A New Day For You

Time And Tide (Epic, 1987)
BASIA

Alright then, before I go telling you, as usual, how good this album is, you need to hear this woman, at least via YouTube:

We mentioned before that Basia has an angel's voice. That voice is as good today as it was in 1987, when Time And Tide came out. Two years earlier, Basia left the Matt Bianco group along with her bandmate -and then boyfriend- Danny White and went to pursue a solo career. That was a very bold move for the splendid female singer after just one album with the band -which continued as a good act led by the sole survivor founder, Mark Reilly- to jump into a pool that might have been empty. But she was so good and innovative her success was assured. Also, her fan base was growing dramatically, waiting to hear something fresh from her.

Basia Trzetrzelewska, a Polish immigrant to the U.K., had her story told in an enhanced and suggestive way in the masterpiece Whose Side Are You On (WEA, 1984) by Matt Bianco. She jumped the Iron Fence for better pastures in the British Shire and sunny beaches in the United States. A few years after this adventure, she's settled in the land of the free to keep singing, and her voice is warmer, smoother and comforting. She has a record deal with Epic (now Sony/BMG) and her first solo album, Time And Tide presents Basia on the spotlight, and having her way completely, although there's almost no difference in style between this album and Matt Bianco's; just a smoother, calmer theme in the lyrics, no spy and sneaky stories and no instrumentals.

It's an excellent pop album about love.

Some music purists criticize Basia for her crossover-ness, mixing pop, jazz and bossanova rhythms in a reckless way that might affect her final score in Billboard... "it sounds too Pop" some might say, or "that isn't real Brazilian." Categorizations here are useless. Just play her melancholic tribute to Mrs. Gilberto, "Astrud" to a Brazilian national and he or she will love the contrast between her contralto voice and the baritone saxophone's seductive triads. "From Now On's" acoustic guitar will make that Brazilian listener shed a tear and then a miracle will occur: East Europe's vocal tradition will blend along with South America's poly-rhythms in a honest musical polinization. It was an East-West crossover, successfully made the same way 25 years earlier when Charlie Byrd and Stan Getz recorded Jazz Samba and introduced the Bossa Nova to American listeners who wanted to hear something different than the Beatles. Both Basia and White are big fans of "The Sound" Getz.

It's useless to resist pop music of this level when the production balances instruments so well it never becomes dull or boring. There are a lot of synthesizers but not on a single moment they overcrowd the speakers, and there are saxophones and trumpets but you won't feel like you're listening a lame Smooth Jazz station. "Moderation, Basia" said her mother and seems like she learned the lesson in the swinging "Miles Away" (whose finger-snaps and tempo suggest a tribute to Miles Davis) and the funked-up "Prime Time TV." Her high pitched voice dominates over the instruments in the final mix and she's directly loud and clear. Her intense vocal chords, without that annoying vibrato, are the primal musical instrument, and the saxes, bouncing synth basses and horns are her faithful sidekicks. Pretty much like Snow White and her dwarfs.

Most of the time we remember her voice double-tracked on the choruses, but when she blasts those fragile longings as in "Promises" and "Time And Tide," we realize she represents the everyday honest woman who wants something more in life other than health, money and love.

Consider me a Basia fan. No matter what they say.

Shine On

Wish You Were Here

(Columbia, 1975)

PINK FLOYD

Dear Wish:



With so much Dark Side Of The Moon and The Wall being written on “greatest Rock and Roll records ever made” lists and being considered the best material Pink Floyd ever recorded, it is kind of rare to find an honest review about you: A cosmic, adorable, passionate collection of tunes about the fall of a poet, the late Syd Barrett, founder of the group. After all you are just a postcard of bittersweet memories and hopes for the future, and they called you Wish You Were Here.



Piano player Rick Wright, who also left us, called you his "favorite Pink Floyd album". He was on top form playing your haunting calls and he mentioned he felt unusually comfortable with you. As you have it in your grooves, tension was high between him and the rest of the band; Guitarist David Gilmour, drummer Nick Mason and Bass player and lyricist Roger Waters. You could cut the stress with a knife but nevertheless, they managed to produce you in 7 months: A rock masterpiece about alienation of an individual and how sometimes the music industry treats musicians like disposable plastic.

