Queen En Las Radios Peruanas

Luis Guadalupe, nuestro amigo de Lima y fanático de Queen hasta el tuétano, reporta la difusión de Queen en la radio y TV de Perú, especialmente en Lima, desde 1978 a 1993. Algunos se preguntarán, ¿Qué tan importante es este artículo? ¿Qué trascendencia tiene Queen en Perú? Bueno, lean para ver cómo una banda puede crear fanaticada en lugares tan exóticos como el Cuzco. Se lo van a leer todo y les va a gustar para colmo.

Portada del Greatest Hits (1981), quizás el disco más famoso de Queen en Perú.

LA DIFUSION MUSICAL DE QUEEN EL PERU (1978-1995)
Por Luis Guadalupe

Aunque el grupo británico QUEEN, integrado por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, se forma en 1971 y alcanza la fama a nivel mundial en 1975, recién empiezan a hacerse conocidos aquí en el Perú en 1978. La razón de este retardo estuvo en el auge de la música Disco y su alta popularidad aquí, con cantantes como Gloria Gaynor, Donna Summer, Jesse Green y Tina Charles entre 1974 y 1977, lo que impidió que la música de QUEEN se difundiera por la radio en esos años. Como antecedente a 1978, en Diciembre de 1976, en un programa de TV llamado “Perú 76” como reseña musical de ese año, se vio por primera vez a QUEEN con el video de “You’re My Best Friend” y en 1977 se pasó por TV el tema “Tie Your Mother Down” en vivo.

1978 es el año en que QUEEN llega a la radio a través del tema “We Are The Champions” y alcanzó poca difusión debido a que en esos momentos, la música del soundtrack de los films “Saturday Night Fever” y “Grease” causaba furor en la radio, acaparando las programaciones de todas las estaciones de radio. Sin embargo, en Radio Atalaya AM, se empezó a escuchar a QUEEN, llegándose a transmitir en sus especiales diarios de una hora, y en algunos casos 30 minutos con los Beatles y 30 minutos con QUEEN, y Radio Panamericana hizo lo mismo, concediéndole media hora en sus especiales diarios.

Llega 1979 y “Don’t Stop me Now” se convierte en un gran éxito en la radio en el verano, y a partir de allí, QUEEN comenzó a ser escuchado en todas las radios y con más frecuencia que antes, aumentando los especiales de QUEEN y haciéndose conocidos sus temas más antiguos, como “Bohemian Rhapsody” y “Somebody To Love”. El video de “We Are The Champions” apareció en pantalla gigante en la Elección de la Más Más del Verano en Radio Panamericana en el mes de Marzo. Al lanzarse el LP “LIVE KILLERS”, varias canciones de dicho album se transmitieron por la radio y finalmente en Diciembre en la Elección de la Más Más de 1979, “Don’t Stop Me Now” llegó a ubicarse en el 2º lugar, apareciendo su video en pantalla gigante.

1980 es el año en que QUEEN llega a su máximo nivel de popularidad aquí en nuestro medio. “Crazy Little Thing Called Love” llegó a ser un hit en el verano. Meses después el LP “THE GAME” logró un rotundo éxito tanto en difusión radial como en ventas, y “Play The Game” y “Another One Bites The Dust” se convirtieron en verdaderos hits radiales, difundiéndose sus videos con bastante frecuencia en la TV. Con ello QUEEN obtiene el éxito masivo, bailándose su música en fiestas y aumentando considerablemente los especiales de QUEEN en la radio. A fin de año, en los Rankings Anuales “Crazy Little Thing Called Love” logró una buena ubicación, llegando al 4º lugar en Radio Inca y el LP “THE GAME” fue elegido el Album del Año en Radio Miraflores. En Navidad se estrenó el film “FLASH GORDON”, con QUEEN en el Soundtrack, llegando así a un público cinéfilo. Finalmente, en el programa “Disco Club” en Canal 7, en el recuento final del año, “Play The Game” fue incluido entre los mejores temas de 1980.

En 1981, QUEEN mantuvo intacta su popularidad. El tema “Flash” alcanzó difusión, estrenándose su video en “Disco Club”. El 8 de marzo, en dicho programa se transmitió el primer especial de QUEEN por TV hecho por un programa local, de una hora de duración, llamado “Somos Los Campeones” y conducido por Gerardo Manuel, incluyéndose los videos de sus más grandes éxitos. A pedido de público, se repitió dicho especial en los meses de Abril, Julio y Noviembre. Los especiales de QUEEN en la radio continuaron durante el año y el 22 de noviembre Radio Miraflores transmitió un especial de 60 minutos, conducido por Javier Lishner, e incluyó por primera vez los temas “Keep Yourself Alive”, “Seven Seas Of Rhye” y “Killer Queen”.

1982 ve la salida de “Under Pressure”, el cual solo se difundió en Radio Doble Nueve y Radio Super FM, pero sin alcanzar el éxito de otros temas. En Marzo se transmitió por TV en Canal 4, en el programa mexicano “Noche a Noche” un especial de una hora –dividido en 2 partes de 30 minutos cada una- del concierto de QUEEN en Sao Paulo realizado el 20 de marzo de 1981, y en Abril, se estrenó en TV en “Disco Club” en Canal 7, el especial “QUEEN GREATEST FLIX” con bastante éxito. En Mayo, “Body Language” llegó a la radio, difundiéndose masivamente y su video se estrenó en Canal 7. El LP “HOT SPACE”, así como los temas “Back Chat”, “Las Palabras de Amor” y “Calling All Girls” se difundieron por las radios, pero sin éxito ni acogida alguna, debido al cambio radical en su estilo musical, algo que no gustó muchos a los fans de QUEEN, que quedaron algo decepcionados. La popularidad de QUEEN empezaba a decaer.

