concepto de vedette: aquel talento deslumbrante que aparece en un escenario, rodeada de bailarines masculinos gay puestos ahí solo para que los hombres hetero no pierdan de vista su bionda cabellera y su esbelto cuerpo, para cantar y bailar canciones compuestas por ella o exclusivamente para ella. La mención de la palabra disco en Italia hace pensar en ella casi de forma automática, y la televisión diurna en Italia cambió radicalmente con ella de conductora. Su influencia se sintió en toda Latinoamérica y lo más probable es que en Europa el periodo 1986-2005 pueda ser denominado "la Era Carrà de la TV", así como en la música popular desde los años veinte se sigue sintiendo la influencia de Irving Berlin.

 

Nunca vi ningún programa de TV de la Carrà, como su Pronto Raffaella o Signori, Signore..., puesto que no quería verla sin cantar o bailar. Ese fue siempre su fuerte. La magia que transmitía a través de los rayos catódicos era un latigazo a los sentidos. Grandes y chicos no podían despegar sus ojos y oídos de ella. Lo que veían en la TV después lo escuchaban en las discotecas de los setentas y ochentas. En los noventa se remixaron sus temas y muchas cantantes apreciaron su influencia, como la despampanante Sabrina.

Ha muerto la reina absoluta de la música pop bailable italiana y la más prolífica y trabajadora artista de la edad dorada de la televisión. Sin embargo, su influencia tiene para rato.

Tutto Carrà

(Sony Music, 1999)

RAFFAELLA CARRÀ

Raffaella Carrà es la mujer perfecta de la música popular europea. Es imposible pensar en otra, al menos para mi que la conozco desde que estoy en este mundo. Mi abuelo italiano la adoraba y tenía uno que otro cassette de ella. Quizás los LPs desaparecieron gracias a la mano negra de mi abuela porque, en verdad, la artista es despampanante y una portada bastaba para derretir a cualquier hombre. Mi abuelo sabía, al igual que yo lo sé ahora, que Raffaella Carrà es la cantante más atractiva y talentosa que ha habido. Una fuente de entretenimiento de esas que sólo se dan una vez en la vida, y es tan única que es imposible compararla con alguna otra cantante contemporánea, sea de Italia, Francia, España o Latinoamérica.

Curiosamente la comunidad LGTB adora a la Carrà, y digo curiosamente porque ella tiene un sex appeal para el hombre heterosexual mucho más intenso, en mi opinión, que la militancia queer para convencer a la gente a vestirse de arcoiris. Quizás fueron las actuaciones con bailarines masculinos netamente queer o las letras feministas de doble sentido que escandalizaron a la homofóbica dictadura militar de Argentina, pero la verdad es que Raffaella conectó con la comunidad gay enclosetada y le dio una cierta identidad. La feminidad de Carrà es intensa, agresiva y muy viva, y eso siempre representó un desafío para el status quo masculino. Esta mujer es una diosa de esas que pasan por la vida muy raras veces... y ahora que me pongo a pensar, es probable que ella sea una de las primeras que cantó a grito pelado, y en varios idiomas, el clamor de liberación sexual de la mujer occidental. No se me viene a la mente otra cantante, por el momento.

Tal como David Bowie, Raffaella Carrà tiene una tendencia a cambiar, a mutar en el escenario y a asimilar diferentes personalidades cual Zelig. Puede ser una santa en una sesión fotográfica y en un show de TV convertirse en una dominatrix capaz de romperte el corazón y dejar una deuda de 3,000 euros en nuestra tarjeta de crédito. A veces es la chica más bella de la escuela y luego de uno o dos temas es una extraterrestre. Quien esté casado con Raffaella Carrá, es el hombre más afortunado del Mediterráneo.

Como decía, Carrà representa a la perfección a la mujer artista Europea de los sesentas y setentas, evolucionando de la inocencia pre-hippie hacia el hastío post-moderno de la plástica década del ochenta. En Italia no tuvo el éxito esperado y tuvo que emigrar a España, donde grabó discos en la lengua de Cervantes con un acento goloso, elegante y perturbador. Ella era la chica con la que todos querían salir a bailar. Y ella quería bailar con todos. Tenía una canción llamada "Pedro" en donde describía un caso muy común de turismo sexual: la típica extranjera (casada) que en un viaje a la Argentina se "levanta" un guía turístico mucho menor que ella y éste le hace ver "todo menos Santa Fé". "Pedro" no está en la colección Tutto Carrà, pero la pinta de cuerpo entero; o al menos la fantasía que tenemos de ella.


“Felicità”, otro ejemplo frívolo, no tiene un ápice de melancolía ni amargura. Es fiesta, pachanga, jarana, orgía, alcohol, individualismo, Rock and Roll en 2/2. Todo eso juntado en tres o cuatro minutos a toda velocidad. El funk melódico –ácido jazzídico– del “Drin Drin” puede recordarnos a Donna Summer y a Giorgio Moroder, aunque sea producido por el novio de la Carrà de aquel entonces. Es de 1979, año del fin de la música Disco como tal.


Pero la Carrà también tiene su fuerte en la balada y puede llegar a desgarrarse por un amor no correspondido: “Io Non Vivo Senza Te” asombra por la intensidad con que Raffaella llora por la leche derramada. Mi pregunta es, ¿alguien en este mundo es capaz de romper con la mujer más completa de Italia? Imposible. Ella es una mujer intensa, que ama la vida y la aprovecha a cada instante y en todo aspecto; siendo prueba de ello el dinamismo de “Forte Forte Forte,” su single más logrado.

Italia le debe mucho a ella y el mundo aún no la ha descubierto del todo. Los que pasamos los treinta la recordamos, la vivimos, y deseamos ver y oir más de ella. Yo personalmente la prefiero cantando en Italiano y con ese inglés forzado y chillón como en "She's Looking Good." Después de verle las piernas, decimos indeed.

Oda al equipo de sonido, otrora rey supremo de la sala de mi casa.

Escribe: Andrés Avelino Delgado (alias "Loco Disco")



Cuando yo era pequeño, tener un buen equipo de sonido era casi como un símbolo de status. Normalmente los equipos de sonido tenían un espacio privilegiado en la sala de la casa. Estaban ahí, en la biblioteca o en la vitrina principal de la sala, junto con las porcelanas "Capodimonte" y unos platos ingleses azul celeste ("frondios") que las mamas y abuelitas cuidaban como si se tratara de tesoros.



Las marcas mas reconocidas de componentes de sonido en aquella época eran Grundig, Technics, AIWA y JVC. Un sistema completo podía costar una fortuna. Así que los niños teníamos absolutamente prohibido acercarnos a menos de dos metros del equipo. El mayor pecado que podíamos cometer era rayar un disco con la aguja del tocadiscos, algo que sucedía inexorablemente con solo dar una mirada al componente.



Un sistema de sonido completo era en realidad una colección de componentes de audio, de los cuales tres, eran absolutamente críticos. El principal era el amplificador, que en términos simples se encargaba de tomar la señal débil que venía del tocadiscos o sintonizador para darle potencia y luego enviarla a los parlantes. Los parlantes eran la parte mas visible del equipo. Unas cajas de madera horrendas, que podían incluso ser mas altas que uno y estaban localizadas en lugares estratégicos de la habitación donde mezclaban el sonido estéreo de la mejor manera posible.



Quienes se tomaban en serio el asunto del audio, tenían ciertas piezas de altísimo valor como el ecualizador y el pre-amplificador y hablaban con propiedad de la calidad los transistores que eran los directos responsables de la pureza del sonido. Yo la verdad nunca descubrí muy bien la diferencia. Lo que si recuerdo es que si el equipo de sonido tenía uno de esos componentes, era una señal inequívoca de que el dueño de casa era audiófilo y tan solo verlos detrás de una vitrina merecía un resonado "¡WOW!"



Hoy, 30 años después, los equipos de sonido han desaparecido completamente del planeta. Es posible que pueda encontrar alguno acumulando polvo en la casa de sus abuelitos. Las marcas reconocidas de aquella época dieron paso a otras como Yamaha, Pioneer, Kenwood, Sony, pero al final o quebraron o se concentraron en alguna otra actividad o nicho de mercado. En cuestión de 30 años (bueno, en realidad son como diez) esta industria desapareció del planeta. No es posible que se hayan desaparecido quienes disfrutaban de la música de esta manera. ¿Qué se hicieron los audiófilos?



Los mas jóvenes crecimos con sistemas de audio personal como el Walkman y posteriormente el Discman. Eran sistemas de bajo costo, que nos permitían llevar la música con nosotros. Inicialmente en cassettes y posteriormente en CDs. Estos últimos fueron especialmente transformacionales. La calidad de sonido digital, usando rayos de luz en lugar de agujas o magnetos significaron una pureza en el sonido nunca antes experimentada. Su aparición coincide con el principio del fin de los grandes equipos de sonido. No tengo claros los motivos, pero me imagino que era necesario hacer cambios radicales al sistema y la alta inversión dejó de ser sostenible.



En medio de ese recambio llegó la revolución de la música digital, y la conveniencia de tener toda la música en un dispositivo que se pueda llevar en la palma de la mano cambió radicalmente las costumbres de los aficionados al sonido. De un momento a otro, los grandes equipos de sonido fueron reemplazados por parlantes Bluetooth con amplificador incorporado que son lo que vemos mayoritariamente hoy en los apartamentos



La era de los grandes sistemas de sonido profesionales se fue era siempre. Pero eso no quiere decir que debamos contentarnos con sistemas de audio personales y sonido de baja calidad. Las alternativas existen y aunque son costosas, si uno es un audiófilo posiblemente valga la pena la inversión.

