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Thursday, December 28, 2023

Foto: Diario La Primera.

...Pedro Suárez Vértiz, rockero chalaco nacido en 1969 y quien ha fallecido hoy hace algunas horas. No, no es broma del día de los inocentes, sino más bien una trágica noticia que una vez más nos hace ver las caras con la mortalidad de nuestros ídolos y asumir que, a partir de la visita de la pelona, éstos pasan a convertirse en eternos, en inmortales.

Pedro era muy querido por su música y, a la vez, bastante cuestionado por sus comentarios íntimos y sus opiniones personales de carácter político, que dicho sea de paso eran opiniones que una gran cantidad de peruanos tiene: Keiko Fujimori no es la bruja mala del cuento, ni su padre Alberto fue tan espantoso como presidente. Estoy de acuerdo con Pedro en algunas cosas y en otras no (creo, como él, que Fujimori hizo un buen trabajo en la presidencia del Perú al principio, pero no creo que los Beatles eran cada uno un ejemplo de amor matrimonial); en lo musical pienso que hizo una gran labor con su Arena Hash y como solista, y lo que él buscaba lo consiguió: ser aprobado y querido por la gente que iba a sus conciertos y compraba sus cassettes en su propio país. Para llegar a la estima de un público tan conchesumadre como el peruano, su táctica era ser buena gente con los demás y mantenerse positivo en todo momento, escuchando a los demás y haciéndose oír.

Pedro era nuestro Walt Whitman, nuestro Snoopy. No vivía quejándose como César Vallejo o Charlie Brown, sino vivía su vida contento, quizás a sabiendas que no le quedaba mucho, como el legendario Bobby Darin quien una falla cardiaca lo mandó a la tumba a los 37 años. Como a Darin, fue el corazón quien lo traicionó, pero a diferencia de él Pedro nunca fue tan camaleónico, sino fue siempre el mismo: un chico clasemediero con ganas de hacer música en base a sus experiencias y emociones. Y vaya que le funcionó.

En los últimos años los medios de comunicación y las redes sociales, especialmente las de algunos energúmenos que pernoctan en las casas de sus padres y/o usan perfiles con nombres falsos, buscaron arruinarle a Pedro la fiesta de sus tuits, posts y artículos. El cantautor escribía sin tapujos sobre su vida privada, sobre lo que veía  fuera de las cuatro paredes de su departamento en el distrito de Miraflores, donde estaba postrado debido a una penosa enfermedad. La gente que se burló de él ahora está dividida en dos grupos: el de los que lo lloran y el de los que lo seguirán machacando por sus opiniones hasta que nos olvidemos del penal fallado de Cueva. ¿Los que no se burlaron de él en ningún momento? Muy pocos. En las redes sociales de peruanos no existe la libertad de expresión, y ese fue otro mensaje que nos deja el flaco al partir.

Pero esto no es para escandalizarse tampoco. No olvidar que en el Perú, salvo multinacionales con nombres extranjeros, no hay muchos constructores. Preferimos destruir y criticar a crear -especialmente de la nada-. Pedro supo aprovechar las herramientas y materiales que tenía a su disposición para construir una banda de rock conformada por quinceañeros, con temas originales, y ponerla a sonar en las radios peruanas. Se supo internacionalizar, aunque creo que pudo haber llegado más lejos si se metía a fondo en el mercado mexicano; pero la verdad de la enchilada es que los mexicanos son muy cerrados con sus actividades musicales, a diferencia de los peruanos.

Pedro Suárez-Vértiz tenía un nombre compuesto y difícil de recordar para un directivo de Televisa y más complicado para un comprador de discos u oyente radial en pleno 1993, donde los nombres de los artistas se iban simplificando para su fácil conducción en el circuito latino: Mijares, Arjona, Natusha, Thalia... Es por eso que soy de la firme creencia de que Arena Hash nunca debió separarse: con un nombre así de comercial, con el material y liderazgo de Pedro, el caché de su hermano Patricio en el bajo, el carisma de Arturo Pomar Jr. en la batería y el atractivo de galán de Christian Meier en los teclados, pudieron haber conquistado el Perú y el resto de América como banda unida y democrática.