En 1983 lo único destacado fue la repetición del especial “QUEEN GREATEST FLIX” el Primero de Enero, manteniéndose en silencio el resto del año.

1984 ve la aparición del LP “THE WORKS”. El single “Radio Ga Ga” llegó primero a Radio Doble Nueve y se difundió constantemente, así como después en otras radios, pero sin llegar a ser un gran hit. El 18 de febrero Canal 4 transmitió por TV y en directo, el Festival de San Remo, siendo QUEEN el número final y tocando “Radio Ga Ga”. El video de “Radio Ga Ga” se estrenó en Abril en “Disco Club” y en Canal 4 se transmitió un especial con el Festival de Montreaux con la actuación de QUEEN. El LP “THE WORKS” se difundió por diversas radios, así como algunos temas como “I Want To Break Free”, “Keep Passing The Open Widndows” y “Hammer To Fall”, pero sin conseguir el éxito de años anteriores, pese a ser un brillante album, siendo “Radio Ga Ga” el último tema de QUEEN que se difundiera masivamente en las radios.

Llega 1985 y se realiza el Festival “ROCK IN RIO” y del 15 al 30 de enero se transmitió por TV y en Canal 5, de lunes a viernes de 6 a 7 pm, especiales sobre dicho Festival siendo QUEEN uno de los grupos cuya actuación se difundiera más. En Enero se estrenaron los videos de “It’s A Hard Life” y “Hammer To Fall” en Canal 27 UHF. En Agosto, en Canal 4 en el programa “La Máquina del Rock” se transmitió un especial durante 3 semanas del concierto “LIVE AID”, pero sin embargo, no fue incluida la actuación de QUEEN en dicho Festival. En Noviembre, “One Vision” llegó solo a Radio Doble Nueve y Radio Miraflores, siendo difundida en dichas radios.

Para 1986 el single “A Kind Of Magic” se estrena en Radio Doble Nueve y se escucha también en otras radios, pero sin alcanzar figuración alguna. “Friends Will Be Friends” sólo se escuchó en Radio Telestereo, pero muy levemente. En Agosto se estrenó el video de “One Vision” en Canal 7 y “A Kind Of Magic” en Canal 33 UHF. Debido a que el film “HIGHLANDER” no fue estrenado en Perú, el LP “A KIND OF MAGIC” pasó totalmente desapercibido en la radio, editándose recién en Diciembre y con diferente carátula a la original.

1987 y 1988 fueron años de silencio total. Lo único rescatable fue que en Febrero de 1987, en Canal 11, se inician una serie de especiales de 2 horas, los sábados a las 9 pm, siendo QUEEN el primer invitado, incluyéndose como estreno una hora del concierto de QUEEN en Wembley realizado el 12 de julio de 1986, y repitiéndose dicho especial en Mayo. De igual forma, en Diciembre de 1988, en Radio América se transmitió un especial sobre la historia de QUEEN en partes de 90 minutos cada una, incluyéndose temas del LP “A KIND OF MAGIC”, y por primera vez en la radio, los temas “Earth” de Smile y “I Can’t Hear Music” de Larry Lurex.

Con 1989 llega un nuevo album de QUEEN. En Mayo, “I Want It All” llegó a Radio Doble Nueve como lo Nuevo de la Semana y a Radio Miraflores, siendo un éxito rotundo en dichas radios y estrenándose su video en Canal 9 en el programa “Hits” el 22 de Julio, sin volverse a difundir después en la TV. Asimismo, “Breakthru” llegó a ambas radios y “The Invisible Man” llegó al 1º lugar del Ranking Semanal en Radio Doble Nueve y su video se estrenó en Canal 11, difundiéndose relativamente. El LP “THE MIRACLE” fue ampliamente difundido en Radio Doble Nueve y en menor grado en Radio Miraflores, pero pasó absolutamente desapercibido en las otras radios. En Octubre, se produjo el retorno del programa “DISCO CLUB” y en el primer programa, el video clip de “Bohemian Rhapsody” fue el encargado de iniciar esta nueva etapa. En Diciembre, durante 3 semanas seguidas Canal 11 transmitió un especial de QUEEN de una hora cada uno, y Canal 7 difundió un especial de 90 minutos de QUEEN en el programa “Los Grandes Momentos del Rock”, estrenándose los videos de “Princes Of The Universe” y “Friends Will Be Friends”.

En 1990, a pedido del público, Canal 7 repitió en Febrero dicho especial. En Marzo, Canal 2 estrenó en TV, el film “HIGHLANDER” con el título de “Los Inmortales”, el cual fue repetido posteriormente dos veces más a lo largo del año. En Octubre, dicho film recién fue estrenado en los cines de Lima, permaneciendo solamente una semana en las carteleras de cine limeñas.