CD-Rot: It's Happening

Take a look at what I've been dealing with since approximately 1995:

 

Errol Garner's Verve Jazz Masters 7 CD was always kept in a fresh and cool place. Steve Miller Band's Wide River CD as well. But check out what's happening to these items:

Wide River CD, Steve Miller Band, affected by CD-rot.

Errol Garner's Verve Jazz Masters 7 (1994) did not deseve this.

Nor James Brown's Sex Machine - The Very Best Of CD (1991).

In this detail of the Wide River CD, We see a mild-to-severe case of CD-ROT, a disease that's been affecting Compact Discs manufactured in the "early days". In my collection, some of the CDs manufactured by Polygram in the United States had this disease. My Stan Getz's Verve Jazz Masters 8 CD was in such a bad shape I had to throw it away, and I had to buy another copy of In The Court Of The Crimson King by King Crimson after the first song started to skip awfully. All these CDs were purchased by me in Lima, Perú, between 1993 and 1995.

CD-Rot, the worst that can happen to the digital medium, because of lousy compact disc manufacturing. The aluminum layer that reflects the light of the player’s laser is separated from the CD label by a thin layer of lacquer. If the manufacturer applied the lacquer improperly, air can penetrate to oxidize the aluminum, eating it up much like iron rusts in air.

The problem being that when the discs were cut the aluminum layer was too close to the edge of the disc and not sealed properly from the environment, thus exposing it to oxidation. The indexing information of a CD is on the inside the disc, i.e. nearest the center, and that the discs are read from the center out. This explains why in discs that succumb to CD-Rot, the last tracks on the discs are first affected, i.e. because they are on the outside edge of the disc and hence the first to be subjected to oxidation.

On playing the disc, there will be an inordinate amount of “static-like” background noise. The level of noise that can be heard rises and falls with the volume of the music on the disc. The louder the actual music, the more apparent the background noise will be. This symptom is not apparent at the outset, but eventually creeps in and gets worse and worse over time. This also seems to show up earliest on tracks towards the end of a disc rather than at the beginning.

If you hold a CD against any light and notice small holes on the surface, that's CD-Rot too. The CD, however, will play OK if the hole isn't too big (like say, a small ant). This also depends on the quality of the player.

So is the best thing you can do to make a copy of your CD? Most likely, since these CDs are non copy-protected and it would save you some money and/or hassle trying to get them refunded. Don't blame the recording industry's lack of vision but lack of lacquer. Create a WAV copy of the CD and keep it in a cool and dry Hard Drive in case CD-ROT appears. Don't forget to have a backup of that Hard Drive as well, preferably an external one of the Western Digital brand.

The following are a couple of very useful articles:

CD Rot, How & Why it Happens

HOW CD ROT HAPPENS

CD Rot occurs in some older disks that were manufactured in the technologies early days. 

The aluminum layer that reflects the light of the player’s laser is separated from the CD label by a thin layer of lacquer. If the manufacturer applied the lacquer improperly, air can penetrate to oxidize the aluminum, eating it up much like iron rusts in air.

The problem being that when the discs were cut the aluminum layer was too close to the edge of the disc and not sealed properly from the environment, thus exposing it to oxidation. The indexing information of a CD is on the inside the disc, i.e. nearest the center, and that the discs are read from the center out. This explains why in discs that succumb to CD Rot, the last tracks on the discs are first affected, i.e. because they are on the outside edge of the disc and hence the first to be subjected to oxidation.

A second cause was that some labeling inks used in the silk-screening process were chemically active even after UV curing. This interfered with the reflective layer, again, causing read-back problems.

So how can you tell whether one of your disks is infected with CD Rot? Firstly, the silver color on the “label” side of the CD will have started to change to a color variously described as bronze, copper, golden-brown or rusty-orange color. The discoloration doesn’t necessarily show up on the “playing” side of the CDs. This symptom happens on 100% of “rotting” discs, the worse the “rot” - the more pronounced the discoloration will be.

On playing the disc, there will be an inordinate amount of “static-like” background noise. The level of noise that can be heard rises and falls with the volume of the music on the disc. The louder the actual music, the more apparent the background noise will be. This symptom is not apparent at the outset, but eventually creeps in and gets worse and worse over time. This also seems to show up earliest on tracks towards the end of a disc rather than at the beginning.

Unofficial estimates put the number of affected discs at between one and 10 per cent, however the good news is that both the issues of ink and aluminium layers were solved for pressed CDs several years ago, and the CD manufacturers made changes to their manufacturing process and material selection. As a result, CD Rot should not be a common problem in the future.

CD Repair Guide

HOW TO FIX YOUR CDS FROM CD ROT

If a disc suffers from CD Rot, your first plan of action should be to demand from the manufacturer a replacement disk. CD Rot is rare on CDs but is present on older a few early discs. It is essentially a flaw in the manufacturing process and as such should be replaced.

You can carry out some repairs at home that may well solve your playback problems. To do this you will need the following:

Soft cloth

spectacle lens cloth, or if you’ve got nothing else, soft tissue/kitchen paper will do fine. Just make sure whatever you use is clean.

Rough cloth

The best I’ve had experience with is an old sock. It doesn’t want to be too rough, cotton cloths like T-shirt material is good. Good for working out those deeper scratches.

Toothpaste

Just ordinary toothpaste. Contains small bits of grit to help work away scratches. It’s not a good idea to use any kind of harsh toothpaste.

Brasso/metal polish

A bit finer than toothpaste, so you can finish off your CDs with this.

Vaseline

Petroleum jelly to fill in remaining scratches to reduce diffraction. This really does work.

Find a table or similar flat steady surface. Put a tablecloth over it, or lay some soft tissue down, and make sure the surface is clean. Yes, little bits of dried cornflakes can scratch CDs. Lay the CD silver side up on the soft surface. Make sure the CD surface is clean by using wet tissue paper or baby wipes, wiping in straight lines from the inside of the disc to the outside. (BTW, this cleaning may make your CD work now if it was just dust/dirt causing the problem). I heard somewhere that some solvents can damage the CD, but I never had any problems with metholated spirits. However, wet tissue works well anyway.

1) Find the scratches. If it’s not obvious then follow this step. Hold the CD to the light so you can all those little scratches on the surface clearly. The sort of scratches that you’re looking for are those deep enough to be easily noticeable and often run in the direction with the track on the surface (parallel to outside edge of CD). If the disc has taken on a cloudy appearance cause by many fine scratches follow the next steps using only a smooth cloth (unless the scratches just aren’t shifting) and rubbing across the sections of scratches, working in straight paths from the centre.

Try to estimate through use of the CD where the scratches are likely to be (i.e. If the skipping of an audio CD is in the first couple of tracks, or the game can’t get past the loading stage etc. then look for scratches in the centre of the disc). Now you’ve found what scratches you are going to deal with, move on to the next stage.

2) Get a small amount of toothpaste on the rough cloth (if the crack is not very deep then the smooth cloth might do)

3) Rub the cloth firmly over the scratch. This needs to be firm enough as you feel is appropriate for the severity of the scratch. However, if you rub too hard you thumb will hurt too much to continue long enough to achieve anything, and if you rub too lightly then you’ll be there all day. This may take a few minutes depending on the scratch, just keep topping up with a little toothpaste (not too much or there’ll be no friction). New scratches may appear as you are rubbing, but as long as they’ll only light scratches this won’t matter, and we’ll be smoothing these off later. When the scratch has nearly gone, or doesn’t seem to be getting better, move on to the next step.

4) If you used a rough cloth for the last step, move on to using the smooth cloth. Just do what you did before, until you’re bored or too tired to continue. Clean with water and tissue. Then move on to using the soft cloth with some metal polish like Brasso. This should smooth out some of the extras scratches you made, but may not be noticeable, so just work at that for a few minutes.

5) Next, clean the CD again using water. Then get a small amount of Vaseline on the end of your (clean) finger, and smooth across the scratch, rubbing it in a bit. It may help just going over any other scratched regions you see on the CD like this, as it will improve reading of your CD, especially on a console with a weaker laser like the PlayStation. Using some tissue or soft cloth rub the Vaseline off of the CD (in straight paths from the centre). Do not do this too vigorously or the Vaseline will be rubbed out of the scratches.

Now to test your CD. If it still doesn’t work, try again from step 2).

Las cien mejores canciones de la década de los setentas (1/1/1970 - 31/12/1979)

Los setentas fueron años tan ricos y productivos en la música popular que hacer una lista de las "100 mejores" es casi como preguntarme cuáles son tus 100 canciones favoritas, lo cual puede ser el eterno cliché de páginas Web como ésta: una colección de listas para gente que no tiene tiempo de leer detenidamente algo.


A diferencia de la otra lista de este sitio, la lista de las mejores canciones de la década de los 90's (hasta ahora la entrada más visitada de este sitio Web), esta lista no fue hecha mientras el que escribe escuchaba las canciones que iban apareciendo en su vida casi al mismo tiempo que se lanzaban. Los setentas, para mí, empezaron en 1989 cuando gracias al gran musicólogo y amigo mío Augusto Cabada pude escuchar por primera vez a Emerson, Lake & Palmer. The Police, Pink Floyd, Boz Scaggs, Steve Miller Band, Billy Paul, Dan-I, etcétera, llegaron luego. Las conexiones se crearon y la música siguió llegando y quedándose.