You were born as a beautiful and coherent set of five tunes so well intertwined it's impossible to separate them now with “tracks” on a Compact Disc, or even when FM radio plays your title track by itself. you want to listen to some more, to continue the path these guys are taking



For once, Pink Floyd understood the earthiness of the listener and connected with them on an emotional level. Sadly, they wouldn't be able to do it again since a Wall started to being built between Roger Waters and the rest of the band and between the band and the audience who was also changing and growing apart. You sang about the wall Syd Barrett was behind and how his friends missed him. With "Shine On You Crazy Diamond" you put us in the studio while the four members were looking at a completely bald –including eyebrows shaved-, spaced out Syd holding a burning cigarette and looking at the soundproof glass, or at the infinite. With your plea for recovery, return to the arts, and even male bonding, "Shine On You Crazy Diamond" held you together from beginning to end.



You brought us two surprises in a minor key about how show business de-personalizes the individual: "Welcome To The Machine" is dedicated to Syd by the band: "where have you been, it's all right, we know where you've been, we told you what to dream..." "Have A Cigar" is sung by a record company executive (Pink Floyd even invited Roy Harper to sing the lead vocals so the differentiation would be complete) who doesn't have a clue about the band member's personal lives: "The Band Is Just Fantastic, that's really what I think... oh, by the way, Which One's Pink?" Lyricist Waters was angry at the music industry of the seventies -he didn't know what was coming up, obviously-, but at least he had three friends to support and back him up. You know he later turned his frustration and anger to them during the making of Animals and The Wall.



When your title song arrives it goes softly on us, like a country song. Your line "We're just two lost souls swimming in a fish bowl, year after year" is not just about Syd and the others but about us listeners and the rest of the World. It’s about how circumstances and our own alienation turn friends into acquaintances and later into plaintiffs and defendants. The nostalgia you cast then becomes tense calm when "Shine On" is reprised with a pounding bass and synthesizers being more haunting than the beginning. Gilmour then plays the solo of his life, a defining moment on his career. Then you make the last call to Barrett's senses, and with the help of Rick you finish the postcard with an instrumental paraphrase of Syd’s poem "See Emily Play;" the complete, round tribute to a long, lost friend.



I miss Rick and Syd and I feel you’re there to give me some consolation and hope for the future. Thank you, Wish. If someone asks me what rock album everyone should have in their collection, you are the one. Darky and The Wall can wait.

Al menos, las semillas serán sembradas

the seeds of love

(Fontana, 1989)

TEARS FOR FEARS

21 años después, la obra maestra que cerraba la década de los ochenta recibe el tratamiento "box". Pop británico perfecto y ameno.

fue como un chorro de agua fría para nuestra sensibilidad dormida. Puede ser considerado por algunos como un álbum de protesta, pero más que nada es un disco sobre amor incondicional. Algo difícil de encontrar por estos días de libre mercado, recesión y capitalismo salvaje. En los tiempos del acero y de la presión del desempleo, es bueno recordar a los Tears For Fears cuando dicen que el amor es el arma más fuerte. ¿Por qué? Porque el odio y la indiferencia no logran nada.

La década de los ochenta no fue socialmente líricamente muy creativa que digamos -es decir, el mercado no prestó mucha atención a los temas sociales, salvo dignas excepciones- y relativamente todo fue entretenido y romántico, pero sin sustancia política.

1989 incluyó una revolución bastante drástica en el mundo: el muro de Berlín se derrumbó y se convirtió en una larga tienda de desmonte, el bloque comunista de Europa del Este se disolvió, Gorbachev mandó a la Unión Soviética a los libros de historia, y en Inglaterra Margaret Tatcher se disponía a dejar el cargo de Primera Ministro. Roland Orzábal se sintió iluminado por Los Beatles y por la parafernalia colorida hippie de los sesentas -especialmente 1967- y enfiló su guitarra para entrar de lleno en el problema más grande del mundo: la carencia de amor entre la gente. Lo innovador del análisis es que Orzábal considera a este problema como un problema político.

