And they don't mention he blows up a rhino with dynamite...

The following article appeared today in the SF Chronicle. I never read this particular Tin Tin adventure, and I never cared too much about it -any Tin Tin without Captain Haddock and Professor Calculus is pretty bland.

Was Tin Tin racist? At that time, early 30's, most of them European citizens were. Not only racists but colonialists. Africa was still a big zoo where the white men could go, hunt and force people to work for them. White men also killed animals like going to a grocery store. Herge even made it "funny" (let's be honest, the Rhino scene could easily have been included in a politically incorrect dark humor comedy)

Borders Stores in UK Shelve Tintin Book

By RAPHAEL G. SATTER, Associated Press Writer
Thursday, July 12, 2007

(07-12) 18:16 PDT LONDON, United Kingdom (AP) -- Borders is removing "Tintin in the Congo" from the children's section of its British stores, after a customer complained the comic work was racist, the company said Thursday.

David Enright, a London-based human-rights lawyer, was shopping at Borders with his family when he came upon the book, first published in 1931, and opened it to find what he characterized as racist abuse.

"The material suggests to (children) that Africans are subhuman, that they are imbeciles, that they're half savage," Enright said in a telephone interview.

"My black wife, who actually comes from Africa originally, is sitting there with my boys and I'm about to hand this book to them.... What message am I sending to them? That my wife is a monkey, that they are monkeys?"

The book is the second in a series of 23 tracing the adventures of Tintin, an intrepid reporter, and his dog, Snowy. The series has sold 220 million copies worldwide and been translated in 77 languages.

But "Tintin in the Congo" has been widely criticized as racist by fans and critics alike.
In it, Belgian cartoonist Georges Remi depicts the white hero's adventures in the Congo against the backdrop of an idiotic, chimpanzee-like native population that eventually comes to worship Tintin — and his dog — as gods.

Remi later said he was embarrassed by the book, and some editions have had the more objectionable content removed. When an unexpurgated edition was brought out in Britain in 2005, it came wrapped with a warning and was written with a forward explaining the work's colonial context.

Enright, who said he first complained to Borders and Britain's Commission for Racial Equality about a month ago, argued such a warning was not enough.

"Whether it's got a piece of flimsy paper around it or not, it's irrelevant, it's in the children's section," he said, adding that he felt the book should be treated like pornography or anti-Semitic literature and not displayed in mainstream bookstores at all.

Borders agreed to move the book to its adult graphic novels section, but said in a statement it would continue to sell it.

The Commission for Racial Equality backed Enright, saying in a statement Thursday that the book was full of "hideous racial prejudice."

"The only place that it might be acceptable for this to be displayed would be in a museum, with a big sign saying `old fashioned, racist claptrap.'"

Thanks for Voting

Having an official Wonder Of The World in Peru will mean more tourists and more revenue for the country. Thanks to all of those who've voted.

Macchu Picchu is a place of enchantment, you should really visit it.

50 años del primer encuentro de John Lennon y Paul McCartney: 06 de julio de 1957

Escribe Piero Dall'Orso

El sábado 06 de julio de 1957 en una calurosa tarde Paul McCartney (15 años) acudió junto a Ivan Vaughan a ver tocar a un grupo llamado The Quarrymen (los Picapedreros). Llamado asi por el nombre de la escuela secundaria. The Quarrymen se presentaban en numerosas competiciones que se llevaban a cabo en toda la ciudad y en bailes de estudiantes de secundaria. El grupo estaba conformado por John Lennon (16 años) cantante y guitarrista principal, Pete Shotton en la tabla de lavar, Eric Griffiths en guitarra, Rod Davis en banjo, Len Garry contrabajo y Colin Hanton bateria.
The Quarrymen tocaban en la reunión social que se celebraba en el jardín de la iglesia de St. Peter, en Woolton. El grupo hacia skiffle versionaban a Lonnie Donegan y el buen rock and roll de Chuck Berry y Elvis Presley.
El amigo y compañero de clase del Instituto Liverpool, Ivan Vaughan, que conocía a John de la escuela y que ocasionalmente solía participar con los Quarrymen, insistió en que Paul, que era un rocanrolero ferviente, escuchara al grupo.
McCartney: “recuerdo que me impresiono”, para adelante decir “ Pensé caramba, es bueno”. Después de concluida la primera parte de la actuación vinieron las presentaciones.
Ivan Vaughan se le acerco a John y le dijo “Quiero que conozcas a alguien” y John le contesto “que no lo fastidiara”. Sin embargo Ivan insistió y John se dio de cara con “un niño bonito” que le sonrió y le tendió la mano. Paul se le puso hablar de música hasta que cogió la guitarra de John y le pregunto si sabia algún acorde, John quedo impresionado. Paul no solo sabia afinar la guitarra, podía tocar mas de tres acordes además de la letra completa de las canciones. Toco para The Quarrymen “Twenty Flight Rock” de Eddie Cochran y “Be Bop A Lula” de Gene Vincent, copio la letra para John antes de marcharse. John lo agrego al grupo para fortalecerlo impresionado por su destreza pero su orgullo le impedía admitirlo, pensó: “Es la mitad de bueno que yo”.
Asi comenzó la asociación que cambiaria la música popular para siempre la dupla Lennon- McCartney habia nacido. El 18 de octubre de 1957 Paul hizo su debut con The Quarrymen en el New Clubmoor Hall y el resto es historia.
Gracias Ivan Vaughan sin ti no se hubieran conocido estos dos grandes de la música.

Nota: 14 años después nacería el autor de este articulo exactamente un 06 de julio de 1971 a las 00:40 am.

Pequeño homenaje a Ivan Vaughan (18 de junio de 1942 - 1994).-

Amigo de la infancia de John Lennon y compañero de Paul McCartney en el Liverpool Institute. Ambos comenzaron a estudiar allí en Septiembre de 1953. Ivan nació exactamente el mismo día que McCartney en Liverpool. En ocasiones tocaba el bajo en la primera banda que tuvo Lennon, los Quarry Men, y fue la persona que le presentó a Lennon a McCartney, en la "feria del barrio de Woolton" el 6 de Julio, 1957, donde los Quarry Men estaban tocando. McCartney impresionó a Lennon, quien inmediatamente lo invitó a unirse a la banda, lo que sucedió algunas semanas después. De esta manera comenzó la famosa dupla compositora "Lennon-McCartney", que luego se convertiría en The Beatles.

Vaughan estudió en la Universidad College, en Londres, se casó en 1966 y formó una familia con un hijo y una hija, y se convirtió en maestro.
Lennon y McCartney nunca olvidaron al amigo que los había hecho conocerse. Vaughan estuvo por trabajar en su empresa Apple Corp, en un proyecto para crear una escuela con un estilo hippie y sesentoso que nunca tomo forma. La esposa de Vaughan, una maestra de francés, fue la que ayudó a Lennon y McCartney para componer el éxito de 1965 "Michelle".
Vaughan decía que era muy difícil mantenerse en contacto con John Lennon en Nueva York. solo un minuto “¿se que eres Ivan?”. Recuerda haberle dicho John esto durante una conversación telefónica. “¿Que es lo que has pintado al lado de tu caja de té?” Ivan le dijo: "Jive con Ive, el experto en el bajo." Lennon se mostró satisfecho. Nadie solo un Ex Quarry Men hubiera sabido eso.
En 1977, a Vaughan se le diagnosticó el Mal de Parkinson. Su libro: "Ivan: viviendo con el Mal de Parkinson", fue publicado en 1986 y también se hizo un documental para la BBC en 1984 sobre la búsqueda de una cura.

Lennon supo lo de la batalla de Ivan contra el Parkinson le envió un paquete de libros, incluido “Mind Magic: How To Get Well” (Magia mental: como estar bien) y “The Snow Leopard” (El leopardo de nieve) acerca de un escritor viajero en Nepal que busca la paz personal., pero John seria asesinado en las afueras de su departamento en Nueva York . Cuando Ivan oyó las noticias estaba solo y llorando. Su muerte en 1994, conmovió a Paul McCartney de manera tal que volvió a escribir poesía por primera vez desde que era un niño.

O, mejor dicho, un "Canario en una Mina De Carbón"

Con motivo de la onda Police en Vivo y su polémica, adjunto aquí un artículo aparecido en mi página web en 1999, escrito por Jesús Quinteros que, dicho sea de paso, es un ingrato porque nunca me devolvió un par de llamadas que le hiciera al hotel de Los Ángeles en donde se hospedó. ¡Sobrado igual que Sting, carajo!

The Police se convirtió en una jaula de oro y la única manera de salir fue reventarla:
Stewart Copeland

Escribe: Jesús Quintero

Con apenas cinco álbumes en su haber, el grupo británico The Police definió la esencia de la música pop en los ochenta gracias a la afortunada fusión de tres personalidades que han demostrado, en el terreno individual, poseer tanta validez artística como cuando se sumaron para grabar álbumes hoy clásicos como Reggatta de Blanc (A&M, 1979), Ghost In The Machine (A&M, 1981) y Synchronicity (A&M, 1983).