La lista fue armada usando varios criterios: primero, la cantidad de veces que he venido escuchando las canciones en mi computadora y reproductor portátil (iTunes mantiene un registro, si uno no lo borra nunca); segundo, la cantidad de veces que se me vienen a la cabeza; y tercero, la trascendencia de la canción en nuestra vida personal; porque seamos honestos, cualquiera puede hacer una lista, pero esta es la nuestra.

Las 100 Mejores de la Década de los Setentas (1970-1979) from cacaorock on 8tracks Radio.

Espero que descubran artistas y canciones, y que las disfruten. Al verla creo que hay de todo, y parece en verdad una lista corta, sabiendo que los setentas fueron extremadamente prolíficos, a pesar de la crisis de energéticos de mediados de los setentas en los Estados Unidos y de cierto desgaste creativo en el rock progresivo pasada la segunda mitad de la década.










[POSICIÓN] ["TÍTULO"], [ARTISTA] ([Álbum*])

100. "PEACHES", STRANGLERS (No Thanks - The 70's Punk Rebellion) Stranglers se encontraba entre el Punk y la New Wave. Escucharlos es como volver al colegio, o como en este caso, a la época de verano en que no había nada más que hacer que tomar el sol y ver pasar a las chicas en ropa de baño (de ahí los "duraznos" del título). La letra es fuerte y picante y no apta para puritanos, de los cuales felizmente quedan pocos.

99. "RAIN", BARRY MANILOW (One Voice) Manilow considera 1979 su peor año a nivel personal. Debió haber terminado con alguna relación, tenido alguna crisis existencial o algo así. Su disco One Voice no trajo ningún super éxito como "Mandy" o "Copacabana", pero sí este tema, de lejos el mejor de su carrera.

98. "LIVE WIRE", AC/DC (High Voltage) El programa de TV "Disco Club" de Gerardo Manuel empezaba con este tema. La línea de bajo que se hizo inmortal en la juventud peruana de fines de los setentas al ver diariamente una hora de video clips. "Live Wire" es más que una cortina musical: es el mejor momento de AC/DC al estar recién salidos de las canteras del rock, frescos y con sólo un EP bajo el brazo. Bon Scott, el vocalista, moriría en cinco años. Angus Young, el guitarrista vestido de escolar, siguió con la banda hasta estos días. Eso es dedicación.

97. "WILD HORSES", ROLLING STONES (Sticky Fingers) Creo que esta fue la primera gran sorpresa de los Stones a su público: Fueron capaces de hacer una balada country-western cargada de ternura y a la vez coraje. El mismo coraje con el que mandaron a rodar a su manager Andrew Loog Oldham y a crear su propio sello discográfico. No confundir con otra magistral "Wild Horses" de Gino Vannelli (que está en la lista de los ochentas).

96. "HONKY CAT", ELTON JOHN (Honky Chateau) Un éxito no muy tocado por las radios, pero de lo mejor que él ha grabado jamás. Otro tema country con base en el piano sobre el deseo incontenible de viajar y vivir en la gran ciudad. Nos pasa a los mejores de nosotros.

95. "I LOVE THE NIGHTLIFE (DISCO 'ROUND)", ALICIA BRIDGES (The Disco Box): Algún amigo mío, al ver la foto de Alicia Bridges en la funda del single, dijo: "parece travesti", como si buscara ofender la imagen de Alicia. No exactamente: los travestis quieren parecerse a Alicia Bridges y también a Grace Jones. Ellas son las que les dicen a ellos cómo vestirse y maquillarse no para parecer mujeres, sino... travestis. No me pidan más explicaciones porque no las tengo. "I Love The Nightlife" es la primera canción que escuché en la cual una decepción amorosa se convierte en excusa para salir de marcha, de parranda, en Nueva York. Es una canción que define el cruising hetero y homo en la Gran Manzana, en donde Alicia va a sacarse el clavo (ejem) después de haber sido engañada por su novio. En vez de llorar sobre la leche derramada, nuestra protagonista va a buscar acción, porque se lo merece. "I want to give it, I want to get some too" explica por qué las cosas iban mal en esa pareja. ¿Quizás Bridges haya inspirado en alguna forma a Grace Jones? Puede ser.

94. "DEAR ANGIE", BADFINGER (Magic Christian Music) La canción de Badfinger, la banda que firmó para el sello de los Beatles "Apple", tiene una calidad casi tan alta como cualquier tema del Abbey Road. Paul McCartney, Mal Evans y Tony Visconti produjeron a la banda y fue el mismo McCartney el que les dijo cómo tocar exactamente "Come and Get It". "Dear Angie" ya había aparecido en 1969 interpretada por  los Badfinger cuando éstos se llamaban The Iveys, pero fue en 1970 cuando volvió a salir, esta vez potenciada con un brillo orquestal único.

93. "SPANISH KEY", MILES DAVIS (Bitches Brew) Del Bitches Brew de Miles Davis se ha escrito muchísimo y se sigue haciendo; pero sólo se puede comprender la música hecha por el trompetista y su banda de jóvenes músicos en 1969 en el contexto de la época. Explicarla sería también muy difícil (le costó muchísimo a Ralph Gleason escribir las notas del LP). Las seis canciones del álbum doble, aunque instrumentales, están cargadas de agresividad política y actitud agresiva contra la discriminación racial. "Spanish Key" son 17 minutos de Davis jugando con el backbeat funky de James Brown, creando un trance musical único. Todo el Bitches Brew podría ser una sola canción en esta lista, ahora que lo pienso, y Miles Davis puede ser el músico más transgresor que he conocido.

92. "MISSISSIPI QUEEN", MOUNTAIN (Climbing!): Ozzy Osbourne la considera una de sus favoritas de rock duro. Apareció en 1970 y estaba grabada y diseñada para ser detonada en una radio AM de auto. La música juvenil se torna agresiva en aquella primavera de 1970. Se venían años difíciles, pero ahí estaba este tremendo rock blusero a cargo de Felix Pappalardi.

91. "ALL THE YOUNG DUDES", MOTT THE HOPPLE (All The Young Dudes) La mejor banda de los inicios de los setentas, para muchos. David Bowie les escribió este tema, el cual se convirtió en su mayor éxito y un canto al sufrir adolescente, como la mayoría de las canciones que conforman esta lista. A más de 40 años de antigüedad, nos admiramos de lo magistral que podía llegar a ser el rock, fuera de lo que tocaban los Beatles.

90. "LIFE IN THE FAST LANE", EAGLES (Hotel California) Hotel California es un álbum que va de menos a mas; es decir, cada canción es mejor que la anterior cuando el disco se escucha en el orden correcto. Al menos así me pareció siempre; pero con "Life In The Fast Lane" pareciera que el disco tiene una razón de ser. Por cuatro o cinco minutos la banda deja de ser un combo "country" y se vuelve un excelente grupo de rock duro y directo, como ZZ-Top o un vaso de whiskey.

89. "BLACK MAN", STEVIE WONDER (Songs In the Key Of Life) Se llama "Black Man" pero es mucho más que una canción sobre un solo color de piel. Es sobre todos los colores de piel y cuán importante es recordar siempre que todos contribuimos en la sociedad. Los últimos 3 minutos son una lección de historia, literalmente: Un profesor pregunta a su clase quien hizo qué descubrimiento u obra importante a lo largo de la historia y los alumnos responden en coro, mencionando además el color de la piel de dicho personaje histórico. Stevie Wonder no habla de racismo sino de orgullo sano, algo de lo cual no se habla mucho desde aquel 1976, año del bicentenario de la Independencia de los Estados Unidos.

88. "ME AND MRS. JONES", BILLY PAUL (360 degrees of Billy Paul) Billy Paul le canta a una mujer casada, con quien está manteniendo un romance: "es algo incorrecto, pero demasiado fuerte como para dejarlo pasar". No hay un descenlace o consecuencia de sus actos en la canción. Quizás el affair nunca se descubrió, pero eso es lo de menos.

87. "ONLY IN YOUR HEART", AMERICA (History: America's Greatest Hits) America era un trío formidable. Los sucesores con todo derecho de Crosby, Stills & Nash, los Everly Brothers y los Hollies. Unas armonías vocales perfectas y una lírica bucólica que nos hacían estremecer. Este fue uno de sus temas más "eléctricos", por así decirlo.

86. "YOU MAKE LOVING FUN", FLEETWOOD MAC (Rumours) Christine McVie se luce en este tema escrito y cantado por ella. El hecho que esté aquí quiere decir que es no sólo el mejor tema de Fleetwood Mac, sino una gran pieza de pop setentero, impulsado  aceleradamente por el piano eléctrico de la misma McVie y la batería exacta de Mick Fleetwood, en donde se pueden notar influencias de Ringo Starr, especialmente en la forma de pegar en los toms.

85. "THE LOVE I LOST", HAROLD MELVIN AND THE BLUE NOTES (If You Don't Know Me By Now: The Best of Harold Melvin and the Blue Notes Featuring Teddy Pendergrass) Esta canción junto a otras producidas por Kenneth Gamble y Leon Huff, sentó las bases de la música disco cuatro años antes de que estallara con Saturday Night Fever. Gamble y Huff escribieron y producieron para sus artistas exclusivos esta magnífica melodía sobre el amor en el pasado que no es más que una simple afirmación: "siento mucho haberlo perdido," se repite durante la segunda parte con un coro potente, contrapunteado por la contundente voz de Teddy Pendergrass.