El álbum empieza con un comentario sobre mujeres atadas a hombres que se olvidaron de seguir enamorándolas; pero siguen con ellas porque, bueno, estar solo para un hombre puede ser lo peor del mundo. "Woman In Chains" es el primer llamado de atención a la mujer para que evite la resignación de las cicatrices del alma por una relación larga y monótona. No necesariamente hablamos de relaciones difíciles, de golpes ni de gritos. Es la monotonía la que se acusa aquí, en una especie de diálogo entre ambos sexos. La voz maravillosa de Oleta Adams dice Calls her man the Great White Hope... Says she´s fine, She´ll always cope... Woman In Chains... La garganta de Orzabal contesta: Well I feel deep in your heart there are wounds Time can´t heal. Es decir, la parte masculina del asunto se da cuenta que el corazón de una mujer es un enorme libro lleno de secretos, y para leerlo hay que tener bastante paciencia -y saber ceder y contar hasta 10, como dice mi abuelo-. El final es bellísimo: So free her ... es cantada ad lib to fade por Oleta, Roland y Curt Smith. En un momento, Orzabal murmura: the sun and the moon...

A partir de este momento, la lírica que se oirá será valiente, directa y orgullosa; pero en ningún momento triste. "Badman's Song" está dedicada a los chicos del cuarto del hotel 628, quienes eran los músicos y roadies de Smith y Orzábal. Este último escuchó la conversación entre ellos en la cual lo criticaban duramente. Estaba en shock y furioso. Pero de pronto, decidió perdonarlos y decirles en la funda del disco, todo está perdonado. "Badman's Song" Dura poco más de ocho minutos con interludios de piano y batería a cargo de Oleta Adams y de Manu Katché, respectivamente. Orzábal usa su sentido común y sus intenciones de paz, pero siempre parado firme y valiente contra los agresores.

Orzábal quizo expandir más sus horizontes líricos y no dar puntada sin hilo. Estaba harto del cargo de la Tatcher ocupando el puesto de primer ministro británico y escribió inspirado una canción sobre... el amor: "Sowing The Seeds Of Love" tiene un cierto parecido a "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles . En una parte se hace referencia al gran músico Paul Weller - líder de Jam y Style Council- y Orzábal le pide que regrese a la palestra con la música de protesta de su primer grupo (...kick out the Style, bring back the Jam!). En verdad es más que nada un grito de despertar. Se cuestiona sobre todo el cinismo de las leyes y de los estatutos al afirmar la existencia de libertad de expresión cuando no hay nada de qué protestar. El lado A del vinilo se cierra con "Advice for the Young at Heart", otro grito de advertencia a la juventud sobre lo terrible que puede ser el tiempo como enemigo.

El lado B es más político, sutilmente hablando. "Standing at The Corner Of The Third World" y "Swords and Knives" se refieren indirectamente a la presión de organismos del norte -como el Banco Mundial y el FMI- a las pobres economías endeudadas del sur. Claro, que perdonen la deuda es fácil. Okey, no tienen que pagar más... ¿pero, volverán a prestar nuevamente? Un círculo vicioso del cual es difícil de salir para cualquier economía empobrecida -si los economistas del mundo no saben cómo salir del meollo, creo que menos lo va a saber Orzábal-.

"Year of The Knife" es la batalla en nombre de las causas justas y está dedicada a los jovenes que mueren en esas batallas, creyendo que lo que hacen está bien. No necesariamente serán miembros del IRA, pueden ser soldados de la patria, mineros de carbón, etcétera. I made my bed on love denied, now I ain´t gonna sleep tonight.

"Famous Last Words" cierra el conjunto de ocho canciones del alma y habla de la paz después de la guerra, del día después de la noche. Si de nada sirven las guerras, ¿servirá entonces una guerra en nombre del amor? La respuesta de Orzábal y compañía es si. Nadie muere en una guerra así.