A doce años de que The Police ofreció su último concierto masivo, las carreras del ex trío se han caracterizado más por sus diferencias que afinidades: mientras Sting va en vías de volverse el Julio Iglesias de su generación con productos cada vez más edulcorados, Andy Summers ha perseguido una ecléctica carrera como guitarrista lo mismo en el renglón experimental (con Robert Fripp y John Etheridge) que en el jazz, en tanto que Stewart Copeland decidió guardar su batería para dedicarse a elaborar música destinada a series de televisión, cine y ópera.

Y fue precisamente Copeland, acompañado por su hermano Miles (cabeza del sello Ark 21 Records), con quien charlamos inicalmente acerca de del disco Outlandos D´Americas, pero como la historia y la memoria quisieron indagar más en su pasado, cuando junto a Sting y Summers demostró que el calificativo de "trío de poder" tuvo una sustancial modificación, sobre The Police son las líneas siguientes:

Con 46 años, el pelo hoy gris y una discografía de soundtracks que comprende, entre otros títulos, Rumble Fish (1984), Wall Street (1986), Talk Radio (1993), Rapa Nui (1994), Highlander: The Final Dimension (1995), Boys (1996), The Leopard Son (1997) y Four Days in September (1998), el autor de "Miss Gradenko" admite que el alejamiento del mundo pop ha enriquecido su capacidad artística, mas ahora, nutrido por otros sonidos, está tentado a volver a él: "Adoro hacer música para películas porque cada ocasión es un reto distinto: a veces es de ciencia ficción, la siguiente de romance, y otra es épica. En cuanto a la dotación también hay variantes: a veces tengo que trabajar con orquesta, con un grupo de jazz, con cuerdas o instrumentos electrónicos, y, en cambio, en la música pop sólo hay una fórmula: tienes tres minutos, nada más; el tema es acerca de un novio o novia; debe estar construida así: verso-coro-verso-coro-solo-de guitarra-verso-y-coro. Las reglas son muy estrictas, mas es asombroso lo que púedes hacer con ellas. Sin embargo, me dio gusto alejarme de eso, y ahora, que tengo una nueva apreciación de la música pop, me emociona mucho descubrir elementos luminosos en la ella. Me gusta y y tengo el deseo de tocarla nuevamente".

Acaso porque era el cantante y principal compositor, Sting (cuyo verdadero nombre es Gordon Matthew Sumner) le parecía a mucha gente el eje de The Police. Ello, asegura Copeland, no dio pie a rencores dentro del grupo, ni propició restricciones artísticas a él ni a Summers: "Sting no era el problema, sino The Police. Pues el grupo se volvió muy importante a nivel comercial, nos rebasó a nosotros mismos, transformándose en la gallina de los huevos de oro. Conforme los éxitos fueron sucediendo uno tras otro, aquello se convirtió en una jaula de oro, y aunque cada uno tenía sus proyectos alternos [Sting se dedicó a la actuación cinematográfica, Summers a trabajar con Fripp y Copeland a dos proyectos musicales: Klark Kent y el grupo Animal Logic], siempre teníamos que regresar a The Police porque había que sacar un sencillo, grabar un álbum o hacer un video. Entonces, lo único que nos quedó fue salirnos de esa jaula. Reventarla".

Mas la distancia física entre los integrantes no ha eliminado la posibilidad del reconocimiento ajeno, al menos eso dice Copeland. Con acento que trasluce dosis mínima de sarcasmo, dice admirar todavía el trabajo actual de Sting. "Me gustan sus letras y compro sus discos. Pero... sí hay algo que te puedo asegurar: lo que hacía The Police era más chingón que lo que él hace ahora".

Llevado al territorio del autoexamen, el también autor de "Bombs Away" dice sobre sus canciones favoritas de The Police: 'No oigo muchos los discos del grupo, pero supongo que mis predilectas son "Message in a Bottle", "Can´t Stand Losing You", "Shadows in the Rain", pero la lista cambia a menudo. Y en cuanto a la peor: "Behind my...cam..." no. "Behind my..." no. "Behind my Camel" [dice al fin, como si dicho título se tratara de una maldición], que grabamos para el tercer disco [Zenyatta Mondatta, AM, 1980] y que de verdad odiábamos. Es un tema de Andy. Sting y yo lo detestamos y nos rehusábamos a interpretarla, pero yo tuve que tocar la batería porque nadie mas en el grupo sabía hacerlo y Andy tuvo que encargarse del bajo. Recuerdo que tratamos por todos los medios de impedir que se grabara: escondíamos la cinta y cosas así. Al momento de decidir cuáles canciones entrarían al álbum, cuáles serían lados b y los sencillos, Andy dijo: Yo creo en el grupo, así que tienen que incluir esa canción en el long play. Insistió tanto que al final entró. Poco más de un año después recibimos un Grammy en la categoría de Mejor Tema de rock instrumental por "Behind my Camel" [se ríe] y cada uno recibió su premio, hasta Sting´.

A principios de año, en la prensa inglesa corrió con fuerza el rumor de una reagrupación de The Police. Sobre esa posibilidad, Copeland es tajante: "No, no habrá nada. El concepto que ahora me interesa es Outlandos... Sting tiene una carrera muy exitosa como solista y ni Andy ni yo quisiéramos quitarle nada a él, porque Sting es un tipo que se siente feliz. Yo, por mi parte, tengo mi estudio, donde me encanta hacer música para películas, pero por todo eso no he tenido oportunidad de tocar la batería. Quizá la única posibilidad de ver a The Police nuevamente juntos sería en un concierto de Rain Forest o algo así. El último concierto que dimos fue en la ceremonia matrimonial de Sting [el 22 de agosto de 1992]. Así, terminamos convertidos en una banda de bodas".

Pero las reconciliaciones también se dan hasta en las familias más disímiles. Refiere Miles Copeland: "Hace tres semanas los tres tuvieron una charla telefónica. Andy visitó a Sting en Italia y Stewart habló con ellos desde su estudio en Los Angeles. La plática duró tres horas y giró sobre The Police y cada una de las canciones que grabaron y ya están pensando hacer un álbum... [e interrumpe su hermano menor] Y no faltó el tema del "Behind Andy´s Camel". Nos acordamos de Andy gritándonos: ¡¡Ratas, hijos de la chingada!!! ¡¡Recuerdo todo lo que me dijeron para no grabar mi canción!! Así estuvimos, fue como ir al psiquiatra. Se trató de una terapia de grupo"...

Se dice que la memoria es selectiva, y aunque a Copeland se le recordó que, a decir del grupo, la experiencia de su único concierto en el Distrito Federal, el 15 de diciembre de 1980 en el Hotel de la Ciudad de México, fue fatal (en el aeropuerto hubo un apagón a su llegada, Sting se horrorizó con un niño que hurgaba comida entre la basura, a la salida de la terminal aérea el chofer que los llevaba atropelló a un perro, Summers esperó lo peor al enterarse que era el primer concierto de rock después de muchos años, y durante el concierto -se quejó Stewart con el reportero James Henke, de la revista Rolling Stone- la gente ni siquiera podía cantar al mismo ritmo que Sting), hoy lo ve con otros ojos: "No me acuerdo de que hayamos dicho algo malo. Al contrario, estuvimos muy a gusto. De hecho, en la historia de The Police fue la única vez que hemos visto al público comerse el escenario. Fue uno de los conciertos más salvajes que hayamos tenido".

Jesús Quinteros, México D.F., 1999

ZF

Zerofighter (V4 Records, 2005)

RUBBERSIDEDOWN

A mediados de la década del 2000 una banda de San Francisco que toca Hard Rock –no confundir con Heavy Metal que ésta banda de metal sólo tienen las cuerdas de las guitarras- empezó a hacerse popular en los circuitos musicales del área de la bahía gracias al lanzamiento de un disco independiente pero poderoso, el Zerofighter. La banda es un ejemplo de que el rock and roll del bueno -el salido de las calles guiado por gurús como los Who y Velvet Underground- no está muerto sino hibernando en disqueras independientes como V4.

¡Poderoso porque levanta humareda y hace bailar a chicas guapas vestidas de negro! El bajo apasionado de Michael Scott y la batería de Paul Batres proveen una vibrante sección rítmica rocanrolera para la guitarra líder de Warren Claudle y la voz y guitarra rítmica de Kevin Casey.