Pedro quiso seguir con su carrera solista, según él, porque tenía que mantener a su nueva familia. De haber seguido Arena Hash el mundo se hubiera salvado de otra carrera solista: la de Christian Meier con su caballito de batalla “Carreteras Mojadas”. Patricio no la hubiera pasado tan mal en Miami luego de poner un hit discotequero muy bueno: “Disco Bar”, y Arturo no se la hubiera pasado despotricando contra sus compañeros.

En pocas palabras: creo que una banda de rock es más sólida que un solista si es que se quiere triunfar en el extranjero, especialmente en un medio donde el campo está totalmente desnivelado para artistas peruanos, ecuatorianos o bolivianos.

Todos al final vamos a terminar como Pedro, pero vale la pena escuchar su mensaje positivo: la vida es una sola, y hay que hacer frente a todo con el positivismo más grande, porque sí se puede. Con la muerte de Pedro termina una era importantísima de autovalidación de la juventud peruana. Ésta fue la historia de un chico que conquistó al público de un país, Perú, en su peor momento, y que con su música convirtió ese momento en uno de los más entrañables para los jóvenes que lo vivimos en plena adolescencia. Este país aún no encuentra técnicas para olvidarlo, porque... 

Friday, November 3, 2023

El último single de los Beatles, “Now and Then” ha llegado y, por lo que dicen los medios, nos tiene que gustar, al igual que la reedición de los tradicionales compilatorios “rojo” (1962-1966) y “azul” (1967-1970) por su 50 aniversario. Prácticamente desde el 2017 todo lo que los Beatles han sacado ha sido innecesario y repetitivo, pero nos lo venden con el cuento de que “su sonido suena mejor que nunca”, lo cual es falso. No suena mejor, simplemente distinto, alterado y saturante.

¿Y si no nos gustan las reediciones, qué, los fanáticos enfermos de las redes nos mandan al loco calato con piedra?

Buena pregunta. Como está ocurriendo con Marvel y sus películas y series de súper-héroes contando una historia única y repetitiva a través de múltiples plataformas audiovisuales, los Beatles nos han estado dando a entender, año tras año, que no se van no porque sean buenos, sino porque su buena música tiene que ser alterada de forma en que le guste a un cierto grupo de ingenieros y audiófilos que no trabajaron con ellos, no como se escucharon en su época.

El que quiera gastar entre $300 y $400 al año en material Beatle que lo haga, está en su derecho. Yo no quiero hacerlo. Ya lo hice en el 2009 y en el 2014 adquiriendo respectivamente las cajas de álbumes en monaural en CD y LP. Y fue algo precioso. Solo entonces en el 2009 pude decir que tenía todo lo de los Beatles en el mejor sonido posible (agregando claro está los álbumes Yellow Submarine, Abbey Road y Let It Be que solo salieron en estéreo, además del compilatorio 1967-1970 para completar). Para mí eran buenas épocas de encanto musical y captura generacional, pero no me esperaba la decepción, y posterior horror, que Paul McCartney, Ringo Starr y Giles Martin me tenían preparado.

Hasta el lanzamiento de la reedición del compilatorio 1 en el 2015, con dos DVDs/BluRays llenos de videos de las canciones, todo estaba bien en el reino Beatle. Calderstone Productions, la empresa que administra el catálogo de los Beatles, parecía andar con buen pie suministrando al mercado material necesario y a la vez atractivo que preserve el legado de la banda. Pero se avecinaba el aniversario número 50 del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band en el 2017, y la empresa decidió darle al LP el tratamiento “caja Deluxe” que Paul McCartney le había estado dando a sus LPs solistas desde ya hacía unos cuantos años. La caja, de la cual lo único rescatable era una interesante aunque intrascendental mezcla 5.1 en BluRay, fue un desastre. Presentaba una remezcla del álbum a cargo de Giles Martin, además de tomas descartadas y versiones alternas que ya eran conocidas en el mundo de los coleccionistas de piratería.