The Seeds of Love tiene canciones con mucho contenido sentimental y político, que a la larga son la misma cosa. Hergé, el dibujante creador de Tin Tin, dijo que la única diferencia entre la gente de derecha e izquierda es que los primeros son pragmáticos, en cambio, los de izquierda son más idealistas. Bueno, después de 1989, esa fue la diferencia de las clases políticas en el mundo. Todas las economías son de mercado, así no lo parezcan, y los "derechos sociales" que reclamaban los socialistas ahora pueden ganarse, si es que los trabajadores aportan al Seguro Social, público o privado. ¿Quieres celeste? Que te cueste.

Tuvo que derramarse tanta sangre sobre Europa, América y Asia para que recién nos demos cuenta que la violencia, la indiferencia y la injusticia no son la solución. ¿Por qué nos demoramos tanto? Porque siempre creemos que somos el centro del universo, y que nuestros problemas son los únicos que interesan, mas no los de los demás; pero cada uno tiene que ponerse las pilas y matar sus propias pulgas antes de matar las pulgas de otros. Totalmente cierto. Además, The Seeds of Love es una denuncia a la falta de valores morales de la gente; eso es clarísimo. Fue una llamada de atención que, al parecer, el mundo atendió a medias. Aún queda mucho por hacer, y sería bueno ir haciéndolo, ya que esperar la intervención divina para solucionar nuestros problemas no nos ayudará en nada, puesto que no llegará.

Este LP es de lejos el mejor disco de 1989; año del redescubrimiento de los sesentas y de la psicodelia. Uno de los más influyentes en los grupos de rock alternativo de inicios de los noventa y, por todo lo anteriormente comentado, galardonado con el premio a la perfección de CacaoRock.

Fuerte, Fuerte, Fuerte

Tutto Carrà (Sony Music, 1999)

RAFFAELLA CARRÀ

Raffaella Carrà es la mujer perfecta de la música popular europea. Es imposible pensar en otra, al menos para mi que la conozco desde que estoy en este mundo. Mi abuelo italiano la adoraba y tenía uno que otro cassette de ella. Quizás los LPs desaparecieron gracias a la mano negra de mi abuela porque, en verdad, la artista es despampanante y una portada bastaba para derretir a cualquier hombre. Mi abuelo sabía, al igual que yo lo sé ahora, que Raffaella Carrà es la cantante más atractiva y talentosa que ha habido. Una fuente de entretenimiento de esas que sólo se dan una vez en la vida, y es tan única que es imposible compararla con alguna otra cantante contemporánea, sea de Italia, Francia, España o Latinoamérica.

Curiosamente los gays adoran a la Carrà, y digo curiosamente porque ella tiene un sex appeal para el hombre heterosexual mucho más intenso. Quizás fueron las actuaciones con bailarines masculinos netamente queer o las letras feministas de doble sentido que escandalizaron a la homofóbica dictadura militar de Argentina, pero la verdad es que Raffaella conectó con la comunidad gay enclosetada y le dio una cierta identidad. La feminidad de Carrà es intensa, agresiva y muy viva, y eso siempre representó un desafío para el status quo masculino. Esta mujer es una diosa de esas que pasan por la vida muy raras veces... y ahora que me pongo a pensar, es probable que ella sea una de las primeras que cantó a grito pelado, y en varios idiomas, el clamor de liberación sexual de la mujer occidental. No se me viene a la mente otra cantante, por el momento.

Tal como David Bowie, Raffaella Carrà tiene una tendencia a cambiar, a mutar en el escenario y a asimilar diferentes personalidades cual Zelig. Puede ser una santa en una sesión fotográfica y en un show de TV convertirse en una dominatrix capaz de romperte el corazón y dejar una deuda de 3,000 euros en nuestra tarjeta de crédito. A veces es la chica más bella de la escuela y luego de uno o dos temas es una extraterrestre. Quien esté casado con Raffaella Carrá, es el hombre más afortunado del Mediterráneo.