El Zerofighter es un boxeador de peso “welter,” rápido, de largo alcance y sus golpes se sienten hasta después de la contienda. De arranque, en primera, nos encontramos con “Get Real,” donde el cantante nos hace saber que está harto de su relación con esta chica y le devuelve todo lo que ella le dio. Curioso, el siguiente número, “Give It Back,” nuestro héroe se da cuenta que le dio de más a la mujercita y ya le está pidiendo de vuelta sus discos de Bowie y Zeppelin. ¿En qué quedamos? Quedamos en que la protagonista de los dolores de cabeza de Casey se llama “Julia” y lo ha estado jodiendo desde el primer CD, al parecer.

Las historias de decepción funcionan bien en bandas rockeras urbanas como ésta y su disco va mejorando con “Gasoline” y “Black Mountain Road,” para llegar a “My Lady Ecstasy,” de lejos el peso pesado del CD. Kevin Casey tiene pasta de boxeador y sabe que su guitarra no tiene balas, pero sabe a donde apunta. Su voz es atractiva para la audiencia femenina, y al ponerlas cachondas los que salimos ganando somos los chicos que pagamos por ver un espectáculo de calidad y escuchar ruidosos síncopes como los encontrados en la canción “Zerofighter,” una botella de vino con aromas frutíferos de Led Zeppelin y Tom Petty–el de los setentas, guardando distancias- que deja un grato sabor y provoca presionar el botón de “play all” del reproductor de CDs.

La banda se muestra prometedora y candidata a ser un nombre comúnmente mencionado entre los veinteañeros de la Costa Oeste. Si ya han tenido la suerte y la dedicación de lograr meter sus canciones en series como Felicity en medio de esta maraña de mediocridad llamada música moderna, están por muy buen camino gracias a su calidad. Bien por ellos, porque los que los estamos escuchando podremos decir en un futuro cercano, “¡yo los descubrí!”

Todo lo que necesiten saber de RubberSideDown está en su website http://www.rsd-music.com

Batir un récord en patín.

Yendo De la Cama al Living

(Interdisc/EMI en Argentina, WEA en Perú, 1983)
CHARLY GARCIA

In 1983 all Argentina was at the verge of a total moral collapse. The militar government led the nation in a war against England for the possesion of the Malvinas Islands -no, not Falkland-, and curiously, the army's popularity went up no matter how many cases of tortured and dissapeared oppositors were. For dictator Videla, the good communist is the dead one.

Charly García was not a communist but he had a mind of his own and he criticized the government, of course. Thiefs in army suits. He wisely, was keeping his mouth shut, getting his ammo ready and in 1983 released this album, his best solo album ever and a masterpiece in Latin pop that everybody should consider as a reference point.

He had two of the most important rock bands in Argentina before the revolution of Soda Stereo in the eighties: Sui Generis and Seru Giran in the seventies. He created a personal band with Pablo Guyot on Guitar, Willy Iturri on Drums and Alfredo Toth on Bass -these three guys later called themselves GIT and became a popular rock trio with few albums and mediocre music-, invited some friends like Alberto Spinetta and Pedro Aznar -for the great "Peluca Telefónica" and sang with Leon Gieco what is probably the best latin rock song ever, "Yo no quiero Volverme Tan Loco", a plea for peace of mind in the middle of a battle that nobody on the rest of the world cared about.

Argentina and specially Buenos Aires as a society was correctly described in this album. Everybody likes to listen to the U.K's Clash, but they're so afraid to be bombed in any moment by the British Army ("No Bombardeen Buenos Aires") that they hide on bomb-shelters. Charly recalls the times of Eva Perón, the Beatles, Gardel, the Argentinian Beef Steak and simply creates a masterpiece. Something in spanish that most of the latin american radios weren't ready to receive. An urban funk sound emerging from downtown Buenos Aires, colored with melancholic sounds and attempts of copying classical music. "Canción de 2x3" is an amazing Elton-John-alike song with pure poetry about childhood, loneliness and pain; while the guitar playing reminds us of sweet relief. Charly yawns at the beginning of the title track, a chant about lazyness that gets deep into us. Sleeping in a Bed of Roses. The hidden message: the slothness of argentinian people who did nothing to fight the dictatorship. Well, they could have been killed.

Yendo De la Cama al Living is probably one of the greatest pop albums ever recorded in Argentina, and it's a pleasure to have it here among CacaoRock's favorite ones. Get it while it's hot! It's pure politics, love and pain. The kind of stuff we like to get our kicks in.

Yendo de la Cama Al Living es probablemente uno de los más grandes discos pop jamás grabados en Argentina, y es un placer tenerlo aquí entre los favoritos de CacaoRock. Consíguelo mientras está caliente. Es pura política, amor y dolor; la clase de cosas que nos excitan.

Detienen a Charly García en Ecuador

Quito, Diciembre 29 del 2002 [Efe]. El rockero argentino Charly García fue detenido la noche de ayer por alterar el orden público durante un megaconcierto en Ecuador.

El músico permanecerá dos días tras las rejas y podría ser condenado hasta a 18 meses de cárcel, cuando sea juzgado por cargos de posesión de drogas y daños a la propiedad. El músico paró la música en la segunda canción, comenzó a patear los equipos de sonido, lanzó los micrófonos y abandonó el escenario sin ninguna explicación.

Dos días de Prisión para Charly García

A las 01:00 de ayer la Policía de la Unidad Centro Oriente arrestó al rockero argentino, Charly García.

La detención se realizó luego que los organizadores del concierto (Macrosonido) denunciaron al cantante por incumplimiento de contrato y por causar daños en los equipos de amplificación.

El viernes García cantó solo dos canciones en el Coliseo General Rumiñahui. Luego tiró el micrófono y rompió dos parlantes. Después se retiró a su camerino, mientras la gente lo esperó por una hora.

Según el intendente de Policía de Pichincha, Víctor Hugo Olmedo, Charly García deberá permanecer dos días en el Centro de Detención Provisional de Quito. Además, deberá cancelar los daños producidos en el concierto. Hoy el rockero tendrá una audiencia en la Intendencia.

Charly García, en libertad

El músico argentino protagonizó un escándalo en un recital en Quito al abandonar el escenario y romper algunos equipos; tocó sólo seis minutos

Charly García retornó hoy a Buenos Aires defraudado con los promotores del concierto y la policía
ecuatoriana que lo detuvo por protagonizar un escándalo el sábado por la madrugada ante 10.000 asistentes a un concierto en la capital ecuatoriana.

Demacrado por los dos días de arresto al que fue sometido, García sólo atinó a exhalar un profundo y desconsolado "pufff", cuando los periodistas le preguntaban sobre su estado anímico al abandonar el hotel donde se hospedó y dirigirse al aeropuerto de Quito.

No quiso hablar, pero sus ayudantes confirmaron el malestar con los organizadores y la Policía ecuatoriana que no entendieron los matices que el artista suele dar a sus presentaciones.

García, en la madrugada del sábado, cuando se aprestaba a cerrar un "megaconcierto" en el coliseo "Rumiñahui", se enojó por el sonido, pateó micrófonos y equipos de amplificación, generando malestar entre los miles de fans que esperaban escucharle.

El rockero argentino alternó con sus compatriotas Fito Páez, Gustavo Cerati, el grupo colombiano "Aterciopelados" y la banda ecuatoriana "Crucks en Karnak".

Fito Páez, que precedió a García en el escenario, encendió en una gélida noche el ánimo de los quiteños que aguardaban el "plato fuerte" con la actuación del músico del bigote bicolor.

Charly García comenzó su presentación cantando y ejecutando los teclados a dos manos, lo que causó gran entusiasmo entre los asistentes, hasta que interrumpió su segunda melodía para arremeter contra los equipos de sonido y también arremeter contra el público.

Salió del escenario y continuó el desenfreno en los camerinos, según testigos.

El exabrupto de Charly fue inmediatamente atendido por la Policía que le llevó detenido, sin que los organizadores hicieran nada para evitarlo sino que acusaron al artista por "incumplimiento de contrato".

El intendente de Policía, Víctor Hugo Olmedo, lo sentenció a dos días de arresto en el Centro de Detención
Provisional (CDP), bajo el cargo de "desorden público".

Olmedo ordenó hoy su libertad, aunque inició una causa contra los organizadores del concierto, la empresa colombiana "Show Time Producciones", a quienes pedirá que paguen los daños causados en el escenario y la indemnización, de alguna forma, a los decepcionados fanáticos de García.

Uno de los representantes comentó que todo hubiera salido a bien si los policías hubieran esperado un poco hasta que Fito Paéz terminará de componer el sonido.

Y es que Charly García tenía previsto actuar dos horas más, después de que Fito arreglara el sonido, y con un público hilarante y expectante por verlo.

Además, habían preparado algunas canciones junto a Fito Páez y Gustavo Cerati.

El concierto se suspendió y García fue a hacer compañía a otros 200 detenidos en el CDP, un edificio contiguo al penal García Moreno (una cárcel de alta seguridad que dicho sea de paso son los dos apellidos de Charly).