84. "SHINE ON YOU CRAZY DIAMOND", PINK FLOYD (Wish You Were Here) Una canción sobre la ausencia. Una balada progresiva serena tributo a Syd Barrett, el fundador y líder de Pink Floyd que sólo participó activamente en el primer disco, para luego pasar al olvido gracias a su adicción a las drogas. Roger Waters escribió la letra de un poema profundo sobre algo más que la ausencia en sí: las causas de la alienación. En sí todo el disco Wish You Were Here podría ser una gran canción unificada, y "Shine On" es el agente que lo mantiene unido.

83. "GOOD TIMES ROLL", CARS (The Cars) El ritmo sincopado, las guitarras distorsionadas pero a volúmenes aceptables y aquel sintetizador que daba la bienvenida a los ochentas. "Good Times Roll" es una canción veraniega, de juerga, y la voz de Ocasek no puede ser más enérgica al cantarle a la vida alegre.

82. "BABY'S ON FIRE", ENO (Here Come The Warm Jets) De su álbum debut, el multi-instrumentalista de Roxy Music se la juega con un disco cuasi-experimental, lleno de electricidad. Está más cerca al punk rock que al rock progresivo, y en general, Here Come The Warm Jets es simplemente un clásico.

81. "BAD SNEAKERS", STEELY DAN (Katy Lied): Todo lo que hizo Steely Dan entre el 72 y el 80 es simplemente brillante. "Bad Sneakers" puede ser el primer tema de ellos en el cual la lírica invita a un sano debate. ¿A qué se refiere el término? ¿Es una referencia a una droga? ¿Por qué se menciona a un chimpancé en el primer verso? Todas estas preguntas, aunque válidas, no tienen como propósito el establecer por qué esta canción es tan bella.

80. "LOTTA LOVE", NICOLETTE LARSON (Nicolette) Un tema de Neil Young que Nicolette lo interpretó con tanta fuerza que, como era de esperarse, creó un subgénero entre el intimismo y el pop. Nicolette era una mujer bellísima con una voz angelical y aguardentosa a la vez. ¡Cómo se le extraña a poco más de una década de su muerte!

79. "ZOMBIE", FELA ANIKULAPO KUTI (Zombie): Conozco dos canciones de las cuales estoy seguro una persona puede ser asesinada de escucharlas o cantarlas. Una es "Tiburón" de Willie Colón y Rubén Blades -una salsa-protesta sobre el bloqueo de Estados Unidos a Cuba para evitar que ésta última envíe armas a la guerrilla salvadoreña- y "Zombie", una burla directa de Fela Anikulapo Kuti y su Africa '70 al gobierno militar nigeriano. Fela se burlaba y criticaba a los militares duramente, y estos respondían con mayor dureza: al declararse Fela Kuti independiente de Nigeria y declarar su casa como "república independiente", un comando invadió su casa y asesinaron, entre otras personas, a la madre de Kuti. Al ejército nigeriano no le gustó que Fela les diga "zombies" o que "no piensan si es que nadie les dice que piensen". Parafraseando a Atahualpa Yupanqui, he ahí un verdadero músico con ideales, "de los que ni muerto lo han de callar".

78. "GOODBYE TO LOVE", CARPENTERS (A Song For You) Karen y Richard Carpenter merecen el respeto y admiración de todos. Definitivamente fueron originales en todo lo que hicieron porque eran jóvenes y apostaron a sonidos muy suaves y cómodos, pero nada empalagosos. Esta es su mejor canción.

77. "LIFE SAVER", CHICAGO (Chicago VII) El punto más alto del séptimo álbum de Chicago, aquel combo jazz-rock de ideas de izquierda que hicieron millones de dólares gracias a su productor James William Guercio y a la Columbia, en la época en que la música de calidad salía a borbotones y bandas como ésta podían lanzar un álbum doble con casi todas las canciones del lado A instrumentales. "Life Saver" cierra ese lado con una voz desgarradora y agradecida. Los vientos de Chicago hacen a la banda tan famosa como aquellos vientos de la ciudad. Qué maravilla.

76. "BLACK BETTY", RAM JAM (Golden Classics) Una canción muy antigua de la era de la esclavitud en los Estados Unidos. Ram Jam se basó en la versión recopilada por el blusero Lead Belly y la electrificaron con buen pulso. "Black Betty" no es acerca de una mujer: sus versiones más antiguas pueden referirse al tren que llevaba prisioneros a las cárceles o al látigo que les caía en sus espaldas.

75. "STRANGLEHOLD", TED NUGENT (Ted Nugent) Nugent fue uno de los primeros guitarristas que utilizó la guitarra como una escopeta, más que como un símbolo fálico. No solo quería hacer el amor a sus mujeres, de paso quería matar al primer infeliz que se atreva a cruzarse en su camino. El guitarrista puede ser polémico, racista, incapaz de sentir compasión por los animales y desconsiderado con el prójimo; pero denle una Epiphone y es "capaz de causar la tercera guerra mundial", como él lo dijo, con su sonido.

74. "LOW RIDER", WAR (Why Can't We Be Friends?) Una canción dedicada al low rider, aquel auto inmenso, fabricado en Estados Unidos, usado por la gente de color (en su mayoría) y con tendencia a ser llamativo. El bajo y la armónica crean dos líneas que se encuentran juntas en pleno vaivén, así como cuando el auto hace uso de su potente sistema hidráulico para ir dando saltos por la autopista.

73. "HOW LONG", ACE (Five-A-Side): La única de Ace que sonó en las radios. No hubo más, pero Paul Carrack, su cantante y tecladista, tuvo una carrera decente y siempre agradeció a este tema de un solo verso y coro por su espaldarazo. Fue la canción que usé cuando me gradué en la universidad. Demasiado jóven, creo.

72. "TAKE ME I'M YOURS", SQUEEZE (Squeeze) Los setentas estuvieron llenos de sucesores de los Beatles tratando de reclamar su herencia, y la banda inglesa Squeeze con su primer disco altamente creativo pusieron su cuota de arte beatlesco. Triunfaron con la crítica y el público entrados los ochentas, pero este tema debut, aparecido en el año del Walkman, trajo un sonido si no más fuerte más íntimo y directo, lleno de imágenes de un romance en el Medio Oriente. Chris Difford y Glenn Tilbrook, los dos perennes y cerebrales compositores de la banda, fueron comparados con Lennon y McCartney por el también inteligente Elvis Costello.

71. "SALLY", GRAND FUNK RAILROAD (Born To Die): GFR era un grupo querido a morir por su público y detestado por la crítica. Se vendían muy bien y aglutinaban estadios que parecían varios Woodstocks. De toda su obra, "Sally" es la más bella de sus canciones, y rara vez se encuentra en las radios o en las colecciones de sus éxitos. Mark Farner, guitarra y canto, escribió este tema dedicado a la actriz Sally Kellerman, su musa de entonces.

70. "WALKING ON THE MOON", POLICE (Reggatta de Blanc) Con todo el éxito y presencia que Police ha tenido a lo largo de los últimos 30 años, nos hemos olvidado de los verdaderos motivos por los cuales esta banda pegó tanto: instrumentación mínima, línea de bajo interesante, batería creativa. Eso es "Walking On The Moon", una canción que parece que hubiera salido de la nada, de lo natural que suena.

69. "LOWDOWN", BOZ SCAGGS (My Time - The Boz Scaggs Anthology: 1969-1997) Scaggs era el modelo a seguir para todos los aspirantes a rockeros que no querían ser Mick Jagger: Una soberbia voz, presencia en el escenario dominante, pero al mismo tiempo tranquilidad, ausencia de movimiento. Scaggs se concentraba más en sus cuerdas vocales y en el producto que en la emoción en sí: para las emociones fuertes estaba el público y el oyente de la radio. Silk Degrees, su álbum más exitoso, trajo este disco-funk revolucionario en muchos aspectos. Puso a la gente discotequera a bailar en clubes como Studio 54, donde quizás Scaggs estuviera conversando con Jagger, y también dejó a los admiradores de la música "culta" con la boca abierta con aquella producción pristina de Joe Wissert. Ver a la banda de Boz Scaggs interpretar "Lowdown" en Saturday Night Live aquel 1976 es verdaderamente sobrecogedor.

68. "STARLESS", KING CRIMSON (Red) Los doce minutos finales de la carrera de King Crimson en los setentas. Robert Fripp, en aquel tenebroso interludio acerca de la incertidumbre del futuro de la humanidad, ejecuta el solo de guitarra que sería el solo de su vida. Jamás sonó tan bien. John Wetton en el bajo y Bill Bruford en la batería completaban el formidable trío que poco después se desbandaría.

67. "HE LIKES TO ROLL", CARLY SIMON (Another Passenger) Tiene mucho de Samba, es pegajosa, es taraeable, jugueteable. Maravillosa. Carly Simon era muy buena cantándole a amores imposibles o dificultosos (como al misterioso receptor de la resondra en "You're So Vain"). Esta puede ser la canción que Carly en verdad le dedicó a Mick Jagger. A Diana García, inolvidable disc jockey limeña, esta canción le encantaba. El mundo de la radio, y mi mundo personal, tienen ahora un hueco debido a su ausencia. Pero Diana y su influencia estarán conmigo siempre.