Giles Martin al principio me impresionó por su trabajo dedicado en hacer algo “distinto”. Pero he ahí el problema: alterar las mezclas originales de la banda más importante de rock es como alterar los colores de la Mona Lisa; y haciendo una analogía, usar algoritmos de procesamiento digital de señales para “demezclar” instrumentos y voces es abrirle el escote, tal como se acaba de hacer con los compilatorios rojo y azul, y el año pasado con Revolver.

Una vez más, McCartney y su pandilla están reescribiendo, con éxito, la historia del rock. Cual sistema de propaganda digno de Kim Il Sung con su República Democrática de Corea, McCartney está dándole a los fans que quieren, y quien ose discutirle simplemente “odia a los Beatles”. Algo así como condenar a Israel por la masacre en Gaza y recibir el tradicional y ya hasta musical insulto de “antisemita”. O por condenar a Hamas por los ataques del 7 de octubre y ser catalogado como “anti-palestino”. En resumen: gente mediocre que no sabe lo que habla.

Esto no es un rechazo per se a la modernidad y a las tecnologías de de-mezcla que están operando en los archivos digitales de los Beatles, sino más bien un hastío a la sobre-exposición que se le está dando a una banda que al parecer nunca se separó y sus miembros no murieron o envejecieron, sino que siguen allí en todo formato audiovisual posible tocando los mismos 230 temas, aproximadamente, en diferentes y mínimas variaciones. ¿Por qué no ha de existir una fatiga si en los últimos 35 años los Beatles han lanzado, entre otros, los siguientes productos discográficos oficiales?

(Si hay carita feliz quiere decir que yo apruebo el producto).

2023 The Beatles 1962-1966, The Beatles 1967-1970 Expanded Reissues, Remixed

2023 Now And Then Single :)

2022 Get Back - The Rooftop Performance :)

2022 Revolver Deluxe Edition

2021 Let It Be Deluxe Edition

2019 The Singles Collection 45 RPM vinyl records of all their official UK singles

2019 Abbey Road Deluxe Edition

2018 The Beatles [“White Album”] Deluxe Edition

2017 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band Deluxe Edition

2017 The Christmas Records

2016 Live at the Hollywood Bowl (Eight Days a Week soundtrack) :)

2015 1 (Reissue) plus videos on DVD/ BluRay [1 & 1+] :)

2014 The Beatles in Mono Box Set (Vinyl) plus all Mono albums remastered :)

2014 The Japan Box

2014 The Beatles 1962-66, The Beatles 1967-70 (remastered on Vinyl) :)

2014 The U.S. Albums CD Box Set

2013 On Air: Live at the BBC Vol. 2  + Live At The BBC Vol. 1 (replacing the 1994 release with allegedly better sound) :)

2012 Magical Mystery Tour Film on DVD and BluRay / Double EP on Vinyl :)

2012 Yellow Submarine film on BluRay :)

2012 The Beatles Vinyl Box Set (Stereo) plus all Stereo albums remastered

2010 The Beatles 1962-66, The Beatles 1967-70 (remastered on CD) :)

2009 The Beatles in Mono Box Set (CD) plus The Beatles Studio Collection; plus all albums remastered in Stereo :)

2007 Love soundtrack :)

2007 Help! on DVD :)

2006 The Capitol Albums volume 2 :)

2004 The Capitol Albums volume 1 :)

2003 Let It Be... Naked :)

2003 Anthology on DVD :)

2003 A Hard Day’s Night on DVD :)

2000 1 :)

1999 Yellow Submarine Songtrack CD 

1999 Yellow Submarine on DVD/ VHS :)

1996 Anthology on VHS :)

1996 Anthology 3 :)

1996 Anthology 2 :)

1995 Anthology 1 :)

1994 Live at the BBC :)

1993 The Beatles 1962-1966, The Beatles 1967-1970 CD remasters :)

1988 Past Masters Vol. I & II :)

1987 The Beatles on CD collection :)


El abuso a los fans es evidente, y la realidad es que no habrá "música nueva" de los Beatles porque ya no existen como banda, pero sí como un sonido muy bueno al que hay que preservar y del cual hay que contar su historia tal como ocurrió, y eso incluye la forma en que se grabaron sus canciones.