Según el intendente Olmedo, el controvertido argentino no tuvo ningún privilegio, "fue tratado como todos
los demás", aunque guardianes de ese recinto indicaron que estuvo en una celda especial.

Tras abandonar la cárcel, García fue a un hotel de Quito a refrescarse, tomar una ducha, hacer las valijas y
dirigirse al aeropuerto para retornar a Buenos Aires.

Se despidió con gestos amistosos y visiblemente cansado por la peripecia vivida en la capital ecuatoriana donde
tiene una gran cantidad de seguidores que le disculpan todo y le piden que vuelva.

Fuente : EFE

Más Charly?

Modern Clix: Si hay un disco que pueda definir el sonido urbano de Buenos Aires, Argentina, a inicios de los ochenta e éste. Básicamente, es Charly García acercándose a personajes dignos de Lou Reed, David Bowie y, por qué no, García Márquez.

Piano Bar: Básicamente, la continuación del Clix. "Rap del Exilio" y "Total Interferencia" van más allá del subconsciente.

Parte de la Religión (CBS, 1987): A mi me pareció inferior a lo que había hecho antes. García empezaba su declive artístico, pero antes de hacerlo, nos dejó "Rap de las Hormigas", "No Voy en Tren" y "Buscando Un Símbolo de Paz"

Tango (CBS, 1986): Pedro Aznar y Charly García graban un "EP" de 6 canciones. Entretenido, pero no trascendental.

Con los Escarabajos

With The Beatles
(Parlophone, 1963)

THE BEATLES

Los Fab Four llegaron a Estados Unidos en Abril de 1964 con con este acetato (o mejor dicho, una variación de éste llamado Meet The Beatles) y con los singles "I Want To Hold Your Hand" y "She Loves You" bajo el brazo. Y a partir de ese momento todo cambió. Los encantos de With The Beatles (segundo álbum de los Beatles en Inglaterra pero primero en Estados Unidos) son tan variados y tan sorprendentes que me atrevería a afirmar que es éste mi álbum favorito de ellos cuando no pienso en Pepper.

No hay que buscar conceptualidades ni sonidos extraños. Como la contracarátula afirma, solamente hay tres voces, dos guitarras, un bajo y una batería. Eso es lo que más asombra del disco: la calidad de las interpretaciones de las nuevas canciones y de clásicos rocanroleros que parecían pasados de moda pero que de pronto volvían a rugir en los tocadiscos. Homenajes a Chuck Berry ("Roll Over Beethoven" a cargo de George), Smokey Robinson y el sonido Motown ("You Really Got A Hold On Me" y "Please, Mr. Postman" a cargo de John) y hasta a Meredith Wilson (Paul trinando "Till There Was You" de la obra The Music Man) hacen de este un album entrañable para los primeros beatlemaníacos que aparecían por el mundo. Los siete temas originales de Lennon y McCartney y el primer tema de Harrison aparecido en público no hacen sino confirmar el gran talento que presentaban al mundo. "It Won´t Be Long", "All My Loving", "I Wanna Be Your Man" (escrita por L&M y ofrecida a los Rolling Stones para un éxito inmediato), "Not A Second Time" (una brillante canción que presenta arreglos parafraseados de Gustav Mahler) y "All I´ve Got To Do" son lo mejor que escribieron para este disco.

La portada -magnífica fotografía de Robert Freeman- los muestra en blanco y negro, sencillos y sin ningún intento de causar furor o polémica fuera de lo musical. With The Beatles fue un buen regalo del pueblo inglés para Estados Unidos, que no podía aún recuperarse de la muerte de Kennedy, y para el mundo que necesitaba urgentemente un lider espiritual que les diera paz y esperanza.

Wings Over The U.S. and Other News

Wings Over America (Parlophone/ MPL, 1976)

WINGS

1999: Es muy grato saber que Paul ha lanzado un nuevo álbum con abundante rock and roll (Run Devil Run, EMI/ MPL, 1999) y por lo visto está saliendo de las depresión y superando la pérdida de su amada esposa Linda. Suponíamos que Paul iba a retirarse de la música después del deceso de su señora; pero felizmente no fue así. Para agradecer este feliz regreso, el disco de Noviembre de CacaoRock es Wings Over America, álbum triple aparecido en 1976 que recoge los mejores momentos de la gira de Paul McCartney y su banda Wings por Estados Unidos. La versión en CD consta de dos preciosos discos.

Entre 1973 y 1976, Paul McCartney y los Wings gozaron de su mejor época en lo que se refiere a éxito del público y calidad musical. Cuatro discos seguidos lo confirman: Red Rose Speedway (1973), Band On The Run (1974), Venus and Mars (1974) y Wings at the Speed of Sound (1976). Los Wings eran Linda McCartney (teclados, voces), Denny Laine (guitarra, bajos, piano), Jimmy McCulloch (voces, guitarras, bajo) y Joe English (batería). Por supuesto que Paul era el líder absoluto del grupo, y hacía y deshacía en él como quisiera; lo cual dio excelentes resultados como lo confirma este excepcional testimonio de aquella gira. Destacamos "Let Me Roll It", "Maybe I´m Amazed", "Call Me Back Again", "Magneto and Titanium Man", "Silly Love Songs", "Let ´Em In", los covers de Paul Simon "Richard Cory" y de los Moody Blues "Go Now" y el maravilloso set acústico del lado 3 del LP, donde "Bluebird", "Yesterday" y "Blackbird" son las mejores partes. Por supuesto que hay temas de los Beatles. Además de las dos últimas mencionadas están "I´ve Just Seen A Face", "Lady Madonna" y "The Long and Winding Road".

El tema que más nos gusta de todo el disco es "Listen To What The Man Said", considerada por Neil Diamond como "la mejor canción jamás escrita". Está mejor ejecutada que en estudio y Linda está perfecta en los coros. Es una canción pop bastante romántica sobre el amor en general. Debemos amar sin importar lo que digan los demás y debemos siempre dejar aflorar lo que sentimos sin reprimirlo. Un consejo muy sabio.

Todo el álbum está muy bien tocado y de eso no hay duda; pero adolece de una buena calidad sonora, ya que las grabaciones en vivo de los ingleses durante los setenta siempre han sido deficientes. Tomemos por ejemplo a Frampton Comes Alive, un álbum norteamericano que suena perfectamente bien y salió en el mismo año. ¿Por qué los ingenieros ingleses de sonido en vivo y de post-producción no pudieron lograr una mayor fidelidad? ¿Será cuestión de ellos mismos o de la calidad de las máquinas? Paul logró un mejor resultado en fidelidad con los álbumes Tripping the Live Fantastic! (MPL, 1990) y Paul Is Live (MPL, 1994). No sería mala idea remasterizar las cintas originales del Wings Over America para ver si se puede mejorar la calidad en CD y además, incluir en las notas las fechas y locaciones de los conciertos. De lo único que podemos estar seguros es que "Let ´Em In" se tocó alrededor del cuatro de julio del 76, ya que se llega a escuchar a Denny Laine decir, al final de la canción: "happy birthday, America".

Este disco es espectacular. Dos horas veinte de muy buena música a cargo de Paul, Linda y sus amigos. Relájense y disfruten del vuelo.

Sobre Get Back* de The Beatles:

Las novedades de Noviembre de 1999 incluyen lanzamientos interesantes como el nuevo álbum de Paul McCartney, Run Devil Run (Capitol/ MPL, 1999); que al parecer es bastante bueno y ha recibido muy buenas críticas de expertos como Fernando "Champero" Meza, fanático de Paul hasta los huesos. Por otro lado, la campaña de re-lanzamiento de la película "Submarino Amarillo" (Yellow Submarine) fue todo un éxito y el álbum Yellow Submarine Songtrack se está vendiendo bastante bien. Se comentó por ciertos medios que éste CD sería el último lanzamiento discográfico de Los Beatles, y que ya no se sacaría nada más de los archivos de EMI; pero en una reciente entrevista a Neil Aspinall, encargado de las relaciones públicas de los Beatles, él afirmó que probablemente el próximo año se lance un disco más.