66. "GREEN EYED LADY", SUGARLOAF (Sugarloaf) La primera vez que escuché esta canción, en una compilación de rock clásico de esas que aparecieron con los primeros CDs, me gustó pero no le presté mucha atención. "Un tema más para archivar," habré pensado. Pero el bajo y la guitarra hicieron su trabajo: se metieron en mi subconsciente y cada vez que volvía a aparecer en la radio no podía resistir el subirle el volúmen y tratar de seguir aquel bajo formidable.

65. "REMINISCING", LITTLE RIVER BAND (Greatest Hits) Al principio, creí que era Billy Joel... pero luego me dijo un amigo mío que se trataba de una banda australiana de Little River (el nombre de la ciudad, no es "la banda del riachuelo" o "la bandita del río"). Con los años, "Reminiscing" adquirió un gusto fresco y distintivo, llevando el sello "1977" en sus cuatro minutos de duración, aunque solo se oiga en supermercados.

64. "HIM", RUPERT HOLMES (Partners In Crime) Holmes es otro narrador de historias subvalorado -en los setentas hubieron muchísimos- cuya obra tiende al teatro musical. "Him" habla de un hombre que se acaba de dar cuenta que su mujer lo engaña con otro, pero al parecer esto le causa más curiosidad que furia, o más perversidad que venganza. ¿En dónde estamos? En el universo narrativo que nos dio "The Piña Colada Song".

63. "TAKIN' CARE OF BUSINESS", BACHMAN-TURNER OVERDRIVE (The Anthology) Cuando alguien decida mandar a rodar a su jefe, renunciar e iniciar su propio negocio, esta es la canción que deberá memorizar: Un cántico positivo al poder del individuo, no de la corporación. La pequeña y mediana empresa representada por una pujante banda canadiense.

62. "DRIVER'S SEAT", SNIFF 'N' THE TEARS (Super Hits of The Seventies, Vol.22: Have A Nice Day) Los setentas se acababan con este One Hit Wonder de 1978 a cargo del proyecto personal del músico, cantante y pintor Paul Roberts. Funciona como tema proto-wave para ir en auto durante un crusin' nocturno por la ciudad. Y también para tenerlo como disco en la colección.

61. "STUMBLIN' IN", SUZI QUATRO feat. CHRIS NORMAN (If You Knew Suzi): Quien diría que la indomable e indestructible Suzi caería rendida ante un olvidado Chris Norman, en un dueto sobre el irrefrenable e intenso amor de secundaria. Suzi se conectaba a su bajo eléctrico y era capaz de causar daños materiales cuantiosos. Suzi gritaba y demostraba con datos fehacientes que era la salvaje del cuento. Aquí no; más bien mostró un lado frágil y sensible que le dio su más grande éxito radial.

60. "INNER CITY BLUES (MAKE ME WANNA HOLLER)", MARVIN GAYE (What's Going On?): Marvin Gaye puso una primera piedra en la música popular para la fundación de una filosofía que seguía los pasos de la de Martin Luther King. Su disco What´s Going On? era un llamado a la paz, al cese al fuego de la violencia interracial. Su sonido urbano, urgente y desgarrador fue el presagio de un triste final años después.

Las fiestas caseras de fines de los setentas eran con LPs, y el rey del toque y de los tocadiscos era Rulli Rendo, aún en actividad. Su LP El Toque de Rulli (1977) es un tributo a la nueva ola sesentera.

59. "CHANGES", DAVID BOWIE (Hunky Dory): Bowie será el artista más versátil y complejo de los setentas y quizás por eso tiene pocos pero fieles seguidores. La RCA le dejó hacer prácticamente lo que quiso (eran otras épocas, las casas disqueras eran instituciones en donde sí se quería al artista, ahora ya no) y Bowie nos dio a Ziggy, al Low, y a Hunky Dory.

58. "IT KEEPS YOU RUNNING", DOOBIE BROTHERS (Takin' It To The Streets) Michael McDonald tomó el mando de los Doobie Brothers, desplazó a Tom Johnson y puso su barba en el álbum Takin' It To The Streets, uno de mis LPs favoritos de siempre. Muchos fanáticos de los Doobies consideran la época McDonald como la debacle, pero esto para mí está en duda (ver siguiente imagen, donde podemos apreciar que en Perú la canción fue traducida al español como "te mantiene corriendo").

57. "SULTANS OF SWING", DIRE STRAITS (Dire Straits): Se llamaban Dire Straits porque siempre andaban en la última lona, sin dinero, a punto de empeñar sus instrumentos y donar plasma para pagar la renta. Mark Knopfler compuso este acelerado homenaje a las bandas mediocres tirando para malas de los bares ingleses y su primer disco fue simplemente un éxito rotundo. Se había creado una nueva banda, y casi un nuevo género, liderada por un guitarrista zurdo que tocaba con la derecha y cantaba con una voz que a veces parecía un susurro-quejido: de hecho algunos pensaron al oír "Sultans of Swing" que se trataba de Bob Dylan tratando de ponerse al día con la New Wave. La banda confiaba en Knopfler y en su liderazgo, y creo que el tema es sobre el mismo grupo tratando de sobrevivir noche tras noche. Brothers In Arms y la fama inconmensurable estaban a seid años de distancia.

56. "THIS MASQUERADE", GEORGE BENSON (Breezin'): Los Carpenters ya habían grabado este tema de Leon Russell y George Benson, un auténtico super-guitarrista, le dió nuevos aires, un solo impecable, un scat matador. Breezin' gracias a este tema fue un super éxito, llegando al #1 en las listas Billboard de Pop, R&B y Jazz al mismo tiempo. Se había iniciado la era del crossover gracias a este prócer de la música pop.

55. "TURN TO STONE", ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA (Out Of The Blue): Jeff Lynne era capaz de tocar una piedra con la mano y convertirla en disco de oro, hacia 1977. ¿Seguidores? Muchos. ¿Crítica? Positiva. El Out Of The Blue, álbum doble con mucha, mucha influencia de Star Wars y el sueño espacial, trajo este single que no es más que una canción de amor no correspondido... con un sonido del espacio exterior y con un arreglo de voces simplemente sobrecogedor.

54. "EVERY 1'S A WINNER", HOT CHOCOLATE (Girl Crazy): John Lennon dijo alguna vez que Hot Chocolate era su banda favorita y eso fue un gran espaldarazo para la banda integrada de funk inglesa que firmó en sus inicios para Apple, la casa disquera de los Beatles. "You Sexy Thing" es el otro éxito de ellos, mucho más conocido, pero me quedo con este tema.

53. "ROCKY MOUNTAIN WAY", JOE WALSH (The Smoker You Drink The Player You Get): No es más que un blues electrificado pero con mucho ingenio en su minimalismo: Walsh hace hablar a la guitarra, pero le deja espacio para que la podamos oir claramente. El piano rimbombante aparece al comienzo pero de pronto nos deja solos, se va. 1973 era un año de riesgo, de aventura. Uno se puede dar cuenta fácilmente que con artistas como Joe Walsh, los setentas fueron la edad dorada de la aventura en el rock; a diferencia del pánico ante los cambios que vemos actualmente.

52. "LAYLA", DEREK AND THE DOMINOS, (Layla and other Assorted Love Songs) por si no lo saben, Derek and The Dominos era el grupo del gran Eric Clapton, que formó después de la ruptura con Cream y Delaney & Bonnie, sus dos proyectos anteriores. Para la grabación de Layla, Clapton tenía un motivo urgente para cantar los Blues": estaba desesperadamente enamorado de Pattie Boyd, la esposa de George Harrison, y esta canción fue para ella. Pattie dejó a Harrison después para irse con Clapton y se tiene ahí un capítulo más de la historia sentimental del rock inglés de inicios de los setenta. Acompañando a Clapton, hacia la segunda parte de la canción, está su amigo Duane Allman en la guitarra steel o slide, quien moriría un año después de grabar la canción en un accidente de motocicleta. Un guitarrista hechizante, el tal Allman. La versión de Layla de 1970 es superior a la que grabó Eric Clapton en el Unplugged de 1992. No dejen que nadie les diga lo contrario.

51. "KILLING AN ARAB", THE CURE (Boys Don't Cry) The Cure estaba bastante lejos, en 1979, de convertirse en la banda de culto que es ahora. "Killing An Arab", single maravilloso y frustrante, grabado casi de forma casera, tiene todos los ingredientes del Cure exitoso, o del que me gusta: Aquel Cure vilipendieado y adorado al mismo tiempo. Robert Smith debería ya estar en el salón de la fama del Rock and Roll.

50. "MAMA WEER ALL CRAZY NOW", SLADE (Slayed?): Muchos la pueden conocer por la versión que años después hizo Quiet Riot, pero Slade era la banda inglesa ruidosa y auténtica que nos dio este tema fantástico sobre la locura. Para colmo, con el título mal escrito, como la mayoría de sus éxitos.

49. "SILENTLY FALLING", CHRIS SQUIRE (Fish Out Of Water) El tema progresivo del álbum progresivo que "mató" al género cual Don Quijote con los libros de caballería. Un álbum progresivo de un artista solista técnicamente no es progresivo (tiene que ser de una banda), así que Squire, tomándose un descanso de Yes, produjo, cantó y tocó el bajo y la guitarra en este excelente acetato. "Silently Falling", aparte de ser la mejor canción del disco, es un clímax musical logrado por Squire junto a Bill Bruford en la batería, Andrew Price Jackman en el piano y Patrick Moraz en los sintetizadores. No se puede pedir más. La ausencia del vocalista de Yes, Jon Anderson, pudo haber hecho que Chris se diera cuenta que él tenía mucho más que ofrecer como cantante; aunque hasta ahora no haya vuelto a sacar otro disco solista.