Friday, September 29, 2023

Thursday, August 31, 2023



Fans de Police: por un momento, piensen en lo que hemos estado escuchando desde que la banda se hizo famosísima en 1979. Si hay un disco del querido trío que pueda decir es un álbum cohesionado, sólido, bien armado, funky, entretenido, político, caliente, intenso y sobre todo trascendental es éste, Ghost In The Machine, aparecido en 1981 y el cual fué una partida dramática del sonido minimalista y reggae-punk que les había dado buenos resultados anteriormente. Las razones por las cuales la banda decidió experimentar tan radicalmente se ubican en la niebla del tiempo pero una cosa es cierta: en 1981, los Police empezaban a aburrirse unos de otros.

Sting se acercaba a los treinta y su matrimonio estaba camino al desastre. Su esposa, Francis Tomelin, estaba por dar a luz a su segundo hijo mientras que su marido bajista estaba sintiendo el ardor del amor a su mejor amiga, Trudy Styler. Señales de ese affair se notan en "Every Little Thing She Does Is Magic" (aunque se tratara de una canción de su periodo pre-Police con Strontium 90) y "Hungry For You," mientras que en "Demolition Man," Sting dejaba ver que la situación lo hacía sentir un perro, un infiel, un inmoral. Stewart Copeland y Andy Summers eran la extensión de su vida privada y las dos personas con las cuales pasaba más tiempo con las giras y las grabaciones, y ahí la compinchería se estaba agotando también. Sting se sentía muy solo y alienado. Pero caray, qué bien respondió a esa sensación negativa cantando y tocando. Su mejor periodo creativo, sin duda.

Sting se mudó a Irlanda para evitar pagar impuestos en 1980 y tuvo un encuentro cercano con la realidad de la violencia en la parte norte de ese país. De la visión de los paramilitares de la IRA peleando contra los soldados Británicos en las calles de Belfast nació la embrujadora y melancólica "Invisible Sun," que recibió el hachazo de la BBC por incitar a la revuelta. Bono la cantó con Police en la gira de Amnistía Internacional en 1986, antes de la separación temporal de la banda, y éste fue el empujón que Sting necesitaba para volverse un activista político y escribir la antipinochetista "They Dance Alone (Cueca Solo)" en 1987. Todo lo que Sting hizo con Amnistía Internacional denunciando las torturas y las violaciones a los Derechos Humanos tuvo su inicio con "Invisible Sun", aunque creo que los derechos humanos que Sting veía violarse a diario eran los suyos: se sentía una basura al intentar salvar su matrimonio con Francis, pero la pasión por Trudy no lo estaba quemando vivo... ya lo había chamuscado porque era correspondido.

Stewart Copeland escribió con Sting "Rehumanize Yourself," una rápida canción llena de efectos sonoros como sirenas de ambulancia y riffs de saxo atonales. En ella la situación tensa de "Invisible Sun" se acelera y especifica con la historia de un chico violento que al final se une al National Front por ser éste lo más cercano a una pandilla de delincuentes. El fantasma en la Máquina está presente como una reflexión ante la forma aberrante del comportamiento social, el cual incluye hasta a los mismos miembros de la banda. Andy Summers se lamenta de su soledad en "Omegaman" y Copeland le canta a su estrés en "Darkness", tema en donde se encuentra la frase más profunda de la discografía de la banda (pese a que no es de Sting): la oscuridad me hace buscar a tientas la llave de una puerta que está ampliamente abierta. Pero el álbum, cuyo título es el mismo del ensayo de Arthur Koestler, es sobre el descenso a los infiernos del pobre Sting, que dos años después sería coronado como "King of Pain".