¿Cuál podrá ser este disco? Pues suponemos que se debe tratar de Get Back (Apple, 2000), el álbum con el cual los Beatles supuestamente iban a cerrar su discografía con broche de oro. Let It Be (EMI, Abril de 1970) fue el último LP con material nuevo del cuarteto de Liverpool y fue arduamente criticado ya que había sido modificado por Phil Spector, quien alteró dramáticamente las interminables cintas magnetofónicas que salieron de las sesiones de la película con el mismo nombre ("Across The Universe" y "The Long and Winding Road" fueron las más afectadas con empalagosas orquestaciones). Se llega incluso a decir que Phil Spector fue el hombre que malogró al Let It Be. Pues bien, Get Back consistiría en las mismas canciones del Let It Be sin haber sido modificadas por Spector; es decir, las producidas originalmente por George Martin con algunas otras adicionales. Esta sería una grata sorpresa ya que hasta ahora dichas canciones se pueden conseguir solo a través de la piratería. La portada sería la misma de la compilación Beatles 1967-70 (también conocido como Álbum Azul, Apple, 1973) y es muy probable que la foto de la portada haya sido tomada en 1969 ó 1970 exclusivamente para el álbum Get Back, que nunca salió a la luz hasta el 2000. Apple Records anotaría un gol de campeonato y dejaría sentado: hay Beatles de sobra para el nuevo siglo.

Sólo esperemos que no se le haga publicidad a la inminete liberación de Mark David Chapman, el asesino de John Lennon, quien sale el próximo año de la prisión por buena conducta. Proponemos un boicot: no comprar ninguna publicación referente a la vida de este criminal ni del enorme daño que le hizo a la humanidad. Simplemente ignorémoslo. Suponemos que David Frost, Barbara Walters o Larry King querrán entrevistarlo y la curiosidad y el morbo probablemente nos hagan ver dichas entrevistas; pero tratemos de no financiar su triste fama.

* Get Back terminó llamándose Let It Be... Naked, aparecido a fines del 2003.

McCartney In Love

Wild Life

(Apple, 1971)

WINGS

¿Que fue lo que pasó con McCartney esta vez? Por un momento toda su carrera solista pareció venirse abajo con el álbum debut del "grupo" Wings, la banda que continuó el legado Beatle (al menos la parte correspondiente a Paul)hasta fines de los setenta. Pareciera que la pareja McCartney—Eastman no estaba del todo creativa y tuvieron la idea de tomarse una foto en un bosque y componer todo lo que se les viniera a la cabeza viendo palomitas blancas tomando agua de una preciosa laguna.

Les salió un conjunto de canciones mediocres y sin ninguna chispa; a excepción, claro, de la canción título del disco (una visión apocalíptica de la hecatombe ecológica que vive la tierra) y Some People Never Know; que están muy bien compuestas y ejecutadas, dando la razón al McCartneyfanático de adquirir este disco sin pensarlo dos veces. Pero Mumbo, Be—Bop, I Am Your Singer y Love Is Strange son realmente aburridas y sin sentido. Por más esfuerzos que hagan añadiéndole Bonus Tracks en nuevos re—lanzamientos, Wild Life seguirá siendo un mal disco, y la prueba de que no todo lo que saca el mago del sombrero tiene por qué asombrarnos.

¿La Generación de Quién?

The Who Sings My Generation

(Decca, 1965)

THE WHO

Pete Townshend no fue un superguitarrista tipo Jimi Hendrix o Joe Satriani, pero le sacaba el jugo a la guitarra como sea arañándola, pegándole y forzándola a botar la mayor cantidad de ruido posible. The Who, su banda, fue el ejemplo perfecto de que el rock and roll no era una música que aceptaba concesiones ni tomaba prisioneros. En inglaterra todos los años de represión y falsa moral no pudieron contener a los cuatro jinetes del apocalipsis que insultaban al sistema con una fuerza única una década antes que los Sex Pistols. El slogan de My Generation "Espero morir antes que llegar a viejo" lo escribió Pete Townshend y fue cantado por Roger Daltrey y la juventud estalló de rabia y alegría al mismo tiempo.

Por fin un grupo de rock identificado plenamente con el sufrir de la adolescencia; de ese sufrimiento que muchos adultos quieren ocultar para evitar preocupaciones y demostrar que todo anda bien en Occidente. Pete Townshend rompía su guitarra principalmente porque ésta lo reprimía al negarle virtuosismo y la juventud inglesa se imaginaba a sí misma destrozando sus carpetas, libros, escritorios, uniformes escolares y escuelas porque también se sentían reprimidos por un sistema esclavizante. Hasta Sings My Generation, no había habido ningún disco de rock and roll en las islas Británicas que cuestione tan duramente el sistema inglés. En este aspecto, se trata de una grabación revolucionaria; no subversiva, pero sí muy crítica y con propuestas de solución viables. También incluye dos temas notables originales del gran James Brown: I Don´t Mind y Please, Please, Please. En resumen, se trata de una buena y contundente respuesta a un sistema represor para dar paso al flower power.

A Continuación el análisis histórico del primer album de los Who por Piero Dall'Orso

El primer album:

My Generation (UK) o Sings My Generation (USA)

El 03 de diciembre de 1965 The Who edita su primer álbum My Generation (sello Brunswick) en Inglaterra y The Who Sings My Generation (sello Decca) en Estados Unidos. Las portadas y el orden de temas varían en ambos países. Las sesiones de grabación ocurrieron entre los meses de abril a octubre de ese año. El álbum esta inspirado en los principios del Rhythm & Blues. La mayoría de temas escritos por Pete Townshend excepto los covers de James Brown.

El primer single lanzado en Inglaterra el 05 de noviembre fue My Generation la cara b era “Shout And Shimmy”, mientras que en Estados Unidos fue lanzado el 20 de noviembre la cara b fue “Out In The Street” (incluida en el álbum original). Siendo el productor Shel Talmy. Como dato anecdótico Roger Daltrey fue expulsado del grupo por los otros tres componentes para luego ser reincorporado a raíz de que el single My Generation llega al numero 02 en Inglaterra.

“A Legal Matter" (puesto 32), "La La La Lies" y "The Kids Are Alright" (puesto 41) también fueron editadas como singles, aunque sin tanto éxito ("The Kids Are Alright" llegó al octavo puesto en Suecia). "My Generation" y "The Kids Are Alright" son los himnos mod mas conocidos y versionados del grupo. Mientras que "My Generation" es un número rockero y agresivo que presagió el movimiento punk" y que se recuerda por la frase "Hope I die before I get old" ("espero morir antes de llegar a viejo"), "The Kids Are Alright" es una canción pop más sofisticada y es considerada una fundadora del movimiento power pop. "Circles" fue interpretada por un grupo mod de esa época llamado Les Fleur de Lys, que ganó notoriedad por su inclusión en el box set Nuggets.

El álbum también contenía dos versiones de James Brown: “Please, Please, Please y “I Don’t Mind”. The Who Sings My Generation es frecuentemente considerado uno de los álbumes más importantes de la historia del rock por diferentes críticos , y se destaca la interpretación de John Entwistle en el bajo (en especial en la canción que da nombre al disco). Cabe destacar la presencia de dos invitados de lujo Jimmy Page y Nicky Hopkins.

Jimmy era conocido por ser músico de sesión por aquella época luego ingresaría a The Yardbirds para posteriormente formar Led Zeppelín. Nicky Hopkins esta como coautor del instrumental “The Ox” y músico de sesión muy conocido (luego trabajaría con The Beatles ,The Rolling Stones , The Kinks, Jefferson Airplane, New Riders of the Purple Sage, Steve Miller Band entre otros).

Versión inglesa (My Generation).-
"Out In The Street" (2:31)
"I Don't Mind" (James Brown) (2:36)
"The Good's Gone" (4:02)
"La La La Lies" (2:17)
"Much Too Much" (2:47)
"My Generation" (3:18)
"The Kids Are Alright" (3:10)
"Please, Please, Please" (James Brown/John Terry) (2:45)
"It's Not True" (2:31)
"I'm A Man" (Bo Diddley) (3:23)
"A Legal Matter" (2:48)
"The Ox" (Pete Townshend/Keith Moon/John Entwistle/Nicky Hopkins) (3:50)

Versión norteamericana (The Who Sings My Generation)
"Out In The Street" (2:31)
"I Don't Mind" (James Brown) (2:36)
"The Good's Gone" (4:02)
"La La La Lies" (2:17)
"Much Too Much" (2:47)
"My Generation" (3:18)
"The Kids Are Alright" (2:46)
"Please, Please, Please" (James Brown/John Terry) (2:45)
"It's Not True" (2:31)
"The Ox" (Pete Townshend/Keith Moon/John Entwistle/Nicky Hopkins) (3:50)
"A Legal Matter" (2:48)
"Instant Party (Circles)" (3:12)

En la primera edición norteamericana "Circles" fue erróneamente denominada "Instant Party", y fue denominada "Instant Party (Circles)" en ediciones subsiguientes. ("Instant Party" es otra canción diferente). Según las notas de la "Deluxe Edition", "I'm A Man" fue eliminada de la edición norteamericana por su contenido sexual. La edición de los Estados Unidos también presentó una versión acortada y diferente de "The Kids Are Alright". Las dos ediciones tienen una cubierta diferente.

En el año 2002 se editó una edición deluxe doble con la cubierta inglesa y un total de 30 canciones.