1991 ve la salida de un nuevo album. El single “Innuendo” se estrenó en Radio Doble Nueve, así como los temas “Headlong” -se transmitió como lo Nuevo de la Semana- y “Bijou”, difundiéndose constantemente esos temas en dicha radio. El video de “Innuendo” fue estrenado el 2 de Marzo en Canal 2 en el programa “Video Laser” y también es ampliamente difundido en “Disco Club” con bastante frecuencia. El album “INNUENDO” solo obtuvo difusión en Radio Doble Nueve y en menor grado, en Radio Miraflores, siendo nuevamente ignorado en las otras radios. Pero, lamentablemente 1991 constituyó el año más triste en la trayectoria del cuarteto. El 11 de noviembre, en el Diario “El Comercio” apareció una noticia en la que se informaba que Freddie Mercury, vocalista del grupo, estaría enfermo con SIDA, basándose en una publicación del diario londinense “The Sun”. En la siguiente semana, esta noticia volvió a circular tanto en Canal 5, en su noticiero “24 horas”, como en Canal 4 en su programa “1991”. El sábado 23, Canal 5 en su noticiero “24 Horas” informó sobre el comunicado en el que Freddie Mercury anunciaba que debido a las conjeturas dadas en las últimas dos semanas, admitía que padecía del mal del SIDA, noticia que que fue reproducida al día siguiente en los diarios “Expreso” y “La República”. El día 24 de Noviembre, el cantante británico Freddie Mercury, líder y voz principal del grupo QUEEN, fallecía de una bronconeumonía, como consecuencia del SIDA, 24 horas después de anunciar al mundo que tenía dicha enfermedad. El lunes 25. la noticia fue reproducida en el diario “El Peruano”, siendo el único diario en dar la noticia ese día. Asimismo, las radios se encargaron de propagar la noticia durante el día y dedicaron especiales con música de QUEEN, como Doble Nueve, Miraflores, Studio 92, América, entre otros. Ese mismo día, Canal 7 transmitió por TV en “Disco Club”, un especial de una hora con lo mejor de su música, el cual fue repetido posteriormente. Todos los canales de TV en sus respectivos noticieros dieron la noticia entre sus titulares y con amplia información e imágenes de archivo. Al día siguiente, todos los diarios resaltaron la noticia de su muerte y el miércoles 27, en los noticieros de los canales 2, 4 y 9 transmitieron entre las noticias internacionales, imágenes de la ceremonia de incineración de sus restos. Durante toda esa semana, Radio Doble Nueve dedicó en su programación, sets con música de QUEEN. El domingo 1º de Diciembre, Radio Studio 92 y América transmiten un especial de una hora respectivamente, con lo mejor de QUEEN, así como Stereo 100 en su programa “Rock Clásico”. En TV ese mismo día, Canal 2 difunde en su magazine “Ayer y Hoy” un informe sobre la muerte de Freddie Mercury, con amplia información e imágenes; asimismo el Canal 11, en el programa “Video Retro” transmite un especial de una hora con QUEEN. El sábado 7 de diciembre, el canal 9 en su programa “Hits” dedicó un set a QUEEN, con imágenes de archivo y por vez primera, escenas del clip de “These Are The Days Of Our Lives”, último video filmado por Freddie Mercury Este tema fue constantemente difundido en Radio Doble Nueve, después de la muerte de Mercury, así como “The Show Must Go On” en Radio Miraflores. De igual forma, suplementos y revistas como “Si”, “Oiga”, “La Revista” y “El Suplemento”, entre otras, publicaron artículos dedicados a la memoria de Freddie Mercury.

1992 vió una especie de resurgimiento de la popularidad de QUEEN en los medios radiales. El 20 de Abril fue el Tributo a Freddie Mercury en el estadio Wembley y la noticia del concierto fue propalada ese mismo día en Canal 5 en el noticiero “24 Horas”. Días después, el programa “Disco Club” transmitió diariamente en sus programas lo mejor de dicho concierto. Asimismo, a raiz de su inclusión en el film “Wayne’s World”, el tema “Bohemian Rhapsody” volvió a escucharse con fuerza en las radios, en especial en Radio Miraflores y en el mes de Octubre, en Radio Miraflores aparece el programa “Cinco Noches” de lunes a viernes de 7 a 8 pm, conducido por Hugo Salazar, dedicando cada noche a un grupo o género distinto, y dedicando los días miércoles íntegramente a la música de QUEEN, llenando así un vacío reclamado por los fans de QUEEN. Era la primera vez que se emitía un programa radial sobre QUEEN, y donde se difundía, además de los hits conocidos del grupo, temas de su discografía, rarezas y exclusividades como canciones inéditas, temas de conciertos no oficiales, temas solistas y mucha información actualizada y fidedigna, y contó con bastante acogida. Finalmente en el Ranking Anual de Radio Miraflores, “Bohemian Rhapsody” obtuvo una mención honrosa por su gran éxito obtenido en su relanzamiento.

En 1993 el interés por la música de QUEEN continuó y el 6 de Marzo en el Pub “Cementerio de Animales” fue proyectado el video “RARE LIVE” junto con los 5 videoclips del album “INNUENDO”, con mucha acogida. En Abril se difundió en Radio Miraflores “Somebody To Love” de George Michael & QUEEN, extraído del tributo a Freddie Mercury, y el 20 de Abril el programa “Cinco Noches” dedicó un especial al año de dicho tributo difundiendo en 2 días todo el concierto completo. En Junio, se proyectó en pantalla gigante el concierto “We Will Rock You” –realizado en noviembre de 1981- en el Estadio Municipal de San Isidro y en 2 fechas, con bastante éxito. Durante el tiempo que estuvo en el aire hasta el mes de Agosto, el programa “Cinco Noches” emitió también especiales de Brian May, Roger Taylor y John Deacon en sus respectivos cumpleaños, con los mejor de sus composiciones dentro del grupo y como solistas. Finalmente, al cumplirse 2 años de la muerte de Mercury, el 24 de noviembre se difundió un miniespecial en Telestereo 88 FM en el programa “Memories” con la recordada Diana García, de 30 minutos, y otro especial de 90 minutos en Radio Uno, con mucha acogida.