Como decía, Carrà representa a la perfección a la mujer artista Europea de los sesentas y setentas, evolucionando de la inocencia pre-hippie hacia el hastío post-moderno de la plástica década del ochenta. En Italia no tuvo el éxito esperado y tuvo que emigrar a España, donde grabó discos en la lengua de Cervantes con un acento goloso, elegante y perturbador. Ella era la chica con la que todos querían salir a bailar. Y ella quería bailar con todos. Tenía una canción llamada "Pedro" en donde describía un caso muy común de turismo sexual: la típica extranjera (casada) que en un viaje a la Argentina se "levanta" un guía turístico mucho menor que ella y éste le hace ver "todo menos Santa Fé". "Pedro" no está en la colección Tutto Carrà, pero la pinta de cuerpo entero; o al menos la fantasía que tenemos de ella.


“Felicità”, otro ejemplo frívolo, no tiene un ápice de melancolía ni amargura. Es fiesta, pachanga, jarana, orgía, alcohol, individualismo, Rock and Roll en 2/2. Todo eso juntado en tres o cuatro minutos a toda velocidad. El funk melódico –ácido jazzídico– del “Drin Drin” puede recordarnos a Donna Summer y a Giorgio Moroder, aunque sea producido por el novio de la Carrà de aquel entonces. Es de 1979, año del fin de la música Disco como tal.


Pero la Carrà también tiene su fuerte en la balada y puede llegar a desgarrarse por un amor no correspondido: “Io Non Vivo Senza Te” asombra por la intensidad con que Raffaella llora por la leche derramada. Mi pregunta es, ¿alguien en este mundo es capaz de romper con la mujer más completa de Italia? Imposible. Ella es una mujer intensa, que ama la vida y la aprovecha a cada instante y en todo aspecto; siendo prueba de ello el dinamismo de “Forte Forte Forte,” su single más logrado.

Italia le debe mucho a ella y el mundo aún no la ha descubierto del todo. Los que pasamos los treinta la recordamos, la vivimos, y deseamos ver y oir más de ella. Yo personalmente la prefiero cantando en Italiano y con ese inglés forzado y chillón como en "She's Looking Good." Después de verle las piernas, decimos indeed.

Gerardo Manuel: fue peruano y fue bueno.

Por lo menos tres generaciones de peruanos que escuchamos música le debemos algo, o mucho, a Gerardo Manuel, una persona que dedicó toda su vida adulta a promover, interpretar, o administrar música, con una predilección por artistas peruanos. Su muerte el cuatro de julio, día de la independencia de los Estados Unidos, es una especie de “corolario” ya que de dicho país proviene el rock and roll, la música que más le apasionaba.



La carrera de Gerardo empieza a temprana edad como integrante de los Shains y luego de los Doltons, para luego pasar por Pepper Smelter, Gerardo Manuel y el Humo, y Pax. Como solista interpretaba temas de rock populares adaptados al español, y la verdad que le quedaban bastante bien. Fue directivo de El Virrey y de la tienda de discos La Discoteca, donde alguna vez lo vi atender tras el mostrador. Pero nunca me atreví a hablar con él porque le tenía algo de miedo, ya que era una persona muy famosa y, bueno, intimidante por eso.



Pero su mayor éxito fue el programa de TV Disco Club, el sueño dorado de cualquier fanático de la música que busca difundirla: una hora, de lunes a viernes, en la que mostraba videos y conciertos de los artistas del momento. Desde 1978 y pasando por varios canales de TV, Disco Club creó un movimiento musical en el Perú gracias a que se transmitía a todo el territorio nacional a través del canal estatal. Gerardo Manuel presentaba artistas británicos, estadounidenses, canadienses y peruanos, manteniendo distancias con artistas, según él prefabricados, provenientes de las procesadoras de carne humana de México y Argentina (jamás lo vi promocionando a una banda azteca o gaucha). Él prefería darle voz a talento peruano que merecía llegar a la mayor cantidad de juventud posible. Al hacerlo, Gerardo también estaba dándole al rock peruano una identidad propia, algo muy difícil debido a que en general era una copia del rock argentino, que a la vez era una copia del rock anglosajón, que a la vez le robaba la música a los negros de forma descarada.