48. "IN THE STREET", BIG STAR (#1 Record): Power Pop ad Maximum. Un tema que fue usado en la serie That ´70s Show por motivos obvios: era prácticamente el resumen, la concentración del rock de los setentas. Buenísimo.

47. "DEMON LOVER", SHOCKING BLUE (Scorpio's Dance) Shocking Blue fue más conocido en los EE.UU. por su "Venus", pero esta es mucho mejor. Pensándolo bien, me asombra que Carlos Santana no le hubiera hecho un cover allá por 1975. Magia, sexo, misticismo, santería... una mujer desesperada acepta que está poseída por un demonio llamado amor. "Estoy poseída y lo sé muy bien...", canta. La guitarra solista corrobora su versión.

46. "CLAIR", GILBERT O'SULLIVAN (The Best of Gilbert O'Sullivan): Gilbert aparece con dos temas en esta lista. Este es sobre la hija de su manager Gordon Mills, la cual parecía que le tenía mucho cariño y le decía "Tío Ray" (el nombre original de Gilbert es Raymond). Cualquiera diría ahora, en la era de la escandalización masiva sin motivo alguno, que "Clair" es una oda a la pedofilia, pero no es más que un tipo tratando de hacer que una niña se vaya a dormir.

45. "WORKING CLASS HERO", JOHN LENNON (Plastic Ono Band): "Verborrea comunista", "resentimiento social" y "amargura generada por Yoko" fueron algunas de las críticas que vinieron de la ultra derecha a esta canción cantada por John Lennon y su guitarra acústica. En ella, Lennon describe cómo la clase trabajadora es "forzada" a ser parte de la clase media trabajando duro y esperando que el sistema capitalista les dé algo de dividendos. ¿Socialista? puede ser, qué importa. ¿Honesto? definitivamente. Lennon sabe, al igual que yo, que nadie se hace rico trabajando para otros y que un trabajo con condiciones injustas sólo conduce a la infelicidad. "Por más que les digan lo contrario, ustedes a mi parecer no son más que jodidos pastores". Cómo duele la verdad.

44. "MAMMA MAREMMA", UMBERTO TOZZI (Gloria): ¿A dónde fue a parar el verano del: 56, 66, 76, 86, 96? (elijan su década de fervor adolescente). Tozzi le dá a su canción pop un aire nostálgico gracias a la producción musical que ubica las voces allá al fondo, atrás, como si estuvieran escondidas en una caja de fotos.

43. "GOING TO CALIFORNIA", LED ZEPPELIN (Untitled, también conocido como Led Zeppelin IV, Zoso, The New Led Zeppelin Album... ) Una de Zep sobre irse a California siguiendo a la chica de cabellos rubios y enrulados, con olor a patchouli y flores en la mano. Muchos músicos ingleses emigraron a una tierra más soleada y menos complicada durante los setentas, y aún ahora podemos encontrar a músicos como Al Stewart y Jon Anderson (ex-Yes) viviendo cerca a los magníficos viñedos del centro del estado.

42. "BLACK MAGIC WOMAN/ GYPSY QUEEN", SANTANA (Abraxas): Por más que se haya escuchado este tema en las radios hasta el hastío, nada quita que es la obra maestra de la banda que Carlos Santana fundó en 1968. El trabajo de percusión es soberbio, y la electricidad de su guitarra, con la perfecta ecualización, hace que se meta por las radios FM de los autos en las calles de todo el mundo.

41. "LOCOMOTIVE BREATH", JETHRO TULL (Aqualung): Si comparamos, podría ser una "Rocky Raccoon" (la canción de los Beatles) mucho más violenta. Un número estridente del mejor rock clásico con una flauta transversa reemplazando al solo de guitarra. Es cortante, sobrecogedora y sobre todo llena de amargura y desenfreno. Todo lo que carga la emoción de un hombre cuando éste se ha enterado que su mujer lo engaña con su mejor amigo.

40. "LISTEN TO WHAT THE MAN SAID", WINGS (Venus And Mars): Si Neil Diamond viera esta lista, movería este tema del puesto 40 al 1. Es una positiva canción de amor grabada en New Orleans en 1975, que Paul McCartney retrabajó hasta lograr algo nuevo y perfecto.

39. "LONG COOL WOMAN IN A BLACK DRESS", HOLLIES (Epic Anthology): Hollies tocando rock de strip club. ¿El primer tema para strippers de la era moderna? Es un rock and roll directo, al grano, hecho para locales nocturnos. Es un tema de tonalidades oscuras, claro que sí.

38. "I'M NOT IN LOVE", 10cc (The Original Soundtrack): No, no es una canción de amor. Es una canción sobre la negación y lo perfectos que somos para rechazar el amor de otra persona. La historia en primera persona nos dice que alguien está tratando de decirle a su amada que no la quiere, debido a que ésta lo acaba de abandonar o rechazar. Es más, a más afirma que no está enamorado, más nos damos cuenta que él la necesita con desesperación. Fue una canción vanguardista hecha por una banda que podría tener cierta comparación con los Monty Phyton o los Les Luthiers: eran chistosos. La canción podría ser chistosa también, pero luego de oírla varias veces uno se da cuenta que no.

37. "LOVE TO LOVE YOU BABY", DONNA SUMMER (Casablanca Records Story): Es una canción épica sobre la sexualidad femenina y específicamente sobre cómo una mujer alcanza el orgasmo basado íntegramente en el amor que ésta siente por su pareja. Puede ser incómodo para algunos escucharla, puesto que Donna Summer pasará algunos momentos gimiendo como si estuviera disfrutando del mejor sexo de su vida. Imagino que algunas radios la censuraron por haber puesto a la sexualidad de la mujer al frente, no a la masculina -algo en que los puritanos y los libertinos están de acuerdo es que el hombre es el que siente placer en la música, la literatura y el cine, mas no la mujer-. El ritmo es atractivo, sensual, y una flauta corona una sección pre-orgásmica con un solo que pudo haber inspirado a Prince. 22 orgasmos fueron simulados por Summer para esta producción mágica de Giorgio Moroder y Pete Bellote en donde la sensibilidad femenina alcanzó su máxima expresión.

36. "MAGIC", PILOT (From The Album Of The Same Name): Pilot fue una banda escocesa de muy poca duración, producida al principio por Alan Parsons, que con este tema tuvieron aquel Top 10 necesario para vivir tranquilos por el resto de sus vidas. La canción la escribió David Paton, vocalista y bajista, durante una noche en la que su esposa no podía dormir. "Nunca he visto el amanecer", le dijo ella... y la inspiración le cayó como cubeta de agua fría. Nunca creas que no hay magia en la madrugada.

35. "WILD MOUNTAIN HONEY", STEVE MILLER BAND (Fly Like An Eagle): David Denny escribió este tema para el Fly Like An Eagle de Steve Miller. Creó un embrujante paisaje brumoso de las Montañas Rocallosas y, si uno escucha bien, puede hasta sentir el rocío que baja de las laderas en el amanecer. El tema es una oda a la vida campestre, y supongo que a más de uno habrá inspirado a mudarse a Montana o Wyoming.

34. "NIGHTS ON BROADWAY", BEE GEES (Main Course): Los Bee Gees nos dieron muchísimos éxitos, y nos pusieron a bailar más de una vez. Calidad indiscutible que tomó un curso imparable con el álbum Main Course producido por un genio llamado Arif Mardin. "Nights on Broadway" coloca al oyente ahí mismo, en la calle dichosa, en la turbulenta Manhattan de mediados de los set... no, en la de hoy mismo.

33. "FLASHLIGHT", PARLIAMENT (The 12" Collection & More): El funk de Parliament es del tipo sucio, bufo, saturante. Escuchar "Flashlight" por 10 minutos vendría a ser una tortura para algunos oídos poco aventureros pero al final terminamos coreando con ellos su cántico de libertad e igualdad: "todos recibimos algo de luz bajo el sol".

32. "STREET LIFE", CRUSADERS (Street Life): En 11 minutos, el grupo instrumental de jazz Crusaders, junto a la vocalista Randy Crawford, pintan un paisaje agradable de la vida noctura en Oakland, aunque pueda referirse también a la vida de los vagabundos callejeros, en un lente mucho más positivo y alentador.

31. "WHO'LL STOP THE RAIN", CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL (Cosmo's Factory): Yo conocía "Saw It On TV", un tema de Fogerty del álbum Centerfield de 1984, en donde él tentaba a su ex manager Saul Zaentz con procesos legales por derechos de autor de las canciones de CCR (es una historia muy complicada y cochina). En fin, "TV" tiene ese riff de guitarra de "Rain", y cuando la oí por primera vez entendí lo que John había estado tocando por 14 años. Un lamento agónico pidiendo paz en medio de una guerra terrible como la de Vietnam.

30. "SAN LORENZO", PAT METHENY GROUP (Pat Metheny Group) Del primer álbum del grupo creado por Metheny y Lyle Mays, es otro bastión del Smooth Jazz, sólo para gente que necesita con urgencia unos diez minutos de sosiego. La versión en vivo del LP Travels es mucho mejor, creo.

29. "ISN'T IT A PITY", GEORGE HARRISON (All Things Must Pass): Con este tema, George cierra el primero de 6 lados de su álbum debut, y no nos queda otra cosa que ponernos de pie, aplaudir, y darle vuelta al disco. Pero, ¿nos queda fuerzas en las piernas?