En 1994 bajó un poco el interés por QUEEN, y sólo Telestereo difundió en forma constante en su programa “Memories” la música de QUEEN, y dedicó especiales a QUEEN, tanto el 19 de Julio por Brian May, como el 5 de setiembre y el 24 de noviembre por Freddie Mercury, así como también se difundió bastante en el programa “Tu, Yo y Mis Discos”, el clásico tema de QUEEN “Love Of My Life” extraído del album solista de Brian May “LIVE AT THE BRIXTON ACADEMY”.

En 1995 Telestereo continuó difundiendo la música de QUEEN en los programas de Diana García y siguiendo con los especiales de QUEEN tanto el 19 de julio como el 5 de setiembre y el 24 de noviembre. En Agosto se publicó en el Suplemento “Ozio” del diario “El Peruano”, un artículo sobre la historia del video clip de “Bohemian Rhapsody”. Finalmente en Noviembre se edita el largamente esperado album póstumo de QUEEN, “MADE IN HEAVEN”, el cual es estrenado en Radio Telestereo. “Heaven For Everyone” fue difundido en Radio Doble Nueve y Telestereo y “You Don’t Fool Me” sonó bastante en el programa “Tu, Yo y Mis Discos” en Telestereo. Con este album se ponía punto final a la brillante trayectoria musical y discográfica de QUEEN con su formación completa.

A 17 años de su aparición en las radios locales, QUEEN sigue siendo conocido por la gente, y con mas fuerza desde la muerte de Freddie Mercury, pero a un nivel mas reducido que antes y menos masivo. QUEEN es considerado como un grupo antiguo y ya clásico, y no como un grupo actual o de moda, pero a pesar de todo, QUEEN ya pertenece a esa clase de bandas legendarias que forman parte de la Historia del Rock de todos los tiempos, y por derecho propio.

A New Day For You

Time And Tide (Epic, 1987)
BASIA

Alright then, before I go telling you, as usual, how good this album is, you need to hear this woman, at least via YouTube:

We mentioned before that Basia has an angel's voice. That voice is as good today as it was in 1987, when Time And Tide came out. Two years earlier, Basia left the Matt Bianco group along with her bandmate -and then boyfriend- Danny White and went to pursue a solo career. That was a very bold move for the splendid female singer after just one album with the band -which continued as a good act led by the sole survivor founder, Mark Reilly- to jump into a pool that might have been empty. But she was so good and innovative her success was assured. Also, her fan base was growing dramatically, waiting to hear something fresh from her.

Basia Trzetrzelewska, a Polish immigrant to the U.K., had her story told in an enhanced and suggestive way in the masterpiece Whose Side Are You On (WEA, 1984) by Matt Bianco. She jumped the Iron Fence for better pastures in the British Shire and sunny beaches in the United States. A few years after this adventure, she's settled in the land of the free to keep singing, and her voice is warmer, smoother and comforting. She has a record deal with Epic (now Sony/BMG) and her first solo album, Time And Tide presents Basia on the spotlight, and having her way completely, although there's almost no difference in style between this album and Matt Bianco's; just a smoother, calmer theme in the lyrics, no spy and sneaky stories and no instrumentals.

It's an excellent pop album about love.

Some music purists criticize Basia for her crossover-ness, mixing pop, jazz and bossanova rhythms in a reckless way that might affect her final score in Billboard... "it sounds too Pop" some might say, or "that isn't real Brazilian." Categorizations here are useless. Just play her melancholic tribute to Mrs. Gilberto, "Astrud" to a Brazilian national and he or she will love the contrast between her contralto voice and the baritone saxophone's seductive triads. "From Now On's" acoustic guitar will make that Brazilian listener shed a tear and then a miracle will occur: East Europe's vocal tradition will blend along with South America's poly-rhythms in a honest musical polinization. It was an East-West crossover, successfully made the same way 25 years earlier when Charlie Byrd and Stan Getz recorded Jazz Samba and introduced the Bossa Nova to American listeners who wanted to hear something different than the Beatles. Both Basia and White are big fans of "The Sound" Getz.

It's useless to resist pop music of this level when the production balances instruments so well it never becomes dull or boring. There are a lot of synthesizers but not on a single moment they overcrowd the speakers, and there are saxophones and trumpets but you won't feel like you're listening a lame Smooth Jazz station. "Moderation, Basia" said her mother and seems like she learned the lesson in the swinging "Miles Away" (whose finger-snaps and tempo suggest a tribute to Miles Davis) and the funked-up "Prime Time TV." Her high pitched voice dominates over the instruments in the final mix and she's directly loud and clear. Her intense vocal chords, without that annoying vibrato, are the primal musical instrument, and the saxes, bouncing synth basses and horns are her faithful sidekicks. Pretty much like Snow White and her dwarfs.

Most of the time we remember her voice double-tracked on the choruses, but when she blasts those fragile longings as in "Promises" and "Time And Tide," we realize she represents the everyday honest woman who wants something more in life other than health, money and love.

Consider me a Basia fan. No matter what they say.

Shine On

Wish You Were Here

(Columbia, 1975)

PINK FLOYD

Dear Wish:



With so much Dark Side Of The Moon and The Wall being written on “greatest Rock and Roll records ever made” lists and being considered the best material Pink Floyd ever recorded, it is kind of rare to find an honest review about you: A cosmic, adorable, passionate collection of tunes about the fall of a poet, the late Syd Barrett, founder of the group. After all you are just a postcard of bittersweet memories and hopes for the future, and they called you Wish You Were Here.



Piano player Rick Wright, who also left us, called you his "favorite Pink Floyd album". He was on top form playing your haunting calls and he mentioned he felt unusually comfortable with you. As you have it in your grooves, tension was high between him and the rest of the band; Guitarist David Gilmour, drummer Nick Mason and Bass player and lyricist Roger Waters. You could cut the stress with a knife but nevertheless, they managed to produce you in 7 months: A rock masterpiece about alienation of an individual and how sometimes the music industry treats musicians like disposable plastic.