Aquí la versión de "Every Little..." por Strontium 90 -proyecto de los miembros de la banda previo a Police-, con Sting y su guitarra de palo:








Ghost in the Machine fue grabado en Montserrat, en el Caribe, en los Air Studios de George Martin. Perfecto ambiente para incrementar el nivel de reggae en canciones como "One World (Not Three)," un tema bi-cordal netamente justiciero. No hace mucho, varias canciones grabadas por Sting como demos para el álbum fueron filtradas en la internet, y la sorpresa fue grande al darnos cuenta que el material pudo haberse incrementado y, por qué no, haberse lanzado un álbum doble. Así es, Ghost In The Machine pudo haber sido el gran doble LP de Police, su álbum blanco. ¿No me creeen? Escuchen esta canción que nunca llegó a ser lanzada:





"Don't Think We Could Ever Be Friends," es un poema de pasión a un amor secreto, y fue tan secreto que la canción no fue considerada para la versión final del disco. No estoy diciendo que el cuarto álbum de Police sea limitado, pero en este punto de la evolución de un artista rock, se impone la idea de lanzar una ópera magna. Bob Dylan lo hizo con el Blonde And Blonde, y Miles Davis con su Bitches Brew. El Ghost In The Machine fue creado en la etapa de madurez de la banda, que transitaba del entretenimiento a la seriedad, del baile a la reflexión, del alcohol a la hierba, de los veintes a los treintas, del grupo al solista. Los Police del Ghost no eran los mismos del Reggatta De Blanc, así como los Beatles del Abbey Road no eran los mismos del With The Beatles. Todo ocurría tan rápido si nos ponemos a pensar que solo hacía 12 años King Crimson ya hablaba del 21st Century Schizoid Man y Sting ya lo estaba encarnando.

Monday, March 20, 2023

My Time: A Boz Scaggs Anthology (1969-1997) (Columbia/ Legacy, 1997)

BOZ SCAGGS
se nos ocurre pensar que Boz Scaggs es un hombre de mundo. Tiene que serlo un tipo que estuvo dos semanas en la India perdido sin un pasaporte. Alguien a quien le ha pasado de todo en su vida y terminó aprendiendo mucho de ella. Naturalmente, lo aprendido se refleja en la riqueza y variedad de su obra; por la cual el ex-editor en jefe de la revista Rolling Stone, Ben-Fong Torres, considera a Boz "el hijo de la música más verdadera que America haya producido". Es un cantante y compositor de primer nivel, y esta caja de dos discos lanzada por la Sony es de lejos la colección que todo fanático de Boz Scaggs había estado esperando. La compilación de 1980, Hits!, es corta, incompleta y no le hace justicia a su variada obra. Porque Boz se pasea por los blues, el big-band sound, el R&B, el rock and roll, hasta ciertas formas de Jazz perdidas en el tiempo... hace lo que quiere porque siente que no hay que detenerse en ningún momento. Boz evoluciona y crece con cada disco que saca, mientras van pasando los años (as the years go passing by). El resultado: música atemporal, clásica, perfecta.

Después de haber estado como guitarra y voz en los dos primeros discos de Steve Miller Band, Boz Scaggs se retira aludiendo diferencias musicales (es decir, dos soles no pueden brillar en un mismo cielo). En 1969 Boz lanza su primer álbum solista homónimo bajo el sello Atlantic, incluyendo un espectacular blues de 13 minutos llamado "Loan Me A Dime" con Duane Allman en la guitarra slide. Brillante, escalofriante, potente, "Dime" es el himno no oficial de los mendigos del centro de San Francisco. Dicho tema fue co-producido por Jann S. Wenner, el editor principal de la revista Rolling Stone. Atlantic ha permitido que Sony la incluya en esta colección y se lo agrademos hasta ahora.

En lo que respecta a las posiciones Billboard, Boz siempre mantuvo un perfil bajo, a pesar de la calidad de sus temas. No son para cualquiera, pensaríamos. Para el álbum Boz Scaggs and Band, el tema "Runnin' Blue" fue una buena señal de que su performance iba, poco a poco, mejorando más hacia el R&B. "We Were Always Sweethearts", del Moments, es Soul-a-la-Motown cantada por un blanco con voz de negro. My Time, del 72, trajo a "Dinah Flo" con su melancólico coro femenino.

Billboard presentó en el puesto #2 de los álbumes a la obra clave de Scaggs, Silk Degrees, en 1976. La canción más popular, "Lowdown", tocó el puesto #3 de singles y es hasta ahora su mayor éxito. Aunque más tiende a R&B, "Lowdown" puede ser fácilmente catalogada como música disco: es muy bailable y tiene una pegajosa línea melódica. Dos baladas maravillosas vinieron junto con este éxito: "Harbor Lights" y "We're All Alone". Esta última llegó a ser un gran éxito por Rita Coolidge, amiga de Boz y colaboradora en los álbumes Moments y My Time.