En el 2003 se ubico en el puesto 236 de los 500 mejores discos de la revista Rolling Stone.

The Who Sings My Generation (deluxe edition)

Disco Uno
"Out in the Street"
"I Don't Mind"
"The Good's Gone"
"La-La-La Lies"
"Much Too Much"
"My Generation"
"The Kids Are Alright"
"Please, Please, Please"
"It's Not True"
"I'm a Man"
"A Legal Matter"
"The Ox"
"Circles (Instant Party)"
"I Can't Explain" (canción adicional)
"Bald Headed Woman" (canción adicional)
"Daddy Rolling Stone" (canción adicional)

El segundo disco contiene canciones adicionales.-
"Leaving Here"
"Lubie (Come Back Home)"
"Shout and Shimmy"
"Heat Wave, (Love Is Like A)"
"Motoring"
"Anytime You Want Me"
"Anyway, Anyhow, Anywhere" (toma alterna)
"Instant Party Mixture"
"I Don't Mind" (versión completa)
"The Good's Gone" (versión completa)
"My Generation" (version instrumental)
"Anytime You Want Me" (version a cappella)
"A Legal Matter" (version monaural con doblado de guitarra)
"My Generation" (version monaural con doblado de guitarra)

Personal
John Entwistle: bajo y voces.
Roger Daltrey: voz principal.
Keith Moon: batería y percusión.
Pete Townshend: guitarra y voces.
Nicky Hopkins: piano (excepto en “I Can’t Explain”).
The Ivy League: voces de fondo en “I Can’t Explain” y “Bald Headed Woman”.
Perry Ford: piano en “I Can’t Explain”.
Jimmy Page: guitarra en “Bald Headed Woman”.
Nota: Jimmy Page toca guitarra en “I Can’t Explain” lo que sucede es que no le dan crédito igual ocurriría con The Kinks en el tema “You Really Got Me”.

Favor de continuar con la historia de los Who compilada por Piero Dall'Orso aquí.

The Masters

Verve Jazz Masters Volumes 1 — 60 (Universal Music, 1994, 1995, 1996)

VARIOUS ARTISTS

La consagración del CD como principal medio de almacenar música conllevó a que los grandes estudios que absorbieron a los pequeños sellos independientes para una mejor distribución de la música rescaten y transfieran -a señal digital- esas piezas musicales valiosísimas que habían estado archivadas en discos y cintas que ya empezaban a descomponerse por el paso del tiempo.

Los CDs durarán unos miles de años más, pero la calidad del audio digital, a nuestro parecer, no supera a una buena aguja en un tornamesa de primer nivel y un disco de vinilo muy bien grabado y en muy buen estado. Verve Jazz Masters es la mejor colección de Jazz en Compact Disc adquirible en el mercado. La colección apareció en 1994 celebrando los 50 años del primer proyecto de su fundador, Norman Granz. Este promotor de música jazz organizó en 1944 el primer festival Jazz At The Philharmonic, que reunió a los mejores músicos de la época para hacerlos grabar y difundir el buen jazz con sus dos pequeños sellos, Norgran y Clef. Count Basie, Billie Holiday, Louis Armstrong, Duke Ellington, Dinah Washington…la lista era tan grande como sorprendente. En 1956 Granz funda la compañía Verve y todos los que tocaron en esos festivales se enlistaron en ella. Verve distribuyó el material de Clef y Norgran y se convirtió en un sello para músicos de vanguardia, después del declive del cool jazz.

Ahora, 50 años después, Verve es la más importante compañía disquera de jazz del mundo y la que almacena en sus archivos a los mejores músicos del mundo. Al ser asimilada por el grupo Polygram (el cual luego fue absorbido por Universal Music en 1998), Verve ahora se da el lujo de distribuir las interpretaciones de artistas de los sellos Mercury (Errol Garner), A&M (George Benson) y otros más.

Miles Davis debería haber pasado por Verve; curiosamente no lo hizo. Verve tiene un catálogo interesante en www.verveinteractive.com

Esto Es Lo Que Hay

The Venezuelan Zinga Son Vol. 1

(Gozadera/ Luaka Bop, 2004)

LOS AMIGOS INVISIBLES

Ya no sé qué mas decir de esta banda. Que los he visto cinco veces (hasta Julio del 2004,) que la primera vez que los ví fue en el Conga Room de Jennifer Lopez en Los Angeles y que aquella ocasión quedó registrada en el review de Arepa 3000: A Venezuelan Journey Into Space (Gozadera/ Luaka Bop, 2000). En fin, este ha sido y es el grupo más importante en los círculos musicales de CacaoRock desde fines del 2000, con justa razón. Los Amigos Invisibles son los músicos más cohesionados e interesantes de la década. Lo más probable es que este disco vaya al grammy Latino y, de ganarlo, esta banda siga promocionandose a paso lento pero seguro.

Este disco les tomó tiempo, no solo el grabarlo sino el lanzarlo al mercado. Primero apareció un single en el 2002, "Bruja," que es una mezcla entre misa negra y danzón. Un ritmo afro latino que se acerca al afrobeat, una guitarra hechizada que nos hace recordar a Carlos Santana, y en medio, un corto poema sobre la obsesión de un hombre por una mujer. Lo interesante del single, comercialmente hablando, fue su temprana aparición en el mercado (mediados del 2002), ya que fue producido por los Masters At Work y lanzado inmediatamente en el sello discográfico de éstos.

A inicios del 2003 ya estaba a la venta el segundo single del álbum, "Ease Your Mind," cover del grupo escocés Touchdown. Otro número funky con congas para hacer bailar hasta las sillas. Mientras tanto, Los Amigos Invisibles no lograban terminar el disco y lanzarlo en un tiempo prudente -ya eran tres años desde Arepa 3000 y la audiencia podría empezar a desencantarse-. Lograron lanzarlo en Europa bajo el sello Long Lost Brother (propiedad de Jay Kay, el cantante de Jamiroquai) y tuvo excelente respuesta de crítica y una moderada audiencia -aunque continúa creciendo, afortunadamente-. Recién en Mayo del 2004, Luaka Bop, el sello que los representa en Estados Unidos, lanza el album al mercado, con distribución de la BMG, y no de la Warner Brothers. ¿Quizás la demora haya tenido que ver con la mudanza de una distribuidora a otra por parte de Luaka Bop? Es un misterio que ya no nos aqueja, puesto que Venezuelan Zinga Son Vol. 1 ya está sonando en muchos equipos de sonido, con resultados movedizos, telúricos y en algunos casos devastadores.

"Rico Pa Gozá," pista de ocho segundos, presenta la suite bailable que al principio nos traslada a una playa de Venezuela, al atardecer. "Comodón Johnson" es cien por ciento lounge music, que sirve como prólogo para lo que se viene, aproximadamente una hora de puro meneo. "Una Disco Llena (de culos)" contiene aquel estilo de los Amigos que quedó definido en Arepa 3000, pero la producción de Masters At Work refuerza la sección percusiva dándole mayor claridad en los agudos. Síncopes con la guitarra eléctrica en la canción "Venezuelan Zinga Son," variación instrumental de la "Disco Llena," nos dan a entender que se ha pasado de una pista a otra en el CD. Llega "Playa Azul," bossanova venezolana que mantiene la fiesta activa, para luego acelerarla con "Ease Your Mind," cover del grupo escocés Touchdown. Disco y Acid Jazz con una canción pegada a ésta llamada "Gerundio" en donde sale a relucir el estilo percusivo de la producción de Masters At Work. Para este punto, el oyente no ha dejado de bailar o imaginar que lo está haciendo.

Si Zinga Son fuera la pelicula Pearl Harbor, la cancion "Esto Es Lo Que Hay" sería la escena de la bomba que cae del avión japonés y destruye el U.S.S. Arizona. Una salsa dura, bien hecha, con clichés aplicados a propósito -como aquel órgano que nos hace recordar a las fiestas de barrio en sudamérica- y una letra sobre un romance al mejor estilo de "La Dama y el Vagabundo." A partir de esta salsa, el disco ya se corona como un clásico. Vendrá luego "Majunche" y "Mambo Chimbo," parte lounge, parte Xavier Cougat y sus potentes merengues. Dimitri From Paris produce "Diablo," un número disco-funk discotequero específicamente diseñado para mover las caderas.

"Bruja," el primer single, cierra el disco. Lo único que nos queda después de oirlo es un silencio sepulcral y un deseo irrefrenable de escucharlo de nuevo. Los Amigos Invisibles han logrado superar expectativas. Se trata del CD del año, y la razón por la cual nuevos artistas deben de seguir siendo considerados por páginas web como ésta.

Singles claves: "Bruja," "Ease Your Mind," "Esto Es Lo Que Hay."