You were born as a beautiful and coherent set of five tunes so well intertwined it's impossible to separate them now with “tracks” on a Compact Disc, or even when FM radio plays your title track by itself. you want to listen to some more, to continue the path these guys are taking



For once, Pink Floyd understood the earthiness of the listener and connected with them on an emotional level. Sadly, they wouldn't be able to do it again since a Wall started to being built between Roger Waters and the rest of the band and between the band and the audience who was also changing and growing apart. You sang about the wall Syd Barrett was behind and how his friends missed him. With "Shine On You Crazy Diamond" you put us in the studio while the four members were looking at a completely bald –including eyebrows shaved-, spaced out Syd holding a burning cigarette and looking at the soundproof glass, or at the infinite. With your plea for recovery, return to the arts, and even male bonding, "Shine On You Crazy Diamond" held you together from beginning to end.



You brought us two surprises in a minor key about how show business de-personalizes the individual: "Welcome To The Machine" is dedicated to Syd by the band: "where have you been, it's all right, we know where you've been, we told you what to dream..." "Have A Cigar" is sung by a record company executive (Pink Floyd even invited Roy Harper to sing the lead vocals so the differentiation would be complete) who doesn't have a clue about the band member's personal lives: "The Band Is Just Fantastic, that's really what I think... oh, by the way, Which One's Pink?" Lyricist Waters was angry at the music industry of the seventies -he didn't know what was coming up, obviously-, but at least he had three friends to support and back him up. You know he later turned his frustration and anger to them during the making of Animals and The Wall.



When your title song arrives it goes softly on us, like a country song. Your line "We're just two lost souls swimming in a fish bowl, year after year" is not just about Syd and the others but about us listeners and the rest of the World. It’s about how circumstances and our own alienation turn friends into acquaintances and later into plaintiffs and defendants. The nostalgia you cast then becomes tense calm when "Shine On" is reprised with a pounding bass and synthesizers being more haunting than the beginning. Gilmour then plays the solo of his life, a defining moment on his career. Then you make the last call to Barrett's senses, and with the help of Rick you finish the postcard with an instrumental paraphrase of Syd’s poem "See Emily Play;" the complete, round tribute to a long, lost friend.



I miss Rick and Syd and I feel you’re there to give me some consolation and hope for the future. Thank you, Wish. If someone asks me what rock album everyone should have in their collection, you are the one. Darky and The Wall can wait.

Al menos, las semillas serán sembradas

the seeds of love

(Fontana, 1989)

TEARS FOR FEARS

21 años después, la obra maestra que cerraba la década de los ochenta recibe el tratamiento "box". Pop británico perfecto y ameno.

fue como un chorro de agua fría para nuestra sensibilidad dormida. Puede ser considerado por algunos como un álbum de protesta, pero más que nada es un disco sobre amor incondicional. Algo difícil de encontrar por estos días de libre mercado, recesión y capitalismo salvaje. En los tiempos del acero y de la presión del desempleo, es bueno recordar a los Tears For Fears cuando dicen que el amor es el arma más fuerte. ¿Por qué? Porque el odio y la indiferencia no logran nada.

La década de los ochenta no fue socialmente líricamente muy creativa que digamos -es decir, el mercado no prestó mucha atención a los temas sociales, salvo dignas excepciones- y relativamente todo fue entretenido y romántico, pero sin sustancia política.

1989 incluyó una revolución bastante drástica en el mundo: el muro de Berlín se derrumbó y se convirtió en una larga tienda de desmonte, el bloque comunista de Europa del Este se disolvió, Gorbachev mandó a la Unión Soviética a los libros de historia, y en Inglaterra Margaret Tatcher se disponía a dejar el cargo de Primera Ministro. Roland Orzábal se sintió iluminado por Los Beatles y por la parafernalia colorida hippie de los sesentas -especialmente 1967- y enfiló su guitarra para entrar de lleno en el problema más grande del mundo: la carencia de amor entre la gente. Lo innovador del análisis es que Orzábal considera a este problema como un problema político.

El álbum empieza con un comentario sobre mujeres atadas a hombres que se olvidaron de seguir enamorándolas; pero siguen con ellas porque, bueno, estar solo para un hombre puede ser lo peor del mundo. "Woman In Chains" es el primer llamado de atención a la mujer para que evite la resignación de las cicatrices del alma por una relación larga y monótona. No necesariamente hablamos de relaciones difíciles, de golpes ni de gritos. Es la monotonía la que se acusa aquí, en una especie de diálogo entre ambos sexos. La voz maravillosa de Oleta Adams dice Calls her man the Great White Hope... Says she´s fine, She´ll always cope... Woman In Chains... La garganta de Orzabal contesta: Well I feel deep in your heart there are wounds Time can´t heal. Es decir, la parte masculina del asunto se da cuenta que el corazón de una mujer es un enorme libro lleno de secretos, y para leerlo hay que tener bastante paciencia -y saber ceder y contar hasta 10, como dice mi abuelo-. El final es bellísimo: So free her ... es cantada ad lib to fade por Oleta, Roland y Curt Smith. En un momento, Orzabal murmura: the sun and the moon...