La partida de Gerardo, víctima del mal de Parkinson, deja huérfana a una gran cantidad de amantes del rock, para bien o para mal. Gerardo nos dijo qué escuchar y qué no. Nos hizo oír las campanas de libertad y tambores de guerra que traían las guitarras eléctricas y las baterías de fuera, contribuyendo a que se repliquen en el Perú.

Este bajista es la muerte.

Punk Jazz: The Jaco Pastorius Anthology

JACO PASTORIUS

Imagínese que usted es músico de jazz, bajista, y es considerado actualmente entre los mejores diez ejecutantes del mundo. Algunos incluso creen que usted es Dios encarnado en el instrumento. La crítica lo adora y el público se rinde ante usted en cada presentación. Usted es un hombre relativamente joven.

Un día, usted recibe una llamada telefónica de un amigo, el baterista Omar Hakim, informándole que la banda de jazz-fusión a la que recién el baterista se ha unido está necesitando un nuevo bajista, ya que el anterior ha tenido que dejarla. Hakim le dice que Joe Zawinful, tecladista y líder de la banda, lo invita para unirse a ella. La banda es Weather Report, el bajista saliente es Jaco Pastorius.

En resumen: imagínese que usted es el extraordinario bajista Marcus Miller. ¿Qué haría ante una propuesta así? Simplemente declinarla. Por esa banda acaba de pasar uno de los músicos más virtuosos y creativos de la era moderna, y cualquier cosa que Miller llegara a tocar en la banda será evaluada con lo que Pastorius dejó: un continuo y poético discurso de bajo eléctrico que embelleció todo lo que Weather Report grabó entre 1976 y 1981, sus años de mayor popularidad.

Miller se negó a que los oídos del público lo comparen con Pastorius de forma tan directa -aunque su influencia se puede sentir en lo que toca-, y al final Victor Bailey ocupó el puesto de Jaco en Weather Report. Imagino el horror de Marcus al ir pensando en lo que sería tener que asumir un puesto tan elevado, tan lleno de expectativas.

Aunque la historia de Miller puede que no sea cierta (no se sabe por qué declinó la propuesta en realidad), lo cierto es que Jaco Pastorius no era un muchacho "normal". Sufría de depresión bipolar y durante sus estados de depresión su creatividad surgía, como si lo forzara a hacer algo más grande que la suma de sus dedos e instrumento. De haber tenido una mente estable, quizás hubiera sido un baterista mediocre y se hubiera rendido apenas se fracturó la muñeca jugando al fútbol americano. Pero no, al recuperarse se encontró con el bajo eléctrico como fiel compañero y no lo dejaría nunca.

Experimentó con efectos, cuerdas de diversos materiales, grasas, posiciones y volúmenes. El sonido de su bajo, alterado, hacía recordar trompetas y violines. Encajaba perfectamente con cualquier baterista: a más virtuoso, mejor. Pareciera que se metía en la cabeza de los músicos y predecía sus siguientes movimientos. Si uno mira sus videos puede darse cuenta que sus ojos están como idos, mirando a la nada (quizás a la muerte). Pareciera que no le es difícil crear toda esa erupción sónica y que no necesita de concentración alguna. Un dominio imbatible del ritmo. Es algo más que talento: algo con lo que se nace. Lamentablemente, ese algo tenía un precio altísimo. Ese "algo" lo pudo haber llevado a su inesperado final. Ese "algo" se puede notar si uno mira directamente a los ojos de un genio.

Jaco colaboró con muchos músicos y cada disco en el que participaba se convertía en un objeto de admiración. Sin embargo, a más fama y dinero, mayores eran sus crisis psicológicas. No somos expertos, pero era obvio que el alcohol y las drogas convirtieron su depresión bipolar en una bomba de tiempo que fue detonada por la tremenda fama y arrogancia que absorbió. Como genio insuperable en composición, arreglos e interpretación, Pastorius creía que estaba por encima de los demás músicos. Su espiral hacia la muerte empezó en 1982, al caer de un balcón en Italia y fracturarse el brazo y el hombro izquierdo tan severamente que tuvo que colocársele una clavija de acero para que se recupere. La gran cantidad de medicamentos para el dolor, combinados con el alcohol y las drogas, aceleraron su deterioro mental. Buscaba pelea y las peleas lo buscaban a él. Murió el 21 de setiembre de 1987 producto de una hemorragia cerebral como consecuencia de una paliza propinada por un portero gorilón en el Midnight Bottle Club de Wilton Manors, Florida, diez días antes. Pastorius llegó al club buscando pelea y encontró la muerte; aunque quizás había estado buscando esta última por un buen rato.