Más AI:

The New Sound Of The Venezuelan Gozadera (Luaka Bop, 1998): This is how they were introduced to the world. Key Track: Backdoor love tribute "El Disco Anal"

Arepa 3000 - A Venezuelan Journey Into Space (Luaka Bop, 2000): Winner of
2001. See link, really.

Edicion Norteamericana y Venezolana del CD. La venezolana se cierra con "Gorditas De Mario"

Ummagumma

Ummagumma

(EMI/Harvest, 1969)
PINK FLOYD

La única cosa que se puede hacer después de oir por primera vez un disco como este es reflexionar sobre la naturaleza del universo y si Einstein y Sagan tenían razón. Podemos pensar que el mundo sufre una polución auditiva más fuerte que la ambiental, también. Podemos pensar en que Syd Barrett era de otro mundo y tuvo que irse de Pink Floyd por motivos naturales. Ummagumma es un álbum conceptual que gira sobre los talentos de los cuatro miembros de Pink Floyd que luchan por mantener la filosofía de Syd: Ácido y Espacio. Barrett ya se había ido, deshauciado y con muchas neuronas menos, y David Gilmour lo reemplazaría eficientemente durante casi treinta años. Para homenajearlo por primera vez -casi todos los álbumes de Pink Floyd son un tributo para él-, inician el disco en vivo con Astronomy Domine y la fiesta sicodélica empieza a marchar a pasos agigantados. La banda estalla con A Saucerful Of Secrets y Careful With That Axe, Eugene y Roger Waters grita a más no poder. Tranquiliza sus cuerdas vocales con Set The Controls For The Heart Of The Sun y crea la atmósfera más islámica y mística que cualquier agrupación músical no perteneciente al medio oriente haya logrado. El baterista Nick Mason hace una actuación de lujo con sus baquetas "especiales", y Rick Wright inunda los surcos con efectos electrónicos verdaderamente poderosos. De más está decir que es el mejor tema del álbum.

En el segundo disco, cada uno de los integrantes tiene medio lado para hacer lo que le dé la gana: Wright presenta Sysyphus, un monstruoso atonal que puede volver loco a cualquiera al intentar sacar sonidos de las cuerdas del piano. Waters canta una canción campestre y realiza su primera locura mayor con un tema -es un decir- llamado Several Species of Small Furry Animals Gathered Together In a Cave and Grooving With a Pict, donde un montón de animales pequeños de piel reunidos..., bueno, chillan y chillan y Waters atina a decir n veces "I´m Back, I´m Here". Algunos exagerados de la iglesia católica y anglicana la consideraron satánica por creer que era un canto a Lucifer, pero a quién le importa: es solo una payasada, aunque no muy graciosa.

Ummagumma y The Wall pasarán a la historia como los dos álbumes dobles de Pink Floyd aparecidos durante la trancisión de una década a otra. Ummagumma presentó a los setentas con mucha sicodelia, que no aguantó mucho y se volvió monótona, y The Wall introdujo a Pink Floyd en los ochentas, su última década útil, mostrando una fuerte protesta social y sicológica ante la falta de sensibilidad de los jóvenes. Analizando ambos discos, siempre Ummagumma será más creativo que The Wall, ya que este último es, para algunos, una copia escandalosa de Tommy de The Who (Decca, 1969).

Taming Of The Cool

The Complete Ultra-Lounge Series

(Capitol, 1996, 1997)

VARIOUS ARTISTS (The Ultralounge Series)

We knew that we had to add this collection to the list. One of the best things of the music that you will find in the Ultra-Lounge collection is the ability of travelling thru space and time. Specifically, you'll go to Las Vegas, Nevada and you'll get there any time between 1950 and 1963.

It was a good period of time, if you compare to these days (April 2003). The Rat Pack, Louis Prima, Julie London... and of course the amazing sounds of the South Pacific Islands brought by the U.S. soldiers who fought in World War II: Les Baxter and Martin Denny are the first musicians who come to mind. The cocktail had been mixing with the new sounds that Jazz brought after the Be-bop climax. It would be a mixture of Big Band Swing, exotic sounds from far away lands and sci-fi movie sound effects. Add the fact that there were a lot of swingers, bachelors and happy people ready to love and be loved all around the western world and the drink was served. They called it Lounge. For some listeners, it can be the cheesiest music ever recorded. For some others, the perfect soundtrack for luxury, sin, fun, sex, beautiful and sophisticated girls and boys, one-night stands, gambling... "swingin'" in general.

Capitol Records had a lot of lounge artists under its wings. Later, when they started distributing labels like Blue Note, Scamp and Liberty, they could have thought considering to make this big collection. It was no problem to look after lounge material. They had enough tracks to make 25 CDs plenty of relaxing sounds, snappy vocals, space escapades and latin rhythms with mellow melodies. Polinesian melodies, Puerto Rican - New Yorker mambo rhythms, Early TV themes, crooner action and overheated hammond organs are combined and separated in 18 volumes; each one with a different theme. The compiler was Brad Benedict. Wayne Watkins was the executive producer. Praise to them! Capitol has been releasing collections of its artists frequently. there is Capitol Collector's Series (1989), Great Gentlemen Of Song (1995), and Classic Masters (2003); this last one dedicated to the label's rock section. Just as Ultra-Lounge, they are excellent ways to get introduced to these hard working and talented artists.

This is a testament of the good old days. When everything was easier and, of course, there were few TV channels, no internet, and the average human being listened to the radio more hours a day. This collection is full of nostalgia as the liner notes in each CD tell us what happened with the world during those cool years, before Rock and Roll, before Vietnam, and before social revolutions.

Escapism during stress times? Well, that's what the TV news would say about this collection now. It is escapism, magic, and specially it's a collection about freedom and imagination. It's not bad at all. Your brain will be completely seduced.

This is the Ultra-Lounge Collection:

Volume 1: Mondo Exotica

Volume 2: Mambo Fever

Volume 3: Space Capades

Volume 4: Bachelor Pad Royale

Volume 5: Wild, Cool & Swingin'

Volume 6: Rhapsodesia

Volume 7: Crime Scene

Volume 8: Cocktail Capers

Volume 9: Cha Cha De Amor

Volume 10: A Bachelor In Paris

Volume 11: Organs In Orbit

Volume 12: Saxophobia

Volume 13: TV Town

Volume 14: Bossa Novaville

Volume 15: Wild, Cool And Swingin' Too!

Volume 16: Mondo Hollywood

Volume 17: Bongo Land

Volume 18: Bottoms Up!

More Ultra-Lounge Releases (not numbered):

Vegas Baby!

Tiki Sampler

Leopard Skin Fuzzy Sampler

On The Rocks, Part One

On The Rocks, Part Two

Christmas Cocktails, Part One

Christmas Cocktails, Part Two

Visit the Ultra-Lounge website! http://www.ultralounge.com/ for
more information.

Further Listening:

Capitol Collector's Series: The first big collection of Capitol's main artists.
Frank Sinatra, Dean Martin, Louis Prima and, believe it or not, Grand Funk
Railroad!

Spotlight On: Great Gentlemen of Song: Mel Tormé, Bobby Darin and others make the microphones sizzle. Nat King Cole delivers.

Verve Jazz Masters (Verve, 1994, 1995) : if you thought Ultra-Lounge was cool wait till you get introduced to un-distilled and live jazz.

2vN

Two Against Nature (Giant, 2000)

STEELY DAN

Steely Dan es en mi modesta opinión la asociación musical más perfecta e interesante desde Los Beatles. Siete álbumes entre 1972 y 1980, cincuenta millones de discos vendidos en total, un retorno triunfal a los escenarios en 1993, luego de 19 años sin haber tocado en vivo como tal asociación. En 1995, un álbum en vivo de aquella gira, Alive In America (Giant, 1995) -francamente malo y pobre, seamos honesttos-, es un total fracaso en ventas; pero ellos no se rindieron y a partir de 1996 empezaron a pensar en los bozquejos de lo que sería el disco que estamos comentando ahora. Un disco grabado perfectamente -como siempre lo han hecho- y mejor publicitado que las últimas producciones de Becker y Fagen; lo cual ha hecho que llegue al top 20 de Billboard en álbumes, y genere buenos comentarios de las diversas revistas "especializadas" en música popular.

Hemos encontrado un disco muy agradable, y con muchas reminiscencias musicales a aquel álbum conceptual maravilloso de Donald Fagen llamado Kamakiriad. Los parecidos se deben principalmente a la sección de vientos y al trabajo de la guitarra de Walter Becker, quien tiene unos solos y riffs bastante característicos. Donald está recurriendo, como siempre, a su falsetto nasal y a su sintetizador portátil. Experimentaciones e ideas nuevas en este disco no vamos a encontrar. Música de primer nivel, como la que siempre nos ha dado el dúo, si. Las estaciones de Jazz en Estados Unidos ya lo están presentando y está teniendo buena respuesta de los oyentes. El primer single, "Cousin Dupree" se puede escuchar en algunas emisoras de rock aquí en Lima. Warner Brothers y su división Giant Records han hecho un buen trabajo de promoción.