A partir de este momento, la lírica que se oirá será valiente, directa y orgullosa; pero en ningún momento triste. "Badman's Song" está dedicada a los chicos del cuarto del hotel 628, quienes eran los músicos y roadies de Smith y Orzábal. Este último escuchó la conversación entre ellos en la cual lo criticaban duramente. Estaba en shock y furioso. Pero de pronto, decidió perdonarlos y decirles en la funda del disco, todo está perdonado. "Badman's Song" Dura poco más de ocho minutos con interludios de piano y batería a cargo de Oleta Adams y de Manu Katché, respectivamente. Orzábal usa su sentido común y sus intenciones de paz, pero siempre parado firme y valiente contra los agresores.

Orzábal quizo expandir más sus horizontes líricos y no dar puntada sin hilo. Estaba harto del cargo de la Tatcher ocupando el puesto de primer ministro británico y escribió inspirado una canción sobre... el amor: "Sowing The Seeds Of Love" tiene un cierto parecido a "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles . En una parte se hace referencia al gran músico Paul Weller - líder de Jam y Style Council- y Orzábal le pide que regrese a la palestra con la música de protesta de su primer grupo (...kick out the Style, bring back the Jam!). En verdad es más que nada un grito de despertar. Se cuestiona sobre todo el cinismo de las leyes y de los estatutos al afirmar la existencia de libertad de expresión cuando no hay nada de qué protestar. El lado A del vinilo se cierra con "Advice for the Young at Heart", otro grito de advertencia a la juventud sobre lo terrible que puede ser el tiempo como enemigo.

El lado B es más político, sutilmente hablando. "Standing at The Corner Of The Third World" y "Swords and Knives" se refieren indirectamente a la presión de organismos del norte -como el Banco Mundial y el FMI- a las pobres economías endeudadas del sur. Claro, que perdonen la deuda es fácil. Okey, no tienen que pagar más... ¿pero, volverán a prestar nuevamente? Un círculo vicioso del cual es difícil de salir para cualquier economía empobrecida -si los economistas del mundo no saben cómo salir del meollo, creo que menos lo va a saber Orzábal-.

"Year of The Knife" es la batalla en nombre de las causas justas y está dedicada a los jovenes que mueren en esas batallas, creyendo que lo que hacen está bien. No necesariamente serán miembros del IRA, pueden ser soldados de la patria, mineros de carbón, etcétera. I made my bed on love denied, now I ain´t gonna sleep tonight.

"Famous Last Words" cierra el conjunto de ocho canciones del alma y habla de la paz después de la guerra, del día después de la noche. Si de nada sirven las guerras, ¿servirá entonces una guerra en nombre del amor? La respuesta de Orzábal y compañía es si. Nadie muere en una guerra así.

The Seeds of Love tiene canciones con mucho contenido sentimental y político, que a la larga son la misma cosa. Hergé, el dibujante creador de Tin Tin, dijo que la única diferencia entre la gente de derecha e izquierda es que los primeros son pragmáticos, en cambio, los de izquierda son más idealistas. Bueno, después de 1989, esa fue la diferencia de las clases políticas en el mundo. Todas las economías son de mercado, así no lo parezcan, y los "derechos sociales" que reclamaban los socialistas ahora pueden ganarse, si es que los trabajadores aportan al Seguro Social, público o privado. ¿Quieres celeste? Que te cueste.

Tuvo que derramarse tanta sangre sobre Europa, América y Asia para que recién nos demos cuenta que la violencia, la indiferencia y la injusticia no son la solución. ¿Por qué nos demoramos tanto? Porque siempre creemos que somos el centro del universo, y que nuestros problemas son los únicos que interesan, mas no los de los demás; pero cada uno tiene que ponerse las pilas y matar sus propias pulgas antes de matar las pulgas de otros. Totalmente cierto. Además, The Seeds of Love es una denuncia a la falta de valores morales de la gente; eso es clarísimo. Fue una llamada de atención que, al parecer, el mundo atendió a medias. Aún queda mucho por hacer, y sería bueno ir haciéndolo, ya que esperar la intervención divina para solucionar nuestros problemas no nos ayudará en nada, puesto que no llegará.

Este LP es de lejos el mejor disco de 1989; año del redescubrimiento de los sesentas y de la psicodelia. Uno de los más influyentes en los grupos de rock alternativo de inicios de los noventa y, por todo lo anteriormente comentado, galardonado con el premio a la perfección de CacaoRock.

Fuerte, Fuerte, Fuerte

Tutto Carrà (Sony Music, 1999)

RAFFAELLA CARRÀ

Raffaella Carrà es la mujer perfecta de la música popular europea. Es imposible pensar en otra, al menos para mi que la conozco desde que estoy en este mundo. Mi abuelo italiano la adoraba y tenía uno que otro cassette de ella. Quizás los LPs desaparecieron gracias a la mano negra de mi abuela porque, en verdad, la artista es despampanante y una portada bastaba para derretir a cualquier hombre. Mi abuelo sabía, al igual que yo lo sé ahora, que Raffaella Carrà es la cantante más atractiva y talentosa que ha habido. Una fuente de entretenimiento de esas que sólo se dan una vez en la vida, y es tan única que es imposible compararla con alguna otra cantante contemporánea, sea de Italia, Francia, España o Latinoamérica.

Curiosamente los gays adoran a la Carrà, y digo curiosamente porque ella tiene un sex appeal para el hombre heterosexual mucho más intenso. Quizás fueron las actuaciones con bailarines masculinos netamente queer o las letras feministas de doble sentido que escandalizaron a la homofóbica dictadura militar de Argentina, pero la verdad es que Raffaella conectó con la comunidad gay enclosetada y le dio una cierta identidad. La feminidad de Carrà es intensa, agresiva y muy viva, y eso siempre representó un desafío para el status quo masculino. Esta mujer es una diosa de esas que pasan por la vida muy raras veces... y ahora que me pongo a pensar, es probable que ella sea una de las primeras que cantó a grito pelado, y en varios idiomas, el clamor de liberación sexual de la mujer occidental. No se me viene a la mente otra cantante, por el momento.