Down Two Then Left
, del 78, no tuvo el tremendo éxito que tuvo Silk Degrees, pero tuvo dos canciones de fuerte pegada emocional, "1993" y "Hard Times". En 1980 se lanzó Middle Man, el mejor momento musical de Boz. "Jojo", "Simone" (esta es mi favorita), "You Can Have Me Anytime"* (con Carlos Santana a la guitarra) y "Breakdown Dead Ahead" son lo mejorcito del disco. No lanzaría material nuevo hasta 1988, con el álbum Other Roads. Donald Fagen, de Steely Dan, lo invita a participar en 1991 en un concierto de Soul en el Beacon de New York llamado The New York Rock N Soul Revue. Boz canta "Drowning In The Sea Of Love" y la ovación del respetable es la más intensa de la noche; pese a que Boz no es neoyorquino ni era la estrella principal del show.

Con Scaggs, uno se da cuenta de que en la vida hay tanto por hacer...  y nunca hay que olvidarse de vivir. Nuestra más profunda admiración a este músico, poeta, viajero, curioso, romántico... en fin, el prototipo de cool. Hace rato que él debería estar en el salón de la fama del Rock And Roll. Definitivamente. Y nosotros en CacaoRock no hablamos por hablar.

Wednesday, March 1, 2023


Fifty years is a reasonable long period of time to judge or
rate a record: to check how good it behaved throughout the decades, if it has influenced other works -although I believe that's not so important, since it's always been about how much it influenced you-, and maybe to drill down some melody we may have been humming along all this time.

Records like Dark Side Of The Moon are for some collectors like for normal people is to have food in the table or to own a car. You have to have it or else your life is worthless. Every once in a while getting an additional copy is good for you. With four decades on its shoulders and so many cultural changes that have happened since 1973, the collective sub-conscious has kind of forgotten how astonishing and groundbreaking this production is.




Noble successor of concept albums such as Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band and Tommy, The Dark Side Of The Moon was constructed using the same mold other Pink Floyd albums were made, such as Meddle and Atom Heart Mother. However, the Floyd picked a vast subject: life and death. The life and the artistic suicide of Pink Floyd's founder: the great Syd Barrett, of whom nobody knew if he was breathing or pulling daisies.

Darky
owes much from its success to the conditions it was recorded. London's Abbey Road was the studio, Alan Parsons the main engineer (who later complained of not making any royalties out of this album), and the four members of the band were the actual producers. They risked everything and they got what they deserved: The permanency of the album on Billboard's Top 200 albums from 1973 until 1988 (I personally bought the Peruvian cassette for the first time one year later).




Still today, it's one of the best selling compact discs on Amazon.com. It's a record each new generation has to discover, and it is for that reason that the album will never leave, just like the Beatles' or Mozart's music. 


In a sequence of nine (or ten) tracks, lyricist Roger Waters pens the story of a man (you or I) obsessing with time slowly pushing him toward his death. "Breathe" and "Time" are written almost in the same moderate beat. Between them, "On The Run", an intricate game of synthesizers, heartbeats and airport sounds where airplanes take off and crash. Richard Wright, the keyboard player, executes an instrumental called "Great Gig In the Sky", based on the ancient Egyptians' idea of the chariot that takes the dead to Paradise. Did I say ancient Egyptians? See the pyramids in the inner sleeve of the CD. See the pyramidal prism that decomposes the white light.

For the B side, Waters composes "Money", the best song written about the vile metal ever. There are references to Elton John buying a soccer team to Led Zeppelin buying an jet plane for themselves (Steve Miller Band's "Jet Airliner" probably wanted to follow that concept). "Money is the root of all evil today", sings David Gilmour, and we look back and we say... oh yeah. "Us And Them" is about the struggle of classes that helped creating part of Barrett's madness and a natural segue to "Money". "Any Colour You Like" is considered another reprise of "Breathe", and the idea of a quiet album about a screaming subject turns into reality in our ears. The album ends with "Brain Damage" and "Eclipse", two fascinating games of words about madness, love and relationships that made Roger Waters' wife cry when she listened to them for the first time. You might too if you get it.