28. "RISE", HERB ALPERT (Rise) Un poco de perspectiva: Herb Alpert, con esta canción, llevaba casi 17 años de carrera artística, desde inicios de los sesentas con sus Tijuana Brass. No era un novato, pero en vez de quedarse en el pasado y seguir tocando "A Taste Of Honey" hasta el cansancio -lo cual le dió millones de dólares, varios convertibles y una pinta de jugador empedernido-, fue con su trompeta hacia el funk suave, bacán y jazzeado. El Smooth Jazz ya existía, pero Herb lo consolidó con este instrumental.

27. "BIRDLAND", WEATHER REPORT (Heavy Weather) Así como "Smoke On The Water" contiene el riff que todo guitarrista debe aprender a tocar, "Birdland" es punto de referencia para trompetistas, saxofonistas, pianistas y todos aquellos niños limpios que aprenden jazz porque sus padres les dicen que es la "música elegante". No quiero decir que sea una canción mala, pero hay que reconocer que ha sido tocada en exceso. En fin, es una obra maestra del jazz fusion, otra que debió haber hecho temblar a Miles Davis, forzándolo quizás a su retiro de cinco años (estoy especulando).

26. "CLOSE TO THE EDGE", YES (Close To The Edge) Para muchos, CTTE es el álbum perfecto de Yes, del Rock Progresivo, y de 1972 en general. Yo soy uno de muchos. La canción que cubre toda la cara 1 del disco es otra profetización del fin del mundo por la contaminación ambiental. Al menos así la veo yo.

25. "IS THIS LOVE", BOB MARLEY AND THE WAILERS (Legend) El reggae tuvo en Bob Marley a su máximo exponente, y puso a Jamaica en el mapa musical de productos de exportación. Eric Clapton "fotocopió" "I Shot The Sheriff", otro tema excelente del rastafari, pero en verdad este es el tema más emblemático: un verdadero poema de amor a su esposa Rita. Debería ser canción de bodas más a menudo. "compartiremos un refugio, una cama, y Jah nos dará el pan." Qué romántico.

24. "FROM THE BEGINNING", EMERSON LAKE & PALMER (Trilogy) El mejor tema de 1972. Del rock británico, del rock mundial. Pero un momento, ¿Se trata de rock and roll? No, es una balada con guitarra acústica y percusión: imaginen una variación de "And I Love Her" de los Beatles con pizcas de música barroca. ¿Es un tema sobre la adolescencia y cuánto cuesta volverse un hombre hecho y derecho? Muchos educadores deberían revisar esta canción de vez en cuando para inspirarse.

23. "COMFORTABLY NUMB", PINK FLOYD (The Wall) Según el experto en rock progresivo Augusto Cabada, este segmento de The Wall es la mejor canción de Pink Floyd. Y yo estoy de acuerdo, al ser esta canción la obra cumbre del compositor Roger Waters en The Wall, un disco tan importante para tanta gente por muchas razones. La pared de miedo y furia que nos rodea a cada uno en nuestras relaciones personales se extiende a un nivel global que claramente se puede ver en el noticiero de las diez como en la oficina o la escuela. Nos tienen confortablemente adormecidos con azúcar, alcohol, sexo y... ejem... rock and roll.

22. "BLACK DOG", LED ZEPPELIN (Led Zeppelin IV) Un perro negro pasó por en frente del estudio donde la banda estaba grabando una canción sin título y "¡Shazam!" Nombraron el primer tema de un álbum que, valga la redundancia, hasta ahora tampoco tiene un título definido. Desmenuzemos "Black Dog" y veremos que está inspirada en el blues más primitivo de las plantaciones del delta del Mississippi, algo a lo que Led Zeppelin siempre recurrió en busca de inspiración para su electricidad y dinamismo. Los temas de la canción: sexo, sexo y más sexo. Doble sentido, vulgaridades, obcenidades... Nada del otro mundo que Robert Johnson no haya cantado poco antes de morir envenenado por un marido celoso. ¡Puesto 22 marchando!

21. "THE LOGICAL SONG", SUPERTRAMP (Breakfast In America) Aunque es una bella canción, trata sobre la forma de cómo el sistema educativo de todos los países ha fracasado: ninguna compañía querrá contratar a alguien que piense por sí mismo o se haga demasiadas preguntas, aunque digan lo contrario. Por otro lado, aquellos que te dicen "no te involucres en política" no te intentan proteger, sino más bien evitan la competencia. Supertramp siempre fue un grupo que se atrevió a cuestionar a occidente, aunque éste no se dio cuenta y los premió con discos de platino. La canción lógica toca temas que nadie, por lo menos en las demás 99 canciones de esta lista, se atreve a abordar. Sería como retirar uno de los naipes base de aquel castillo en donde todos residimos.

20. "SMOKE ON THE WATER", DEEP PURPLE (Machine Head) Todo guitarrista, desde 1972, aprende a tocar guitarra con este tradicional riff de G-Bb-C... Tiene que estar en esta lista por ser la canción de consolidación del hard rock setentero. Deep Purple era una banda ruidosa, agresiva, cerebral y a la vez física. Sus herederos están por doquier, tocando rock a todo volumen en los bares de cualquier ciudad del mundo. 

19. "LONELY BOY", ANDREW GOLD (What's Wrong With This Picture?) Andrew Gold cuenta cómo se sintió cuando sus padres le dijeron que iba a tener una hermanita: más solo y abandonado que cuando era hijo único. ¿Por qué? "debemos cuidarla a ella más que a tí, es mucho más joven que tú" fue la respuesta y le quedó resonando en los oídos hasta que decidió musicalizarla. Qué obra de arte.

18. "GOODNIGHT TONIGHT", WINGS (Wingspan) Paul McCartney se despide de la década y de su segundo grupo con una canción disco-funk que terminó siendo, en mi opinión, su obra cumbre. Laurence Juber toca la guitarra acústica y nuestro querido Paul ejecuta el bajo de su vida.

17. "GET UP (I Feel Like Being A) SEX MACHINE", JAMES BROWN (20th Century Masters - The Millenium Collection - The Best of James Brown) la calidad y la fuerza de James estallaron en 1970 con una canción que casi lo manda al más allá en más de una performance. Baila, se divierte, suda, puja con el "get uppa" y llega a los diez minutos de ejercicio físico consagrado (al menos en la versión del álbum del mismo nombre). James Brown no canta esta canción, la sufre con todos nosotros. Y nosotros se lo agradecemos.

16. "YOU'RE MY LOVE (JEEPSTER)", T-REX (Electric Warrior) Ahora Justin Beaber, hace unos años los Jonas Brothers. En 1971: Marc Bolan y su combo T-Rex. Joven rockero, andrógino, talentoso, con respeto a los grandes: Beatles, Elvis, Stones. Pocos ven en él una influencia enorme en Jack White de los White Stripes, pero es verdad. Ambos en mi cabeza son como una misma persona.

15. "I ROBOT", ALAN PARSONS PROJECT (I Robot) Parsons, enganchándose al éxito de Star Wars y al renacimiento de la ciencia ficción en 1977, crea el segundo disco del Project en base a las historias de robots contadas por Isaac Asimov.

14. "CHAMELEON", HERBIE HANCOCK (Headhunters): El problema principal de un músico de jazz que intenta, intenta y no consigue el éxito es, en mi opinión, la falta de riesgo. Hancock había visto en Miles Davis al genio del riesgo y la aventura: alguien que podía revolucionar la música popular con dos o tres discos, dos o tres veces. Herbie y su banda grabaron "Chameleon" como un blues-funk acelerado inclasificable (ver puesto #3 y luego comparen ambos temas para ver si se les puede encasillar) y aunque está lleno de virtuosismo y dura un cuarto de hora, el tema es una maravilla instrumental que puso celoso al mismo Davis en algún momento. Eso ya es un logro, y además un riesgo bien tomado.

13. "MONKEY CHOP", DAN-I ("Monkey Chop" Single) Dan-I fue un cantante británico de origen jamaiquino que sólo logró este hit para las discotecas de Europa en 1979. No llegó muy lejos, pero la canción es una poderosa creación celebratoria de la danza. El arma secreta de esta canción es la producción y mezcla del gran Trevor Horn, que le dá al mono su toque funky súper-fresco, joven y agradable con un sintetizador simplísimo y una guitarra rasgante veraniega. Si la hemos colocado en el puesto 13 es por algo. Escúchenla.

12. "AUTOBAHN", KRAFTWERK (Autobahn): La banda electrónica de Düsseldorf, Alemania, lanza como cuarteto su primer LP "conceptual": un tributo a las autopistas alemanas. Pareciera una oda a la motorización, pero también le hacen un guiño a "Fun Fun Fun" de los Beach Boys (que a la larga era una canción sobre salir a pasear con chicas en coche). "Autobahn" son 22 minutos de música etérea, para escuchar definitivamente a 120 kilómetros por hora en una de esas autopistas sin límite de velocidad y, de pronto, pisar el acelerador un poco más.

11. "YOURS IS NO DISGRACE", YES (The Yes Album): De todas las canciones de rock progresivo que he oído, "Yours Is No Disgrace" es la más jovial. Pareciera haber salido de una sesión de composición con mucha marihuana y cerveza, pero a la vez se nota que había paz entre los compositores Jon Anderson y Steve Howe. Anderson, en la época gloriosa del Yes 1969-72, era en realidad un genio en composición y vocalización armónica.