Tal como David Bowie, Raffaella Carrà tiene una tendencia a cambiar, a mutar en el escenario y a asimilar diferentes personalidades cual Zelig. Puede ser una santa en una sesión fotográfica y en un show de TV convertirse en una dominatrix capaz de romperte el corazón y dejar una deuda de 3,000 euros en nuestra tarjeta de crédito. A veces es la chica más bella de la escuela y luego de uno o dos temas es una extraterrestre. Quien esté casado con Raffaella Carrá, es el hombre más afortunado del Mediterráneo.

Como decía, Carrà representa a la perfección a la mujer artista Europea de los sesentas y setentas, evolucionando de la inocencia pre-hippie hacia el hastío post-moderno de la plástica década del ochenta. En Italia no tuvo el éxito esperado y tuvo que emigrar a España, donde grabó discos en la lengua de Cervantes con un acento goloso, elegante y perturbador. Ella era la chica con la que todos querían salir a bailar. Y ella quería bailar con todos. Tenía una canción llamada "Pedro" en donde describía un caso muy común de turismo sexual: la típica extranjera (casada) que en un viaje a la Argentina se "levanta" un guía turístico mucho menor que ella y éste le hace ver "todo menos Santa Fé". "Pedro" no está en la colección Tutto Carrà, pero la pinta de cuerpo entero; o al menos la fantasía que tenemos de ella.


“Felicità”, otro ejemplo frívolo, no tiene un ápice de melancolía ni amargura. Es fiesta, pachanga, jarana, orgía, alcohol, individualismo, Rock and Roll en 2/2. Todo eso juntado en tres o cuatro minutos a toda velocidad. El funk melódico –ácido jazzídico– del “Drin Drin” puede recordarnos a Donna Summer y a Giorgio Moroder, aunque sea producido por el novio de la Carrà de aquel entonces. Es de 1979, año del fin de la música Disco como tal.


Pero la Carrà también tiene su fuerte en la balada y puede llegar a desgarrarse por un amor no correspondido: “Io Non Vivo Senza Te” asombra por la intensidad con que Raffaella llora por la leche derramada. Mi pregunta es, ¿alguien en este mundo es capaz de romper con la mujer más completa de Italia? Imposible. Ella es una mujer intensa, que ama la vida y la aprovecha a cada instante y en todo aspecto; siendo prueba de ello el dinamismo de “Forte Forte Forte,” su single más logrado.

Italia le debe mucho a ella y el mundo aún no la ha descubierto del todo. Los que pasamos los treinta la recordamos, la vivimos, y deseamos ver y oir más de ella. Yo personalmente la prefiero cantando en Italiano y con ese inglés forzado y chillón como en "She's Looking Good." Después de verle las piernas, decimos indeed.

Gerardo Manuel: fue peruano y fue bueno.

Por lo menos tres generaciones de peruanos que escuchamos música le debemos algo, o mucho, a Gerardo Manuel, una persona que dedicó toda su vida adulta a promover, interpretar, o administrar música, con una predilección por artistas peruanos. Su muerte el cuatro de julio, día de la independencia de los Estados Unidos, es una especie de “corolario” ya que de dicho país proviene el rock and roll, la música que más le apasionaba.



La carrera de Gerardo empieza a temprana edad como integrante de los Shains y luego de los Doltons, para luego pasar por Pepper Smelter, Gerardo Manuel y el Humo, y Pax. Como solista interpretaba temas de rock populares adaptados al español, y la verdad que le quedaban bastante bien. Fue directivo de El Virrey y de la tienda de discos La Discoteca, donde alguna vez lo vi atender tras el mostrador. Pero nunca me atreví a hablar con él porque le tenía algo de miedo, ya que era una persona muy famosa y, bueno, intimidante por eso.



Pero su mayor éxito fue el programa de TV Disco Club, el sueño dorado de cualquier fanático de la música que busca difundirla: una hora, de lunes a viernes, en la que mostraba videos y conciertos de los artistas del momento. Desde 1978 y pasando por varios canales de TV, Disco Club creó un movimiento musical en el Perú gracias a que se transmitía a todo el territorio nacional a través del canal estatal. Gerardo Manuel presentaba artistas británicos, estadounidenses, canadienses y peruanos, manteniendo distancias con artistas, según él prefabricados, provenientes de las procesadoras de carne humana de México y Argentina (jamás lo vi promocionando a una banda azteca o gaucha). Él prefería darle voz a talento peruano que merecía llegar a la mayor cantidad de juventud posible. Al hacerlo, Gerardo también estaba dándole al rock peruano una identidad propia, algo muy difícil debido a que en general era una copia del rock argentino, que a la vez era una copia del rock anglosajón, que a la vez le robaba la música a los negros de forma descarada.



La partida de Gerardo, víctima del mal de Parkinson, deja huérfana a una gran cantidad de amantes del rock, para bien o para mal. Gerardo nos dijo qué escuchar y qué no. Nos hizo oír las campanas de libertad y tambores de guerra que traían las guitarras eléctricas y las baterías de fuera, contribuyendo a que se repliquen en el Perú.

Este bajista es la muerte.

Punk Jazz: The Jaco Pastorius Anthology

JACO PASTORIUS

Imagínese que usted es músico de jazz, bajista, y es considerado actualmente entre los mejores diez ejecutantes del mundo. Algunos incluso creen que usted es Dios encarnado en el instrumento. La crítica lo adora y el público se rinde ante usted en cada presentación. Usted es un hombre relativamente joven.