Alan Parsons, chief engineer at Abbey Road Studios during the Darky sessions, talked during an interview in 1982 about how hard recording this album was. Pink Floyd wanted strange sounds to sound familiar to the listener. A cash register and a bag of currencies pulsing in 7/4 tempo, recorded on a tape that looped around the control room. Another room full with wall clocks hitting the hour, a beating heart that begins and finishes the symphony of life. It took them one year to finish the album, and when Pink Floyd left Abbey Road Studios, their brains couldn't function anymore. It was just like the Beatles after Pepper. The album drained all their creativity and their next project, something called Household Objects using sounds created without actual musical instruments, had to be dropped but some elements were found in their follow-up record which came out two years later: Another tribute to Syd called Wish You Were Here. For some, their real masterpiece.




Darky will always be available in Amazon.com.




More Floyd:

Ummagumma (Harvest, 1969): Still, the most spacey record of the sixties. Out of this Solar System.

Wish You Were Here (Columbia, 1975): A homage to guitar-vocalist-songwriter-leader of 1966 and 1967's Pink Floyd, Syd Barrett. Gilmour and Waters ask him to come back and join the band. But two guitars can't sound in the same amp, or can they?

Animals (Columbia, 1977): They got to be crazy. The ultimate conceptual album about failure of capitalism, the beginning of the end. In 2008 it became the unofficial anthem of the economy meltdown.

A Collection of Great Dance Songs (Columbia, 1981): In one record, the six most popular Pink Floyd songs. Adorable: "Money" played solely by Gilmour because EMI refused to give the song to Columbia.

The Wall (Columbia, 1979): the kick in the ass, from Pink Floyd to all the Punk generation. With lots of love.

Echoes (Capitol, 2001): Essential Pink Floyd, sequenced by Gilmour and Waters. Like previous albums, a tribute to the eternal Syd Barrett.


Sunday, February 12, 2023

Maxi-Single de 1987 que preveía el futuro a corto plazo en las discotecas de Europa.


Si antes 26 años eran una eternidad, ahora no son nada en el mundo de la música popular. Pareciera que, al menos desde nuestras trincheras, la música se hubiera estancado en un trance interminable de mediocridad: lo único que nos excita es la envoltura, el paquete que lleva el sonido. Las canciones ya no son el motivo principal de admiración de un artista, sino cómo se viste (Lady Gaga), en qué club se presenta (David Guetta), cuántos años tiene (Justin Bieber) o con quién se está acostando (Selena Gómez).



Foto de libreto del CD Best of Matt Bianco, 1990.

Single de 1986. Brillante.


Danny White, Basia Trzetrzelewska y Mark Reilly, 1984.

Uno puede darse cuenta que la música el 2012 está bien jodida cuando Madonna acaba de "cantar" en el Superbowl, un año después de que los Black Eyed Peas hicieran el ridículo en el mismo escenario; que la mejor cantante del momento, Adele, está en tratamiento de recuperación por una cirugía a las cuerdas vocales y que se retira de la música en cualquier momento, y que las mejores voces de los últimos 30 años, Etta James, Whitney Houston y Amy Winehouse, se hayan ido de pronto y dentro de un periodo breve, dejando un forado inmenso. Tiempos tristes estos.





Felizmente, para levantar la moral, está Matt Bianco si uno quiere arriesgarse. En 1988, el grupo (porque Matt Bianco es un grupo, no un solista; abordaré este detalle más adelante) tuvo un éxito relativamente grande en Estados Unidos con "Don't Blame It On That Girl", un número bailable que mezclaba el pulsante ritmo de Miami con una sutil vocalización británica. Pero Matt Bianco resultó ser un tesoro escondido en un océano de Top 100. Su música llega a donde Miami Sound Machine, por el lado latin pop, nunca pudo llegar, y a donde el smooth jazz jamás se atrevió a incursionar. De ahí a que sus álbumes sean, cada uno, una verdadera sorpresa.