10. "CHILD IN TIME", DEEP PURPLE (In Rock): Ritchie Blackmore entrega uno de los mejores solos de guitarra del heavy metal en esta simple pero épica construcción en roca viva de Deep Purple, hacia 1970 la mejor y más ruidosa banda de rock británico junto a Black Sabbath y Led Zeppelin.

9. "SORRY SEEMS TO BE THE HARDEST WORD", ELTON JOHN (Blue Moves) Para las nuevas generaciones, Elton John sólo hace dormir a la gente y saltar un par de veces con "Crocodile Rock". Y es que Elton se ha convertido en un snob incapaz de emitir sentimiento alguno. Pero en 1976 la historia era otra. Quizás inspirado en una relación fallida, Elton colaboró con la letra de Bernie Taupin en una embrujadora balada en Sol menor.

"The Logical Song" de Supertramp suena mejor en el LP en vivo Paris. Escuchado en París, mejor todavía.

8. "YEAR OF THE CAT", AL STEWART (Year Of The Cat) Producida por Alan Parsons, esta épica canción del álbum del mismo nombre sobre una mujer misteriosa interesada en la mística oriental (según el propio Stewart, se inspiró en su novia de entonces) arrasó con las ondas de radio entre 1976 y 1977, dándole al cantante escocés el éxito mundial que tanto, tanto merecía. Épica, valga la redundancia, por donde se le mire: Los cambios de progresión de acordes, el fantástico solo de violín seguido por el de una guitarra acústica y un saxofón embrujadores, los fantásticos pianos acústicos y eléctricos... Al Stewart tuvo el mundo en su mano con el tema. En algún momento pensé, ya que el año del Gato es el año de la Liebre en el horóscopo vietnamita, que la canción podía ser una referencia al fin de la guerra de Vietnam, pero Stewart lo negó. OK, a veces me paso de la raya...

7. "YOU MAKE ME FEEL (MIGHTY REAL)", SYLVESTER (Step II): Sylvester, genial cantante y compositor de la Bahía de San Francisco. Primer gran artista declarado homosexual abiertamente quien abrió camino para la libertad de expresión sexual en el rock. No sólo produjo la más grande canción disco de la historia (ésta) sino también mostró al mundo lo importante que es vivir diciendo la verdad. Desafortunadamente murió víctima del SIDA en 1989, pero con esta canción pareciera que él nunca nos dejó.

6. "ALONE AGAIN (NATURALLY)", GILBERT O'SULLIVAN (The Best of Gilbert O'Sullivan): 1972 fue el año de lujo del intimismo británico, y el gran Gilbert O'Sullivan obtuvo un éxito rotundo con una canción perfectamente construida, redonda, sobre un hombre que cuenta tres eventos trágicos que lo han sumergido en la soledad que se encuentra: una novia de blanco que lo deja plantado en la iglesia, la muerte de su madre y un cierto momento, no clarificado y quizás dejado a la consideración del oyente, donde el protagonista se da cuenta de que Dios, de existir, lo ha abandonado a su suerte. Por más deprimente que sea la canción, el narrador parece dar una ligera pista de que no piensa rendirse, aunque al principio pensara en suicidarse tirándose de una torre. En 1972, canciones profundas y bellas como ésta dominaban las ondas de radio AM.

5. "REGGATTA DE BLANC", THE POLICE (Reggatta de Blanc): Este instrumental escrito por la banda no es más que la grabación de una versión extendida de la sección intermedia de "Can't Stand Losing You" cuando la banda la tocaba en vivo. Al cantar Sting parte de "Day-O" de Harry Belafonte, éste se dio cuenta que se podía aplicar al segundo disco de la banda, y vaya que se aplicó con fuerza. Esto es Pop, New Wave, Rock, Arte. Una explosión rock de primer nivel.

4. "SHE'S GONE", DARYL HALL & JOHN OATES (Abandoned Luncheonette): Aquí el dúo H&O se consagró, aunque su segundo disco fue un fracaso de ventas. Qué importa, aunque la canción fue grabada en 1972 y relanzada en 1976 por Atlantic para obtener beneficios del éxito que Hall y Oates obtenían en la RCA, la canción es tan, tan buena que está aquí, en el puesto 4. Es un homenaje al sonido de Filadelfia, claramente. Tavares habían hecho una versión que fue más popular que la original, pero nuevamente, es lo de menos. La canción producida por Arif Mardin (el ya mencionado genio) nos hace erizar la piel y su espíritu es tan intenso que vivirá por siempre, ya que generaciones tras generaciones adorarán a Hall & Oates y a ésta, su mejor canción.

3. "BLACK COW", STEELY DAN (Aja) Walter Becker y Donald Fagen pueden hacer lo que quieran con sus carreras, pueden inclusive grabar Metal Machine Music y suicidarse artísticamente como lo hizo Lou Reed, sabiendo que dejaron una obra como esta. "Black Cow" es el tipo de canción que desafía definiciones por lo buena que es. ¿Es un número funk? ¿Es R&B? ¿Por qué ese deseo irrepresible de volverla a escuchar una y otra vez? El secreto de tamaña canción está en la obsesión de Becker y Fagen de trabajar un tema tan perfecto que genere calvicie y canas verdes a los músicos que la graben: y eso fueron las sesiones del Aja. Los músicos de sesión llegaron a grabar tomas una y otra vez hasta que las cintas empezaron a gastarse; pero el milagro se dio: "Black Cow", el tema que abre el disco, inventó el Smooth Jazz en cinco minutos. A los fanáticos del rock clásico que tengan entre 15 y 20 años les recomiendo que abran otro surco en su búsqueda musical con Aja. no se arrepentirán.

2. "RADAR LOVE", GOLDEN EARRING (Moontan) En muchas partes de Europa, este tema de la banda holandesa Golden Earring es pieza indispensable para cualquier fiesta, aunque hayan pasado más de 35 años de haber sido grabada. Su línea de bajo simple en Sol bemol menor y el riff de la guitarra crean la tensión perfecta para ser liberada en cada coro. Una sección media con mucha fuerza en vientos, que puede recordar a las películas de James Bond; un solo de batería potente... ¡Basta, tienes que escucharla! Golden Earring era un grupo holandés de larga e irregular trayectoria, que tuvo la suerte de lanzar en 1973 un Lp llamado Moontan con esta canción, la cual lo popularizó a nivel mundial.

1. "BOHEMIAN RHAPSODY", QUEEN (A Night At The Opera) Freddie Mercury debió haber dudado de esta canción cuando todos a su alrededor le decían que no siga añadiendo partes para producir: un intermedio operático, un éxtasis rockero, demasiada complejidad estructural... Mercury debió haber sufrido mucho, cual el protagonista de la canción, para poder llevar la canción a buen puerto dirigiendo a la banda y gastando mucho, mucho dinero. A la larga, la canción dio frutos: el puesto número uno de esta lista y de muchísimas otras más. Hace que multitudes la canten cual rally de partido fascista o comunista, y provoca que el individuo común se tome una pinta de cerveza, fomentando así la industria cervecera de países como Inglaterra y Argentina. Bueno, yo la descubrí así: en el verano del 90 mi primo y yo fuimos a Arica y compramos (yo más que él) una cantidad enorme de cassettes hechos en chile (puesto que los cassettes peruanos en esa época daban pena) y entre los muchos que compré estaba el The Miracle de Queen, del cual me gustaban “Invisible Man” y "Breakthru", y el Flowers In The Dirt de McCartney. Hasta ahí todo bien, pero me dije, "a ver qué más tiene Queen" y me saqué de la tienda también el Greatest Hits puesto que antes había oido la canción bailable "Another One Bites The Dust", y en realidad fue la primera canción que escuché del cassette puesto que adelanté con el "autosearch" la canción "Bohemian Rhapsody" para oirla un par de veces, puesto que me gustaba su línea de bajo. Entonces, no escuché "Bohemian Rhapsody" sino hasta el día siguiente. Por esa época me daba por escuchar cassettes dos veces seguidas, y aún a veces lo hago con los LPs porque me da flojera levantarme a buscar otro. Así que en la mañana del día siguiente, en el cuarto donde dormíamos mi primo y yo, puse el cassette de “Greatest Hits” y juácate, “Bohemian Rhapsody” por primera vez. Los dos nos miramos acojudados y recuerdo que dije algo así como “qué paja". Fue algo impresionante, desde el punto de vista musical. Cayó en una edad perfecta para mí (16) y la verdad que me hizo interesar mucho en la música clásica y demás variaciones como ópera, música de cámara, etc. También me inspiró a seguir tocando música. Escuchar “Bohemian Rhapsody” la primera vez es como perder la virginidad pero con Kate Upton, no con la chica con la que la perdiste. "Bohemian Rhapsody" es una canción "gateway". En fin, el "Miracle" sonó un par de veces, lo justo, pero el "Greatest Hits" vivió en el tocacassette durante todo ese verano en la Boca del Río, Tacna. No he escuchado un tema más impresionante en la música rock, en lo que respecta a melodía, composición, profundidad, etc., ni creo que lo vaya a haber. 

*El álbum en donde la canción se encuentra no es necesariamente el disco donde la canción apareció por primera vez. Decidí direccionar la atención hacia compilaciones y discos de "Grandes Éxitos" para que puedan no sólo descubrir más del artista sino también a su competencia dentro del mismo género. Hay discos, sin embargo, obligatorios, como el A Night At The Opera.