Un día, usted recibe una llamada telefónica de un amigo, el baterista Omar Hakim, informándole que la banda de jazz-fusión a la que recién el baterista se ha unido está necesitando un nuevo bajista, ya que el anterior ha tenido que dejarla. Hakim le dice que Joe Zawinful, tecladista y líder de la banda, lo invita para unirse a ella. La banda es Weather Report, el bajista saliente es Jaco Pastorius.

En resumen: imagínese que usted es el extraordinario bajista Marcus Miller. ¿Qué haría ante una propuesta así? Simplemente declinarla. Por esa banda acaba de pasar uno de los músicos más virtuosos y creativos de la era moderna, y cualquier cosa que Miller llegara a tocar en la banda será evaluada con lo que Pastorius dejó: un continuo y poético discurso de bajo eléctrico que embelleció todo lo que Weather Report grabó entre 1976 y 1981, sus años de mayor popularidad.

Miller se negó a que los oídos del público lo comparen con Pastorius de forma tan directa -aunque su influencia se puede sentir en lo que toca-, y al final Victor Bailey ocupó el puesto de Jaco en Weather Report. Imagino el horror de Marcus al ir pensando en lo que sería tener que asumir un puesto tan elevado, tan lleno de expectativas.

Aunque la historia de Miller puede que no sea cierta (no se sabe por qué declinó la propuesta en realidad), lo cierto es que Jaco Pastorius no era un muchacho "normal". Sufría de depresión bipolar y durante sus estados de depresión su creatividad surgía, como si lo forzara a hacer algo más grande que la suma de sus dedos e instrumento. De haber tenido una mente estable, quizás hubiera sido un baterista mediocre y se hubiera rendido apenas se fracturó la muñeca jugando al fútbol americano. Pero no, al recuperarse se encontró con el bajo eléctrico como fiel compañero y no lo dejaría nunca.

Experimentó con efectos, cuerdas de diversos materiales, grasas, posiciones y volúmenes. El sonido de su bajo, alterado, hacía recordar trompetas y violines. Encajaba perfectamente con cualquier baterista: a más virtuoso, mejor. Pareciera que se metía en la cabeza de los músicos y predecía sus siguientes movimientos. Si uno mira sus videos puede darse cuenta que sus ojos están como idos, mirando a la nada (quizás a la muerte). Pareciera que no le es difícil crear toda esa erupción sónica y que no necesita de concentración alguna. Un dominio imbatible del ritmo. Es algo más que talento: algo con lo que se nace. Lamentablemente, ese algo tenía un precio altísimo. Ese "algo" lo pudo haber llevado a su inesperado final. Ese "algo" se puede notar si uno mira directamente a los ojos de un genio.

Jaco colaboró con muchos músicos y cada disco en el que participaba se convertía en un objeto de admiración. Sin embargo, a más fama y dinero, mayores eran sus crisis psicológicas. No somos expertos, pero era obvio que el alcohol y las drogas convirtieron su depresión bipolar en una bomba de tiempo que fue detonada por la tremenda fama y arrogancia que absorbió. Como genio insuperable en composición, arreglos e interpretación, Pastorius creía que estaba por encima de los demás músicos. Su espiral hacia la muerte empezó en 1982, al caer de un balcón en Italia y fracturarse el brazo y el hombro izquierdo tan severamente que tuvo que colocársele una clavija de acero para que se recupere. La gran cantidad de medicamentos para el dolor, combinados con el alcohol y las drogas, aceleraron su deterioro mental. Buscaba pelea y las peleas lo buscaban a él. Murió el 21 de setiembre de 1987 producto de una hemorragia cerebral como consecuencia de una paliza propinada por un portero gorilón en el Midnight Bottle Club de Wilton Manors, Florida, diez días antes. Pastorius llegó al club buscando pelea y encontró la muerte; aunque quizás había estado buscando esta última por un buen rato.

El mundo se quedó sin poder ver a Pastorious poder hacer esto:

Al escuchar ese bajo magistral, el cual muestra sus mejores momentos en los CDs de la colección Punk Jazz, uno no deja de preguntarse: ¿Cómo lo hizo? ¿Qué fuerza interna influenciaba ese sonido? ¿Era el funk, Bootsy Collins? ¿Stanley Clarke? ¿Dave Holland? ¿Es la depresión bipolar capaz de crear seres con un talento tan grande? Pero esas preguntas son muy similares a las que los astrónomos se hacen al mirar por el telescopio Hubble. O la que nos hacemos todos acerca de la muerte: ¿Qué hay más allá? ¿Estará Jaco más tranquilo, descansando? La respuesta es una y es tan grande como el vacío que dejó Jaco con su partida. Lo que sí sabemos en verdad es que hay gente con muchísimo talento incapaz de controlarlo. Le pasó a Vincent Van Gogh, a Jim Belushi, a Kurt Cobain, a Jimi Hendrix, a Amy Winehouse y hasta a Philip Seymour Hoffman. Pareciera que el talento extremo va de la mano con la autodestrucción, pero en fin; otra pregunta a la lista.

Little Beaver: "I Can Dig It". Pastorious al bajo.

Punk Jazz no es más que una introducción, una muy buena, al mundo del virtuosismo romántico de Jaco Pastorius. Encontraremos a muchos de sus amigos ahí: Little Beaver, Joni Mitchell, John McLaughlin, Pat Metheny, Flora Purim, Airto Moreira, Hubert Laws y Toots Thielemans. Todos tocando música maravillosa, llena de vida, prisa y fascinación. Música de la época en que Pastorius vagaba por el mundo y no había tiempo para nada, porque la muerte venía rápido.