El concepto de Matt Bianco nació cuando Mark Reilly, Danny White y Kito Poncioni se reunieron para crear música jazz-pop "globalizada". Quizás imaginaron que Matt Bianco era un "nombre clave de algún agente secreto británico que se queda de expatriado en el Caribe para hacer música y pasarla bien luego de alguna misión tortuosa en las congeladas planicies de la Siberia soviética", o quizás el nombre salió de la imaginación de Reilly, como si fuera un alter ego potencial. Llamaron a Basia Trzetrzelewska para que sea la vocalista y con ella grabaron el primer disco, mezclado por el exitoso productor Phil Harding, llamado Whose Side Are You On, el cual aquí ya hemos catalogado como una obra maestra. "More Than I Can Bear", una magistral balada, es regrabada con la voz de Basia adornándola por todos lados y se puede encontrar en algunas versiones posteriores del álbum.

Basia y Danny se enamoraron y dejaron Matt Bianco (es decir, dejaron solo a Mark Reilly) para trabajar en la carrera solista de la primera. Fue una buena decisión porque, tres años después, apareció de forma sutil y contundente Time And Tide bajo el sello Epic. Reilly decide continuar con Matt Bianco llamando a Mark Fisher, tecladista y genio de estudio. Junto a una pléyade de invitados, Reilly y Fisher lanzan una serie de discos apuntando al sonido latino pop de Miami Beach y el Caribe manteniendo un pie en el jazz y el pop suave apetecible al gusto inglés. Acertaron con Jenny Evans en la voz para el disco Matt Bianco del 86, el cual incluyó "Yeh-Yeh", un formidable y fresco cover de Georgie Fame & The Blue Flames.








Pero lo mejor llegaría en 1988 con Indigo, un disco totalmente latinizado que tiende a convertirse en álbum de cabecera y uno de los pocos casos en los que Emilio Estefan acerta produciendo un tema: "Don't Blame It On That Girl" se convierte en el  mayor éxito de Matt Bianco y sus claros sonidos de metales y piano montuno inundan muchas radios y discotecas. "Good Times" también atrae a los radioescuchas, pero es "Say It's Not Too Late", continuación natural de "More Than I Can Bear", la verdadera estrella del disco. Indigo en CD suena muy, muy bien. En vinilo, mejor todavía.

Matt Bianco exactamente no es un grupo sino una idea, un producto musical. Funciona en la imaginación del oyente: uno puede decirle a alguien quien nunca ha oído hablar de "Matt Bianco" que se trata de un cantante británico radicado en Miami o en Barbados que tiene una orquesta sensacional. También se puede decir que es un grupo sólido, o un dúo, o la banda de soporte de Basia en sus primeros años de carrera. Las posibilidades son ilimitadas y son nuestras, las de los oyentes.





Los discos siguieron apareciendo y sus producciones impecables sorprendían a mercados en Asia y Oceanía, mas no en los Estados Unidos ni Europa. Matt Bianco es muy querido en Japón e Indonesia, donde recientemente se presentaron en el festival de Jazz de Jakarta. Se trata de música entretenida, y no hay más vueltas que darle ni tres pies de gato que buscar. Son capaces de hacernos levantar las cejas al oír un cover como el de "What A Fool Believes", o hacernos oír más de una vez temas como "Anna Marie".






En el año 2004, Basia y Danny White se volvieron a encontrar con Mark Reilly y grabaron una secuela a aquel magistral debut, el Matt's Mood, que los encontró con veinte años encima, a los tres, y les dio una oportunidad más para tocar juntos. Basia, con una carrera muy respetada aunque irregular, quizás necesitaba un empujoncito de la nostalgia. Funcionó.





















En general, Matt Bianco responde muy bien en fiestas europeas o euro-asiáticas donde falte un toque caribeño, o donde la audiencia no esté lista para sonidos completamente afro-latino-caribeño-americanos. Intenten con "Don't Blame It On That Girl", verán que la fiesta se arma. Los fanáticos de Matt Bianco, pocos pero distribuidos en todo el mundo, saben de lo que escribo.













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