El mundo se quedó sin poder ver a Pastorious poder hacer esto:

Al escuchar ese bajo magistral, el cual muestra sus mejores momentos en los CDs de la colección Punk Jazz, uno no deja de preguntarse: ¿Cómo lo hizo? ¿Qué fuerza interna influenciaba ese sonido? ¿Era el funk, Bootsy Collins? ¿Stanley Clarke? ¿Dave Holland? ¿Es la depresión bipolar capaz de crear seres con un talento tan grande? Pero esas preguntas son muy similares a las que los astrónomos se hacen al mirar por el telescopio Hubble. O la que nos hacemos todos acerca de la muerte: ¿Qué hay más allá? ¿Estará Jaco más tranquilo, descansando? La respuesta es una y es tan grande como el vacío que dejó Jaco con su partida. Lo que sí sabemos en verdad es que hay gente con muchísimo talento incapaz de controlarlo. Le pasó a Vincent Van Gogh, a Jim Belushi, a Kurt Cobain, a Jimi Hendrix, a Amy Winehouse y hasta a Philip Seymour Hoffman. Pareciera que el talento extremo va de la mano con la autodestrucción, pero en fin; otra pregunta a la lista.

Little Beaver: "I Can Dig It". Pastorious al bajo.

Punk Jazz no es más que una introducción, una muy buena, al mundo del virtuosismo romántico de Jaco Pastorius. Encontraremos a muchos de sus amigos ahí: Little Beaver, Joni Mitchell, John McLaughlin, Pat Metheny, Flora Purim, Airto Moreira, Hubert Laws y Toots Thielemans. Todos tocando música maravillosa, llena de vida, prisa y fascinación. Música de la época en que Pastorius vagaba por el mundo y no había tiempo para nada, porque la muerte venía rápido.

Javier pregunta y Javier responde

El 10 de abril del 2010 tuve el gusto de conversar con Javier Lishner, un periodista y DJ peruano, como yo, que vive, igual que yo, en el área de la bahía de San Francisco. La entrevista está en su página web, donde podrán encontrar fotos y videos interesantísimos. ¡Gracias Javier!



La entrevista en verdad fue más larga de lo que Javier publicó en su página web y supongo que, de haber transcrito toda la entrevista, Javier se hubiera quedado sin megabytes en su blog.



http://javierlishner.blogspot.com/2010/04/javier-moreno-pollarolo-cacaorock-la.html





Escuchen aquí algunas partes de la entrevista las cuales no fueron transcritas. Incluí algunas canciones "chocheritas" entre los comentarios.



https://www.youtube.com/watch?v=vzlNYCD-Oto



Las canciones:

• Jean Michel Jarre, "Arpegiateur", del disco Les Concerts In Chine


• Stevie Ray Vaughan & Double Trouble, "Scuttlebuttin'", del disco Couldn't Stand The Weather


• Gary Numan, "Metal", del disco The Pleasure Principle


• Ventures, "Wipeout", del disco Golden Greats


• Beatles, "Honey Don't", del disco Beatles For Sale


• Rolling Stones, "Stoned", del single "I Wanna Be Your Man"


• Suzi Quatro & Chris Norman, "Stumblin' In", del disco If You Knew Suzi


• Double, "The Captain Of Her Heart", del disco Blue


• Amigos Invisibles, "Diablo", del disco The Venezuelan Zinga Son Vol. 1


• Byrds, "Eight Miles High", del disco Fifth Dimension


• Eric Woolfson, "Little Hans" (vocal: Graham Dye), del disco Freudiana

¡Espero les guste!