Pero una cosa es la promoción del disco y otra cosa es lo que escuchamos al tocarlo. Éramos escépticos a lo que una banda podía sacar de bueno veinte años después de su últimaproducción, Gaucho (para nosotros su obra maestra). Y nos hemos encontrado con un disco muy ameno,
con mucho ritmo y con arreglos de viento dignos de la mejor época de metales de Dan, Aja y Gaucho.

Letras sobre obsesiones con chicas menores, chicas mayores, sexo en grupo, drogas... etcétera; aunque "Almost Gothic" es un tema muy romántico, a mi parecer. Dicho tema una extensión de las ideas de Kamakiriad, trata sobre una mujer que basa la felicidad de la relación en el dolor de la otra persona y en la manipulación de éste. Algo que personalmente a mí me encanta es la alegoría a los veranos fríos, a los repentinos cambios de estado de ánimo de las mujeres, a las manías y las obsesiones de la gente común y silvestre que, de pronto, son especiales y únicas. Revisar "Countermoon", del Kamakiriad.

"Cousin Dupree" es sobre un romance entre primo y prima. El primo Dup no ve a la prima desde que tenían tres años y la encuentra más buena que el pan, tan buena que le causa dolor (all I can said was ouch!). Ella se da cuenta de su interés y de arranque lo manda a rodar haciénlole preguntar: "¿qué es exactamente lo que no te excita de mí?". Que alguien tire la primera piedra en lo que se refiere a romances interfamiliares.

El álbum se cierra con "West Of Hollywood", de ocho minutos de duración. Es la canción más larga en estudio jamás grabada por Steely Dan. Two Against Nature podría ser un álbum conceptual sobre la decadencia moral de la sociedad estadounidense. Quizás todos sus álbumes sean referentes a esto, ya que sus letras son bastante complicadas de entender y no se captan a
la primera -Fagen es master en Literatura-; pero nos hace ver que nuestros problemas no son ni grandes ni pequeños; simplemente son. Es más, quizás ni sean problemas al fin y al cabo. Sólo son experiencias.

Como dijimos, el disco está recibiendo buenas críticas de los medios escritos; se espera un lanzamiento en video de las sesiones de grabación -al fin podremos ver cómo graban estos degenerados- y hay un gran tour por los Estados Unidos que promete, de seguro, un álbum en vivo mucho mejor que el pobre Alive In America (Giant, 1995). Es un gusto para nosotros, fanáticos de Steely Dan hasta la muerte, ver que ellos no han muerto y se siguen manteniendo con las mismas canciones sobre perversión, decadencia, falta de moral y crisis de identidad que nos ponen de tan buen humor. Esperemos que sigan sacando más discos como éste.

XBlax

Transistor Blast

(Cooking Vinyl/TVT Records, 1998)

XTC

Paciencia es una palabra de uso frecuente en la relación entre el grupo británico XTC y sus fanáticos. No sólo porque en más de 20 años ha ofrecido apenas una decena de álbumes originales (suma que exime los discos recopilatorios), sino porque la banda -con algunos desacuerdos que han propiciado la salidad de integrantes- se niega a participar de los principios básicos que deben regir la existencia de todo rock and roll star. Es decir, XTC no anda de gira, no fatiga los charts de discos sencillos, apenas si se deja seducir por el video-clip, sus miembros no tienen madera de clowns ni de mesías y su música -abundante en agudos filos de barroco pop y letras agridulces- exige una condición inusual en estos días: ser escuchada, no oída.

Tal antigregaria naturaleza provocó que a mediados de esta década XTC se lanzara, en palabras de Andy Patridge, a "una huelga de cuatro años" para quitarse de encima a la compañía discográfica Virgin, que, desinteresada en la banda, estaba arruinándola con lenonas cláusulas contractuales, tratando de que se dejara de exquisiteces y entrara de una vez al redil del Top Ten.

Pero la felicidad no llegó con el fin de esa relación que duró 20 años. En el último tramo del litigio, Partridge se divorció, lo que -del lado bueno- le provocó prolijo periodo de escritura, el guitarrista Dave Gregory (que había sustituido al efectivo y efectista Barry Andrews, cuando éste se marchó a otro lado con sus teclados de juguete en 1979) se cansó de la reclusión y de estar tocando material ajeno por lo que también dijo adiós y, como la cereza del pastel, Chris Difford, compositor y guitarrista de Squeeze, le prestó a XTC su estudio de grabación -sin límite de tiempo- para que allí se grabara un nuevo álbum y poco después, cobrándose a lo chino, les robó las cintas.

A otra pareja de músicos sucesos semejantes la habrían puesto al borde del truene, o por lo menos del diván del psicoanalista. Pero XTC es más fuerte, no porque detrás de su imagen de caballeros de Swindon se oculte un Mr. Hyde, sino porque sencillamente Partridge y Moulding ya están curtidos (el espacio es insuficiente, pero la historia negra de XTC registra álgidos momentos durante la grabación de Skylarking, de 1986, donde Todd Rungren, productor, y el autor de When You´re Near Me I Have Difficulty se evitaban en el estudio; o bien la deserción del baterista Terry Chambers, convencido de que sus compañeros de grupo nunca lo iban a ser de sus farras cerveceras).

Es así que allanando el terreno para un glorioso, acústico y orquestal retorno con Apple Venus, Volume I (Cooking Vinyl/TVT Records), que en las tiendas estará el 23 de febrero, XTC ha lanzado al mercado un documental histórico ("o histérico", Partridge dixit) que permite conocer el sonido en directo de la banda: Transistor Blast. The Best of the BBC Sessions (Cooking Vinyl/TVT Records), discreta y original cajita con forma de radio de transistores que alberga cuatro álbumes que exhiben el crecimiento de XTC en seis años de giras - 1977-1982- , así como de presentaciones grabadas ante auditorios conformados por ingenieros de sonido y algún locutor (privilegios que da la vida).

La discografía oficial de XTC no había recogido más que un puñado de temas en vivo como lados B de algunos sencillos, y en hoy inencontrables álbumes grabados en albores de la new wave (sin contar los casi clandestinos BBC Radio One Live in Concert [Windsong, 1992] y Drums and Wireless), por lo que Transistor Blast cubre esa carencia no con carácter cronológico pero sí con un vigor excitante: hay que escuchar en el disco 1978/79 Live in Concert Recordings la interacción entre la batería de Chambers y los extrañísimos teclados de Andrews con la voz crispada de Moulding en Crosswires; la temeridad de Partridge en el solo de guitarra en I"ll set myself on Fire, su disléxica deconstrucción a All Along the Watchtower (de papá Dylan)... y todo esto cuando XTC apenas tenía 15 meses de haberse integrado.

Con el tiempo, igual que le sucedió a The Beatles, el vigor juvenil se bifurcó en dos tendencias bien advertibles: de un lado, la sátira, la burla tendida en un terreno con torcidos y funcionales cimientos rítmicos (a cargo de Partridge), y del otro una pastoral contemplación de la condición humana (bajo la resposabilidad de Moulding). Quién sabe si los elementos individuales serían más valiosos que su adición, pero lo cierto es que ésta ha funcionado de maravilla: el equilibrio de XTC ha producido discos que no se pueden desasociar de la historia del rock más inteligente y acercarse entonces a los dos discos de Studio Sessiones, deja entrever que a diferencia de los fab four, XTC ha construido discos en estudio no con artilugios tecnológicos, sino artesanales. En esta caso, el registro va de 1977 a 1989, es decir: de White Music a Oranges & Lemons, y no hay baches en el sonido: el grupo acomete con fervor poseso lo mismo algunos de sus grandes éxitos (si es que tal término se puede aplicar en la vida XTC) como Life Begins at the Top, The Meeting Place, Ten Feet Tall, Respectable Street, This is Pop y Making Plans for Nigel, que otras deliciosas piezas que nunca fueron vox populi: Beatown, Radio´s in Motion, Neon Shuffle, Newtown Animal in a Furnished Cage y la elíptica Roads Girdle the Globe. Live in Concert Hammersmith Palais 22.12.80, en tanto, permite recuperar el BBC Radio One Live in Concert, cuando ya el grupo no era abridor sino estelar y su auditorio conocía las canciones y hasta las coreaba con plausible furor.

El último disco de XTC en estudio - Nonsuch- apareció hace siete años. El periodo de silencio se romperá el próximo 23, y ciertamente los admiradores de la banda no necesitábamos que alguien nos recordara lo grandiosa que ésta ha sido, pero no se puede negar que Transistor Blast es una magnífica oportunidad para darle sentido a la memoria.

Jesús Quinteros, México D.F., Marzo de 1999